{"id":7,"date":"2019-07-18T13:34:08","date_gmt":"2019-07-18T11:34:08","guid":{"rendered":"https:\/\/stoa169.com\/?page_id=7"},"modified":"2025-11-29T17:47:32","modified_gmt":"2025-11-29T16:47:32","slug":"willkommen-bei-der-stoa169-stiftung","status":"publish","type":"page","link":"https:\/\/stoa169.com\/de\/willkommen-bei-der-stoa169-stiftung\/","title":{"rendered":"Willkommen bei der STOA169 Stiftung"},"content":{"rendered":"\t\t<div data-elementor-type=\"wp-post\" data-elementor-id=\"7\" class=\"elementor elementor-7\">\n\t\t\t\t\t\t<section class=\"elementor-section elementor-top-section elementor-element elementor-element-e92e5b0 elementor-section-boxed elementor-section-height-default elementor-section-height-default\" data-id=\"e92e5b0\" data-element_type=\"section\" data-e-type=\"section\" data-settings=\"{&quot;background_background&quot;:&quot;classic&quot;}\">\n\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"elementor-background-overlay\"><\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"elementor-container 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href=\"https:\/\/stoa169.com\/de\/faq\/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"><span style=\"text-decoration: underline;\">hier.<\/span><\/a><\/span><span style=\"color: #339966;\"><strong>\u00a0<\/strong><\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t<section class=\"elementor-section elementor-top-section elementor-element elementor-element-d6ce15d elementor-section-boxed elementor-section-height-default elementor-section-height-default\" data-id=\"d6ce15d\" data-element_type=\"section\" data-e-type=\"section\">\n\t\t\t\t\t\t<div class=\"elementor-container elementor-column-gap-no\">\n\t\t\t\t\t<div class=\"elementor-column elementor-col-25 elementor-top-column elementor-element elementor-element-38f1b61\" data-id=\"38f1b61\" data-element_type=\"column\" data-e-type=\"column\">\n\t\t\t<div class=\"elementor-widget-wrap elementor-element-populated\">\n\t\t\t\t\t\t<div class=\"elementor-element 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Peking<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Roland Fischer experimentierte von 1980 an mit gro\\u00dfformatigen Portraitaufnahmen, welche zu den Serien der &#8222;Nonnen und M\\u00f6nche&#8220; und der \\u201eLos Angeles Portraits\\u201c f\\u00fchrten, die seit den fr\\u00fchen 90er Jahren w\\u00e4hrend seines Aufenthaltes in Kalifornien entstanden. Etwas sp\\u00e4ter folgen gro\\u00dfformatige Kollektivportraits. Der Architektur wendet sich Fischer in dem in den sp\\u00e4teren 90er Jahren entstehenden Werkkomplex der &#8222;Kathedralen&#8220; zu, in denen er Fotografien von Innen- und Aussenraum bedeutender Kirchengeb\\u00e4ude \\u00fcberlagert. Mensch und Architektur bleiben die zentralen Motive seines Werkes. So entstehen seit den 90er Jahren die Serie der &#8222;Fassaden&#8220; und sp\\u00e4ter der &#8222;new architectures&#8220;, denen emblematische Fassaden moderner und zeitgen\\u00f6ssischer Architektur zugrundeliegen.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>&#8222;Es ging mir eigentlich immer mehr um das Bild als um das Abbild. Ich betrachte Bilder infolgedessen auch als Teil des visuellen Denkens, welches ja gerade nicht sprachlich ist, also erz\\u00e4hlerisch, abbildend. &#8230;&#8220; (Roland Fischer im Interview von Paul Wagner, &#8222;Lust auf Gut. Heft Nr. 113, 2018)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.rolandfischer.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.rolandfischer.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.rolandfischer.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Roland Fischer<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Fischer\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/07\\\/fischer-e1565622003970.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/roland-fischer\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/05\/Hupperich-Kopie.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Lorena Herrera Rashid &#038; Endy Hupperich\",\"text\":\"\\n<p>Lorena Herrera Rashid *&nbsp;1972 in Mexico City, lebt in Itzamatitlan, Mexiko<br>Endy Hupperich *&nbsp;1967 in Kaufbeuren, Deutschland, lebt in Itzamatitlan, Mexiko<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Lorena Herrera Rashid ist Bildhauerin, Endy Hupperich Maler. Beide haben in M\\u00fcnchen studiert, seit 2014 leben und arbeiten sie in Mexiko.&nbsp;Das Bildhauerische und das Malerische sprechen jeweils eine eigene Sprache, und bislang verfolgten die beiden K\\u00fcnstler eigene Projekte. F\\u00fcr das Projekt STOA169 wurden sie eingeladen, erstmals gemeinsam zu arbeiten.&nbsp;<br>Lorena Herrera Rashid und Endy Hupperich schauen mit ihrer Kunst kritisch auf die Ph\\u00e4nomene, die wir t\\u00e4glich erleben und die uns umgeben: auf die Vermassung und Gleichschaltung in allen Bereichen, die Uniformit\\u00e4t und Verflachung der Medien, die \\u00dcberflutung mit Zeichen, die Zunahme an K\\u00fcnstlichkeit, auf den hemmungslosen Konsum und die Verschwendung, die globale Vermarktung, den Verlust an Konzentration, Religiosit\\u00e4t und Ersatzreligionen \\u2013 und auf die Nostalgie angesichts alles immer schneller Verschwindenden. Dabei spielen die unterschiedlichen Orte und Kulturr\\u00e4ume ihrer Biografien beim sprachlichen und bildnerischen Austausch der beiden K\\u00fcnstler eine zentrale Rolle.&nbsp;Sowohl Herrera Rashid als auch Hupperich nehmen diese Welt nicht einfach als gegeben hin. Sie entfliehen ihr nicht in Illusionen und Traumwelten, sondern schauen sie bewusst an und hinterfragen sie immer wieder neu. Respektlos, aber nie aggressiv oder zerst\\u00f6rerisch nehmen sie sie auseinander, bearbeiten sie vielmehr spielerisch. Sie wenden sich verbrauchten Motiven zu und haben Sympathien f\\u00fcr gebrochene Charaktere.&nbsp;In ihrer k\\u00fcnstlerischen Praxis gibt es f\\u00fcr die beiden K\\u00fcnstler keine Begrenzungen, keine Fixierungen, keine Grenzen zwischen High and Low, zwischen Hochkunst und Trash, zwischen dem ganz gro\\u00dfen Zusammenhang und den fragmentarischen Fetzen. Die Welt ist eine ausufernde, sich st\\u00e4ndig ver\\u00e4ndernde, niemals vollkommene Einheit. Ihre sperrigen, unangenehmen und unhandlichen Seiten lassen sich nicht bek\\u00e4mpfen. Sie k\\u00f6nnen nur auf eine friedfertige, spielerische Weise angenommen werden \\u2013 um ihre gro\\u00dfartige Vielfalt zu erhalten.<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Herrera Rashid & Hupperich, Endy\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/05\\\/Lorena-Endy_20200310_122927-Kopie.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/lorena-herrera-rashid-endy-hupperich\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/09\/slider-frommelt.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Martin Frommelt\",\"text\":\"\\n<p>*1933 in Schaan, Liechtenstein<br>lebt in Schaan<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Martin Frommelt arbeitet als Maler, Bildhauer und Druckgrafiker. Parallel zur Malerei besch\\u00e4ftigt sich Frommelt seit den 1950er Jahren bis heute mit der Integration von Kunst in die Architektur und den \\u00f6ffentlichen Raum. Unter anderem widmet er sich der Farbgestaltung ganzer Geb\\u00e4udekomplexe und Fassaden, realisiert Glasfenster und Mosaike. Dar\\u00fcber hinaus entstehen zahlreiche Skulpturen und Emaillearbeiten. Seit den 1970er Jahren widmet er sich neben der Malerei zunehmend auch der Druckgrafik und ihren M\\u00f6glichkeiten serieller Darstellung. In diesem Zusammenhang entstehen bibliophile Mappenwerke und umfangreiche druckgrafische Zyklen. 1970 erschien sein erstes druckgrafisches Werk \\u201eDie Apokalypse nach Johannes\\u201c, eine serielle Arbeit (Farbholzschnitt) zur Thematik der Transzendenz. Der zweite gro\\u00dfe Grafikzyklus \\u201eV\\u00e4htreb-Viehtrieb\\u201c (1974-1986) ist eine Erz\\u00e4hlung in Tiefdrucktechnik \\u00fcber das karge Leben der Viehhirten. 1989-1999 erarbeitete Frommelt den Radierungszyklus \\u201eCREATION \\u2013 F\\u00fcnf Konstellationen zur Sch\\u00f6pfung\\u201c, ein umfassendes Panoptikum der gestalterischen Erscheinungsformen der nat\\u00fcrlichen Umwelt und der visuellen Strukturen in der Kosmologie.  Als Triologie bilden sie einen eigenen Schwerpunkt in Frommelts Werk. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201eF\\u00fcr mich z\\u00e4hlt das Bild hinter dem Bild\\u2026\\u201c (Martin Frommelt)<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.martinfrommelt.li\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">www.martinfrommelt.li<\\\/a>  <a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/watch?v=REOOX-_FTPY\\\" target=\\\"_blank\\\">\\u2192 Video <\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto: Sebastian Frommelt \\u00a9 Atelier Martin Frommelt<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Frommelt\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Frommelt-Martin-\\u00a9--e1565618783704.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/martin-frommelt-2\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/10\/F05_Huihna_DSC00089-frei.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Maheatete Huhina\",\"text\":\"\\n<p>* 1978 in Puama\\u2018u auf der Insel Hiva\\u2018oa, Te Fenua \\u2018Enata (Marquesas Inseln), Franz\\u00f6sisch Polynesien<br>lebt in Nahoe, Hiva\\u2018oa<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Von seinem Grossvater, Bildhauer in Puama\\u2018u, inspiriert, hegt Maheatete Huhina schon als Kind den Wunsch, Bildhauer zu werden. Heute sieht er sich mit seinen Arbeiten in der Nachfolge seiner direkten Vorfahren, den legend\\u00e4ren Bildhauern von Puama&#8217;u, Sch\\u00f6pfern des Taka&#8217;i&#8217;i, des gr\\u00f6\\u00dften und bekanntesten Tikis Polynesiens.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Maheatete Huhina<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Huhina\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/10\\\/Maheatete-Huhina-portrait-Kopie.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/maheatete-norbert-huhina\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/02\/Green.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Nathan Randall Green\",\"text\":\"\\n<p>* 1980 in Houston, Texas; lebt in New York <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Nathan Randall Greens farbenreiche Gem\\u00e4lde und Wandbilder erforschen oft wissenschaftliche und kosmologische Ideen, w\\u00e4hrend sie zugleich auch die formalen und strukturellen Qualit\\u00e4ten der abstrakten Malerei innerhalb deren reicher Geschichte untersuchen. Unter Verwendung von Linie, Form, Farbe und Textur erschafft Green tiefe, malerische Landschaften mit grafischen Informationen, die sich mit der Art und Weise auseinandersetzen, wie wir unsere Welt messen, kartieren und abbilden.&nbsp;<br>Nathan Randall Green erhielt seinen Bachelor of Fine Arts von der University of Texas in Austin. Er ist Gr\\u00fcndungsmitglied und Partner der Okay Mountain Gallery and Collective in Austin, Texas und war Kurator f\\u00fcr Bildung am Modern Art Museum of Fort Worth. Zuletzt wurden seine Arbeiten in der Walter Storms Gallery in M\\u00fcnchen, SPRING \\\/ BREAK in New York, The Pit Presents in Los Angeles, Morgan Lehman Gallery in New York, Barry Whistler Gallery in Dallas und Left Field in San Luis Obispo, Kalifornien ausgestellt. Au\\u00dferdem hat er an Artist-In-Residence-Programmen in Connecticut, New York, Vermont, Michigan, Illinois und Dallas teilgenommen und Wandmalereien in den ganzen Vereinigten Staaten angefertigt.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.nathanrandallgreen.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.nathanrandallgreen.com<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Green\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/02\\\/NRG.Stoa169.Portrait-www-scaled.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/nathan-randall-green\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/01\/Orsto.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"James Gregory Orsto\",\"text\":\"\\n<p>* 1983 in Darwin, Australien<br>lebt in Darwin, Australien<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>James Gregory Orsto ist ein aufstrebender talentierter Tiwi-K\\u00fcnstler. Sowohl sein pers\\u00f6nliches Leben als auch seine k\\u00fcnstlerische Entwicklung sind mit einer ber\\u00fchmten und respektierten Abstammungslinie von Tiwi-K\\u00fcnstlern  verflochten: angefangen bei seiner Gro\\u00dfmutter, der ehrw\\u00fcrdigen Jean Baptiste Apuatimi und seinem Gro\\u00dfvater Declan Apuatimi; dann seine gefeierte Mutter, Maria-Josette Orsto und sein Vater Gregory Orsto. Von klein auf war James von gro\\u00dfen K\\u00fcnstlern und Kulturschaffenden umgeben, und verbrachte viele Stunden damit, sie zu beobachten und \\u2013 inspiriert von den starken kulturellen Praktiken der Tiwi \\u2013  auf nat\\u00fcrliche Art und Weise seine k\\u00fcnstlerischen F\\u00e4higkeiten zu entwicklen. W\\u00e4hrend er bisher Tutinis nur lokal f\\u00fcr die wichtigen Pukamani-Zeremonien produzierte, erarbeitete Orsto k\\u00fcrzlich drei von 25 majest\\u00e4tischen Tutinis (Pukamani Poles) f\\u00fcr die monumentale Installation &#8222;Parlika Tutini Jilamara&#8220; f\\u00fcr das Tarnanthi-Festival und die Art Gallery of South Australia in Adelaide. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.munupiart.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.munupiart.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.munupiart.com<\\\/a>, Foto \\u00a9 Ben Searcy<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Orsto\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/01\\\/James-Orsto-photo-Credit-Ben-Searcy-scaled-e1579520138505.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/james-gregory-orsto\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/flatz-x-Kopie-2.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"FLATZ\",\"text\":\"\\n<p> *&nbsp;1952 Dornbirn, \\u00d6sterreich<br>lebt in M\\u00fcnchen&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>FLATZ (Wolfgang Flatz) ist Aktionsk\\u00fcnstler, B\\u00fchnenbilder, Musiker, Musiker und Kompononist. Nach einer Gold- und Silberschmiedelehre in Feldkirch\\\/ \\u00d6sterreich (1967\\u20131971) studierte er Metalldesign an der HTBL in Graz\\\/ \\u00d6sterreich (1971\\u20131974 ) und Goldschmiedekunst und Malerei an der Akademie der Bildenden K\\u00fcnste in M\\u00fcnchen (1975\\u20131981) bei Hermann J\\u00fcnger, Karl Fred Dahmen und G\\u00fcnter Fruhtrunk sowie Kunstgeschichte an der LMU M\\u00fcnchen. Nach einer Auseinandersetzung mit zeitgen\\u00f6ssischer Kunst, v.a. dem Happening und dem Wiener Aktionismus, schafft FLATZ seit 1974 Arbeiten in den Bereichen Malerei, Skulptur, Performance, Video, Computer, Film, Fotografie, Theater, Musik, Design, Architektur. Themen  sind Voyeurismus, K\\u00f6rper, Gewalt, Aggression, Schmerz, Liebe, Politik und Interaktionen mit dem Publikum. <br>1988 hatte FLATZ eine Gastprofessur an der Hochschule f\\u00fcr Gestaltung in Darmstadt inne und war 1989\\u20131990 Professor an der Hochschule f\\u00fcr k\\u00fcnstlerische und industrielle Gestaltung in Linz, \\u00d6sterreich, und 1990\\u20131991 Gastprofessor in Leningrad, Moskau und Tiflis\\\/ UdSSR. Seine Arbeiten wurden unter anderem beim Steirischen Herbst (Graz), im Gropius Bau (Berlin), im ZKM Karlsruhe, im Ludwig Forum f\\u00fcr Internationale Kunst Aachen und auf der documenta IX (Kassel) gezeigt. Im Kistlerhof in Obersendling hat FLATZ&nbsp; im sechsten Stock sein Atelier &#8222;Heaven 7&#8220; mit einem 3200 Quadratmeter gro\\u00dfen Dachgarten, den er mit 23 Skulpturen aus seinem Schaffen seit etwa 1980 ausbaute. 2009 wurde das FLATZ Museum der Stadt Dornbirn er\\u00f6ffnet.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.flatz.net (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.flatz.net\\\" target=\\\"_blank\\\">www.flatz.net<\\\/a><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Bernd Zimmer&nbsp;<br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<figure class=\\\"wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube\\\"><div style=\\\"display: contents;\\\" >\\n\\n<div data-mode=\\\"normal\\\" data-oembed=\\\"1\\\" data-provider=\\\"youtube\\\" id=\\\"arve-youtube-19fo9mpns0s\\\" class=\\\"arve\\\">\\n\\t<div class=\\\"arve-inner\\\">\\n\\t\\t<div class=\\\"arve-embed arve-embed--has-aspect-ratio\\\">\\n\\t\\t\\t<div class=\\\"arve-ar\\\" style=\\\"padding-top:56.250000%\\\"><\\\/div>\\n\\t\\t\\t<iframe allow=\\\"accelerometer &apos;none&apos;;autoplay &apos;none&apos;;bluetooth &apos;none&apos;;browsing-topics &apos;none&apos;;camera &apos;none&apos;;clipboard-read &apos;none&apos;;clipboard-write;display-capture &apos;none&apos;;encrypted-media &apos;none&apos;;gamepad &apos;none&apos;;geolocation &apos;none&apos;;gyroscope &apos;none&apos;;hid &apos;none&apos;;identity-credentials-get &apos;none&apos;;idle-detection &apos;none&apos;;keyboard-map &apos;none&apos;;local-fonts;magnetometer &apos;none&apos;;microphone &apos;none&apos;;midi &apos;none&apos;;otp-credentials &apos;none&apos;;payment &apos;none&apos;;picture-in-picture;publickey-credentials-create &apos;none&apos;;publickey-credentials-get &apos;none&apos;;screen-wake-lock &apos;none&apos;;serial &apos;none&apos;;summarizer &apos;none&apos;;sync-xhr;usb &apos;none&apos;;web-share;window-management &apos;none&apos;;xr-spatial-tracking &apos;none&apos;;\\\" allowfullscreen=\\\"\\\" class=\\\"arve-iframe fitvidsignore\\\" credentialless data-arve=\\\"arve-youtube-19fo9mpns0s\\\" data-lenis-prevent=\\\"\\\" data-src-no-ap=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/19fo9mpns0s?feature=oembed&amp;iv_load_policy=3&amp;modestbranding=1&amp;rel=0&amp;autohide=1&amp;playsinline=0&amp;autoplay=0\\\" frameborder=\\\"0\\\" height=\\\"0\\\" loading=\\\"lazy\\\" name=\\\"\\\" referrerpolicy=\\\"strict-origin-when-cross-origin\\\" sandbox=\\\"allow-scripts allow-same-origin allow-presentation allow-popups allow-popups-to-escape-sandbox\\\" scrolling=\\\"no\\\" src=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/19fo9mpns0s?feature=oembed&#038;iv_load_policy=3&#038;modestbranding=1&#038;rel=0&#038;autohide=1&#038;playsinline=0&#038;autoplay=0\\\" title=\\\"\\\" width=\\\"0\\\"><\\\/iframe>\\n\\t\\t\\t\\n\\t\\t<\\\/div>\\n\\t\\t\\n\\t<\\\/div>\\n\\t\\n\\t\\n\\t<script type=\\\"application\\\/ld+json\\\">{\\\"@context\\\":\\\"http:\\\\\\\/\\\\\\\/schema.org\\\\\\\/\\\",\\\"@id\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/stoa169.com\\\\\\\/de\\\\\\\/willkommen-bei-der-stoa169-stiftung\\\\\\\/#arve-youtube-19fo9mpns0s\\\",\\\"type\\\":\\\"VideoObject\\\",\\\"embedURL\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/www.youtube.com\\\\\\\/embed\\\\\\\/19fo9mpns0s?feature=oembed&iv_load_policy=3&modestbranding=1&rel=0&autohide=1&playsinline=0&autoplay=0\\\"}<\\\/script>\\n\\t\\n<\\\/div>\\n<\\\/div><\\\/figure>\\n\",\"artist\":\"Flatz\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/01\\\/flatz-portrait.-Foto-Bernd-Zimmer-768x1024-1-e1582210207622.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/flatz\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/04\/Ocean-sole.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Ocean Sole\",\"text\":\"\\n<p>Ocean Sole ist ein soziales Unternehmen, das angesp\\u00fclte Flip-Flops in farbenfrohe Kunstwerke verwandelt, um die Ozeane sch\\u00fctzen und ein Bewusstsein f\\u00fcr ihre Verschmutzung zu schaffen. Durch das Sammeln von Flip-Flops hat Oceans Sole positiven Einfluss auf \\u00fcber 1.000 Kenianer:innen und bietet ca. 100 einkommensschwachen Kenianer:innen ein regelm\\u00e4\\u00dfiges Gehalt. Die Idee entstand auf der abgelegenen Insel Kiwayu, die an Somalia und die \\u00e4u\\u00dferste Spitze Nordkenias grenzt, wo schockierende Mengen an Meeresm\\u00fcll, vor allem an den Nistpl\\u00e4tzen der Schildkr\\u00f6ten und ihrer Jungtiere an der K\\u00fcste angesp\\u00fclt wurden. Das M\\u00fcllproblem f\\u00fchrte dazu, dass phantasievolle und innovative Kinder den Abfall in Spielzeug verwandelten, um damit zu spielen. Als die M\\u00fctter sahen, wie farbenfroh die upgecycelten Spielzeuge aussahen, beschlossen sie, ausrangierte Flip Flops zu reinigen und in Kunstwerke zu verwandeln, die sie verkaufen wollten. Im Laufe der Jahre hat Ocean Sole seinen Fokus von kenianische Gemeinden auf ein ganzes \\u00d6kosystem von H\\u00e4ndler:innen, Sammler:innen, Designer:innen und Mitarbeiter:innen erweitert. Im Jahr 2017 wurde ihre Geschichte weltweit verbreitet und Ocean Sole entwickelte sich von einem gewinnorientierten zu einem sozialen Unternehmen. Die Unterst\\u00fctzung der Gemeinden und des \\u00d6kosystems ist eine symbiotische Grundlage f\\u00fcr das, was Ocean Sole ausmacht.<br><br>Hauptverantwortlich f\\u00fcr die STOA169 S\\u00e4ule: <strong>Raphael Kang&#8217;utu<\\\/strong> * 1969 in Makueni, Kenia, lebt in Makadara \\\/ <strong>Bryant Muhanji<\\\/strong> * 1988 in Kakamega, Kenia, lebt in Race-course \\\/ <strong>Francis Mutualities Muvau *<\\\/strong> 1968 in Kitui, Kenia, lebt in Bulbul.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.oceansoleonline.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.oceansoleonline.com<\\\/a><br>Foto \\u00a9 Oliver Nicklin<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Ocean Sole\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/04\\\/ocean-sole-portrait-www-e1618834080934.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/ocean-sole\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/01\/C04_McKeever_DSC00097-frei.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Ian McKeever\",\"text\":\"\\n<p>* 1946 in Withernsea, Gro\\u00dfbritannien<br>lebt in Hartgrove, Gro\\u00dfbritannien<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Ian McKeever begann 1969 mit seiner k\\u00fcnstlerischen Arbeit, nachdem er Englische Literatur studiert hatte. Sein Fr\\u00fchwerk entwickelte sich aus dem Konzeptualismus mit einem spezifischen Interesse f\\u00fcr Landschaft, Malerei und Fotografie. Seit den sp\\u00e4ten 1980er Jahren setzte sich McKeever in seinem Werk verst\\u00e4rkt mit der Malerei an sich auseinander, gepr\\u00e4gt von einer abstrakten Formensprache, die sich vorrangig mit dem menschlichen K\\u00f6rper und architektonischen Strukturen befasst. Die Auseinandersetzung mit der Natur des Lichts in der Malerei spielt dabei eine wichtige Rolle, welches seinen Arbeiten eine luminose, transparente und oft fast fragile Qualit\\u00e4t verleiht.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Ian McKeever erhielt 1989\\\/90 ein DAAD Stipendium in Berlin und wurde 2003 zum Mitglied der Royal Academy gew\\u00e4hlt. Er hatte verschiedene Lehrt\\u00e4tigkeiten inne, darunter als Gastprofessor an der Hochschule f\\u00fcr Bildende Kunst St\\u00e4delschule in Frankfurt und als Dozent an der Slade Universit\\u00e4t in London.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br><br><br>Foto \\u00a9 Nicholas Sinclair<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"McKeever\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/01\\\/McKeever-portrait-sinclair.png\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/ian-mckeever\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/02\/Strunz.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Katja Strunz\",\"text\":\"\\n<p>* 1970 in Ottweiler, Deutschland<br>lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Katja Strunz ist vor allem f\\u00fcr ihre Skulpturen, raumgreifenden Installationen und Collagen bekannt. Nach ihrem Studium der Philosophie, Geschichte und Kunstgeschichte, studierte sie Malerei und Grafik an der Staatlichen Akademie der Bildenden K\\u00fcnste in Karlsruhe. In ihren k\\u00fcnstlerischen Arbeiten widmet sie sich komplexen Fragestellungen, die von philosophischen, natur-wissenschaftlichen und gesellschaftlichen Themen inspiriert sind. Das Ph\\u00e4nomen der Faltung zieht sich durch alle ihre Gattungen. Dabei hinterfragt sie sowohl die Verl\\u00e4sslichkeit physikalischer Gesetze, thematisiert das Verh\\u00e4ltnis von Raum und Zeit \\u2013 als auch psychische Prinzipien, indem sie die Faltung als eine Art posttraumatische Kompression von Zeit erf\\u00e4hrt. Anders als im formal ihr nahestehenden Minimalismus werden etwaige Produktionsspuren oft bewusst stehengelassen, wodurch die Autorenschaft, die Herkunft und die Geschichte der Arbeit und des Materials wahrgenommen werden k\\u00f6nnen. In Katja Strunz\\u00b4 Werken weht der Weltschmerz durch den Konstruktivismus. Der Minimalismus wird poetisch. <br>Ihr Werk wurde in renommierten Institutionen wie dem Indianapolis Museum of Contemporary Art, der Berlinischen Galerie, dem Camden Arts Centre, London, oder dem Museum Haus Esters, Krefeld gezeigt. Sie nahm an der 30th. Sao Paulo Biennale, der 55th. Carnegie International in Pittsburgh und an zahlreichen Gruppenausstellungen teil, u.a. in der Sammlung G\\u00f6tz, M\\u00fcnchen, dem Haus Konstruktiv, Z\\u00fcrich, dem Guangong Museum of Art, Guangzhou, China, dem Muzeum Sztuki w Lodz, Lodz, dem Centre Pompidou, Paris, dem Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo, der Kunsthalle Basel.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.katjastrunz.com&nbsp; (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.katjastrunz.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.katjastrunz.com&nbsp;<\\\/a>       Foto: Regina Sablotny<br><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Strunz\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/02\\\/KatjaStrunz-\\u00a9-Regina-Sablotny.jpg.png\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/katja-strunz\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/04\/Rueckriem.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Ulrich R\\u00fcckriem\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1938 in D\\u00fcsseldorf, Deutschland<br>lebt in K\\u00f6ln<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br>Als gelernter Steinmetz beginnt Ulrich R\\u00fcckriems Aufbruch zu einer eigenen k\\u00fcnstlerischen Ausdrucksweise in den fr\\u00fchen 60er Jahren.<br>Nach zwei Jahren bildhauerischen T\\u00e4tigkeit an der K\\u00f6lner Dombauh\\u00fctte stellt er sich der Herausausforderung der intensiven Auseinandersetzung mit k\\u00fcnstlerischen Schaffungsprozessen und der Entwicklung einer eigenen Formensprache. Dabei beeindrucken Ihn vor allem die konzeptionellen Anlagen der amerikanischen Minimal Art.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Mit dem Hintergrund einer profunden klassischen Ausbildung und der entsprechenden bodenst\\u00e4ndigen Professionalit\\u00e4t entsteht das zuk\\u00fcnftige Arbeitsprinzip mit den elementaren Bedingungen der Bildhauerei: Masse, Material und Proportionen. Ausgangspunkt ist dabei immer der im Steinbruch vorgefundene Rohling mit einer ann\\u00e4hernd geometrischen Grundform.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Die Steinbearbeitung erfolgt durch die traditionellen Methoden von Spaltung und Schnitt, wobei die Arbeitsprozesse einer fortlaufenden visuellen Nachvollziehbarkeit folgen sollen.<br>Einen Dialog von Skulptur und Umgebung erreicht R\\u00fcckriem durch die konzeptionellen und kompositorischen Verkn\\u00fcpfungen des Kunstwerks in die umgebende Landschaft oder das architektonische Raumkonzept.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>So beeinflusst er ma\\u00dfgeblich die Entwicklung der modernen Bildhauerei. Diese zeitgen\\u00f6ssische Pr\\u00e4senz wird auch mit der Teilnahme an der documenta 5, 7, 8 und IX, sowie der Biennale di Venezia deutlich.<br><br><br><br><br><br><br><br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br><br><br>Foto \\u00a9 Alfred Karner<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"R\\u00fcckriem\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/03\\\/r\\u00fcckriem-portrait-Copyright-Alfred_Karner.png\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/ulrich-rueckriem\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/C02_Ikemura_DSC00808-frei.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Leiko Ikemura\",\"text\":\"\\n<p>* in Tsu, Japan<br>lebt in Berlin und K\\u00f6ln <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Die Malerin und Bildhauerin Leiko Ikemura studierte spanische Literatur an der Fremdsprachen- Universit\\u00e4t Osaka und Malerei an der Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungr\\u00eda in Sevilla. Nach ihrem Studium zog sie in die Schweiz und lebt seit 1985 in Deutschland. <br> Nach ihrem Fr\\u00fchwerk im Umfeld der Jungen Wilden wurde Ikemura durch Bilder kosmischer Landschaften und m\\u00e4rchenhafter Mischwesen international bekannt, die vermehrt auch in der Skulptur ihren Ausdruck fanden. Themen ihrer Bilder sind das Spannungsfeld von Mensch und Natur, Bewusstsein und Unterbewusstsein, Fremde und Heimat. Durch die Auseinandersetzung mit der westlichen und der Kunst ihres Heimatlandes hat Ikemura zu einer Synthese beider Kulturen gefunden. 1990\\u20132015 war sie Professorin an der Universit\\u00e4t der K\\u00fcnste Berlin. 2009 wurde ihr Werk mit dem August-Macke-Preis ausgezeichnet. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>\\u201eDie Imagination ist die st\\u00e4rkste Kraft in meiner Kunst.\\u201c (Leiko Ikemura) <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.leiko.info (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.leiko.info\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">www.leiko.info<\\\/a> <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Mar\\u00eda R\\u00fanarsd\\u00f3ttir <br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<figure class=\\\"wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube\\\"><div style=\\\"display: contents;\\\" >\\n\\n<div data-mode=\\\"normal\\\" data-oembed=\\\"1\\\" data-provider=\\\"youtube\\\" id=\\\"arve-youtube-q01dbjdpjzo\\\" class=\\\"arve\\\">\\n\\t<div class=\\\"arve-inner\\\">\\n\\t\\t<div class=\\\"arve-embed arve-embed--has-aspect-ratio\\\">\\n\\t\\t\\t<div class=\\\"arve-ar\\\" style=\\\"padding-top:56.250000%\\\"><\\\/div>\\n\\t\\t\\t<iframe allow=\\\"accelerometer &apos;none&apos;;autoplay &apos;none&apos;;bluetooth &apos;none&apos;;browsing-topics &apos;none&apos;;camera &apos;none&apos;;clipboard-read &apos;none&apos;;clipboard-write;display-capture &apos;none&apos;;encrypted-media &apos;none&apos;;gamepad &apos;none&apos;;geolocation &apos;none&apos;;gyroscope &apos;none&apos;;hid &apos;none&apos;;identity-credentials-get &apos;none&apos;;idle-detection &apos;none&apos;;keyboard-map &apos;none&apos;;local-fonts;magnetometer &apos;none&apos;;microphone &apos;none&apos;;midi &apos;none&apos;;otp-credentials &apos;none&apos;;payment &apos;none&apos;;picture-in-picture;publickey-credentials-create &apos;none&apos;;publickey-credentials-get &apos;none&apos;;screen-wake-lock &apos;none&apos;;serial &apos;none&apos;;summarizer &apos;none&apos;;sync-xhr;usb &apos;none&apos;;web-share;window-management &apos;none&apos;;xr-spatial-tracking &apos;none&apos;;\\\" allowfullscreen=\\\"\\\" class=\\\"arve-iframe fitvidsignore\\\" credentialless data-arve=\\\"arve-youtube-q01dbjdpjzo\\\" data-lenis-prevent=\\\"\\\" data-src-no-ap=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/Q01DBJdpjzo?feature=oembed&amp;iv_load_policy=3&amp;modestbranding=1&amp;rel=0&amp;autohide=1&amp;playsinline=0&amp;autoplay=0\\\" frameborder=\\\"0\\\" height=\\\"0\\\" loading=\\\"lazy\\\" name=\\\"\\\" referrerpolicy=\\\"strict-origin-when-cross-origin\\\" sandbox=\\\"allow-scripts allow-same-origin allow-presentation allow-popups allow-popups-to-escape-sandbox\\\" scrolling=\\\"no\\\" src=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/Q01DBJdpjzo?feature=oembed&#038;iv_load_policy=3&#038;modestbranding=1&#038;rel=0&#038;autohide=1&#038;playsinline=0&#038;autoplay=0\\\" title=\\\"\\\" width=\\\"0\\\"><\\\/iframe>\\n\\t\\t\\t\\n\\t\\t<\\\/div>\\n\\t\\t\\n\\t<\\\/div>\\n\\t\\n\\t\\n\\t<script type=\\\"application\\\/ld+json\\\">{\\\"@context\\\":\\\"http:\\\\\\\/\\\\\\\/schema.org\\\\\\\/\\\",\\\"@id\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/stoa169.com\\\\\\\/de\\\\\\\/willkommen-bei-der-stoa169-stiftung\\\\\\\/#arve-youtube-q01dbjdpjzo\\\",\\\"type\\\":\\\"VideoObject\\\",\\\"embedURL\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/www.youtube.com\\\\\\\/embed\\\\\\\/Q01DBJdpjzo?feature=oembed&iv_load_policy=3&modestbranding=1&rel=0&autohide=1&playsinline=0&autoplay=0\\\"}<\\\/script>\\n\\t\\n<\\\/div>\\n<\\\/div><\\\/figure>\\n\",\"artist\":\"Ikemura\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/11\\\/Ikemura-Mari\\u0301a-\\u00a9-Ru\\u0301narsdo\\u0301ttir-Kopie-e1573733772503.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/leiko-ikemura\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/09\/erkmen-sa\u0308ule-abb-entwurf-Kopie.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Ay\\u015fe Erkmen\",\"text\":\"\\n<p>* 1949 in Istanbul, T\\u00fcrkei<br>lebt in Berlin und Istanbul <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Basierend auf dem sozialen und physischen Umfeld, aus dem sie entstehen, intervenieren Erkmens Projekte mit bestehenden Strukturen und Situationen, die in ihren Arbeiten transponiert werden. Erkmen schafft neue, oft mehrdeutige R\\u00e4ume, in denen Leben und Kunst miteinander verflochten sind, indem sie Alltagsr\\u00e4ume, Objekte, Situationen und Beziehungen geringf\\u00fcgig versetzt oder neu definiert. Erkmens orts- und situationsspezifische Interventionen beziehen sich dabei auf Sozialisierungs-Modelle, die die Realit\\u00e4t auffalten, um so einen Raum zu schaffen, in dem das Kunstwerk selbst nur von der Betrachterin bzw. vom Betrachter vollendet werden kann.&nbsp;<br>Erkmens Werke wurden in vielen internationalen Ausstellungen gezeigt, darunter in der 2., 3. und 13. Istanbul Biennale, im t\\u00fcrkischen Pavillon auf der 54. Biennale in Venedig, bei den Skulpturenprojekten M\\u00fcnster 1997 und 2017, in den Biennalen von Shanghai, Berlin, Kwangju, Sharjah und der Scape Biennale, der Manifesta 1 und den Tirennalen von Folkestone und Echigo Tsumari.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.ayseerkmen.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.ayseerkmen.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.ayseerkmen.com<\\\/a> <br><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/watch?v=Nc5I4-cTEe0\\\" target=\\\"_blank\\\">\\u2192 Video <\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Serdar Tanyeli<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Erkmen\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/09\\\/Erkmen-portrait-foto-Serdar-Tanyeli-e1569855833271.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/ayse-erkmen\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/durham.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Jimmie Durham\",\"text\":\"\\n<p>* 1940 in den USA<br>\\u2020 2021 in Berlin, Deutschland<br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Jimmie Durham war ein K\\u00fcnstler, Poet, Autor und Aktivist. Seine ersten Ber\\u00fchrungen mit Kunst finden in den 1960er Jahren im Umfeld der progressiven Afroamerikaner in Texas statt.&nbsp;1968 zieht er nach Genf, wo er an der L\\u2019Ecole des Beaux-Arts studiert. 1973 kehrt er in die USA zur\\u00fcck, um sich dem American Indian Movement anzuschlie\\u00dfen und wird Mitbegr\\u00fcnder und Vorsitzender des International Indian Treaty Council bei den Vereinten Nationen. 1987 verl\\u00e4\\u00dft Durham die USA, l\\u00e4\\u00dft sich zun\\u00e4chst in Mexiko und seit 1994 in Europa nieder.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Durhams Werk ist in vielen wichtigen Ausstellungen zu sehen, darunter im Rahmen der documenta 9 und 13, der Venedig Biennale (1999, 2001, 2003, 2005, 2013, 2019), und mit Einzelausstellungen im M HKA Antwerpen,&nbsp; im Hammer Museum Los Angeles, im Walker Art Center Minneapolis und im Whitney Museum New York sowie der Serpentine Gallery London.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>2019 wird er bei der Biennale von Venedig mit dem Goldenen L\\u00f6wen f\\u00fcr sein Lebenswerk ausgezeichnet. 2016 wird ihm der Goslarer Kaiserring verliehen.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br>Foto: Maria Thereza Alves<a href=\\\"\\\"><\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Durham\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/05\\\/JD_portrait-photo-by-Maria-Thereza-Alves-2019-www-10.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/jimmie-durham\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/09\/Rittenberg.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Joseph Gallus Rittenberg\",\"text\":\"\\n<p>* 1948 in Linz an der Donau<br>lebt in M\\u00fcnchen<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>&#8218;fr\\u00fche neigung f\\u00fcr kirchen, nylons, vergrabungen, kino und obskure bauten zu wasser und in der luft (babylonisch), auff\\u00fchrungen von microdramen und untergangsspielen auf sumpf-, graben- und budenb\\u00fchnen. zwangsjahre der anstreicherlehre zur austreibung des spin\\u00f6sen umstands, studium in salzburg, wien und m\\u00fcnchen. konzeption aerodynamischer kryptakirchen mit sturzb\\u00e4chen, feuerbr\\u00fcnsten und anderer naturalen kulinarien. hochschule f\\u00fcr fernsehen und film in m\\u00fcnchen, ausstellungen in berlin, paris, erlangen, frankfurt, wien, ulm, m\\u00fcnchen und in vorbereitung z\\u00fcrich, london und new york.&#8216;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>foto \\u00a9 Joseph Gallus Rittenberg<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Rittenberg\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/09\\\/utf-8Joseph20Gallus20Rittenberg202D20Fotos20C2A920Margarete20Freudenstadt.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/joseph-gallus-rittenberg\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/10\/stoa-svenungsson-s.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Jan Svenungsson\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1961 geboren in Lund, Schweden; lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Jan Svenungsson ist ein schwedischer K\\u00fcnstler, der seit 1997 in Berlin lebt. Seit 2011 ist er Universit\\u00e4ts-Professor an der Universit\\u00e4t f\\u00fcr angewandte Kunst Wien im Bereich Grafik und Druckgrafik. In seinem Werk, das seine Wurzeln im Surrealismus hat, nutzt Svenungsson eine Vielfalt von Medien, wohingegen seine thematischen Schwerpunkte auf einigen wenigen, wiederkehrenden visuellen Figuren basieren, wie zum Beispiel Industrie-Schornsteinen, Landkarten oder Blutflecken. Seit 1992 hat er eine Serie von gro\\u00dfformatigen Schornstein-Skulpturen in Ziegel gebaut, beginnend mit dem \\u201eFirst Chimney\\u201c (10 m) im Moderna Museet in Stockholm, der als Auftragsarbeit f\\u00fcr das St\\u00e4del Museum in Frankfurt 2013 als permanente Installation wiederaufgebaut wurde. Der \\u201eTenth Chimney\\u201c (15 m) wurde 2015 in Uppsala in Schweden errichtet. Die Schornstein-Skulpturen ver\\u00e4ndern ihre Umgebung durch ihre Pr\\u00e4senz \\u2013 und werden das Subjekt f\\u00fcr weitere fotographische Arbeiten, Zeichnungen und Drucke. Seit den sp\\u00e4ten 1980er-Jahren hat Svenungsson eine gro\\u00dfe Anzahl von Texten und Essays zu Themen der Kunst, Architektur und Musik ver\\u00f6ffentlicht. 2017 wurde eine umfassende Retrospektive seines Werkes im Uppsala Art Museum in Schweden gezeigt. <br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.jansvenungsson.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.jansvenungsson.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.jansvenungsson.com<\\\/a><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Jan Svenungsson<br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<figure class=\\\"wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube\\\"><div style=\\\"display: contents;\\\" >\\n\\n<div data-mode=\\\"normal\\\" data-oembed=\\\"1\\\" data-provider=\\\"youtube\\\" id=\\\"arve-youtube-wefmtms-eeg\\\" class=\\\"arve\\\">\\n\\t<div class=\\\"arve-inner\\\">\\n\\t\\t<div class=\\\"arve-embed arve-embed--has-aspect-ratio\\\">\\n\\t\\t\\t<div class=\\\"arve-ar\\\" style=\\\"padding-top:56.250000%\\\"><\\\/div>\\n\\t\\t\\t<iframe allow=\\\"accelerometer &apos;none&apos;;autoplay &apos;none&apos;;bluetooth &apos;none&apos;;browsing-topics &apos;none&apos;;camera &apos;none&apos;;clipboard-read &apos;none&apos;;clipboard-write;display-capture &apos;none&apos;;encrypted-media &apos;none&apos;;gamepad &apos;none&apos;;geolocation &apos;none&apos;;gyroscope &apos;none&apos;;hid &apos;none&apos;;identity-credentials-get &apos;none&apos;;idle-detection &apos;none&apos;;keyboard-map &apos;none&apos;;local-fonts;magnetometer &apos;none&apos;;microphone &apos;none&apos;;midi &apos;none&apos;;otp-credentials &apos;none&apos;;payment &apos;none&apos;;picture-in-picture;publickey-credentials-create &apos;none&apos;;publickey-credentials-get &apos;none&apos;;screen-wake-lock &apos;none&apos;;serial &apos;none&apos;;summarizer &apos;none&apos;;sync-xhr;usb &apos;none&apos;;web-share;window-management &apos;none&apos;;xr-spatial-tracking &apos;none&apos;;\\\" allowfullscreen=\\\"\\\" class=\\\"arve-iframe fitvidsignore\\\" credentialless data-arve=\\\"arve-youtube-wefmtms-eeg\\\" data-lenis-prevent=\\\"\\\" data-src-no-ap=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/wefMTms-eeg?feature=oembed&amp;iv_load_policy=3&amp;modestbranding=1&amp;rel=0&amp;autohide=1&amp;playsinline=0&amp;autoplay=0\\\" frameborder=\\\"0\\\" height=\\\"0\\\" loading=\\\"lazy\\\" name=\\\"\\\" referrerpolicy=\\\"strict-origin-when-cross-origin\\\" sandbox=\\\"allow-scripts allow-same-origin allow-presentation allow-popups allow-popups-to-escape-sandbox\\\" scrolling=\\\"no\\\" src=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/wefMTms-eeg?feature=oembed&#038;iv_load_policy=3&#038;modestbranding=1&#038;rel=0&#038;autohide=1&#038;playsinline=0&#038;autoplay=0\\\" title=\\\"\\\" width=\\\"0\\\"><\\\/iframe>\\n\\t\\t\\t\\n\\t\\t<\\\/div>\\n\\t\\t\\n\\t<\\\/div>\\n\\t\\n\\t\\n\\t<script type=\\\"application\\\/ld+json\\\">{\\\"@context\\\":\\\"http:\\\\\\\/\\\\\\\/schema.org\\\\\\\/\\\",\\\"@id\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/stoa169.com\\\\\\\/de\\\\\\\/willkommen-bei-der-stoa169-stiftung\\\\\\\/#arve-youtube-wefmtms-eeg\\\",\\\"type\\\":\\\"VideoObject\\\",\\\"embedURL\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/www.youtube.com\\\\\\\/embed\\\\\\\/wefMTms-eeg?feature=oembed&iv_load_policy=3&modestbranding=1&rel=0&autohide=1&playsinline=0&autoplay=0\\\"}<\\\/script>\\n\\t\\n<\\\/div>\\n<\\\/div><\\\/figure>\\n\",\"artist\":\"Svenungsson\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/10\\\/svenungsson-portrait-\\u00a9-Jan-Svenungsson-e1571755653915.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/jan-svenungsson\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/04\/Cole-hoch_DSC00683.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Willie Cole\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1955 in Somerville, New Jersey, USA<br>lebt in Mine Hill, New Jersey, USA<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Willie Cole besuchte die School of Visual Arts in Manhattan. Seinen k\\u00fcnstlerischen Durchbruch hatte er Ende der 1980er-Jahre w\\u00e4hrend eines Aufenthalts im Studio Museum in Harlem: \\u201eThe iron took over\\u201c. Heute ist Cole f\\u00fcr seine B\\u00fcgeleisen-Bilder und Skulpturen weit \\u00fcber die Grenzen New Jerseys bekannt. Alltagsgegenst\\u00e4nde fanden in der Folge immer wieder Eingang in sein Werk. Ein besonderes Augenmerk gilt den sogenannten \\u201eHigh Heels\\u201c. Seit den fr\\u00fchen 1990er-Jahren setzt Cole Frauenschuhe zu sorgf\\u00e4ltig gestalteten Assemblagen zusammen und l\\u00e4sst diese mitunter sogar in Bronze gie\\u00dfen. Die \\u00dcberf\\u00fchrung von gefundenem, ausrangiertem, bisweilen auch recyceltem Material, durchzieht sein gesamtes Werk. Der Einfluss von K\\u00fcnstlerkollegen der \\u00e4lteren Generation, insbesondere das konzeptuelle Werk von Marcel Duchamp, ist offensichtlich. Eine weitere Kostante, die seine Arbeit pr\\u00e4gt, ist das ausgepr\\u00e4gte Interesse an der Kultur Afrikas.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Entsprechend war Coles Werk Teil gro\\u00dfer thematischer Ausstellungen, darunter \\u201eReconfiguring an African Icon: Odes to the Mask by Modern and Contemporary Artists from Three Continents\\u201d im Metropolitan Museum of Art, New York (2011) und \\u201eRepresent: 200 Years of African American Art\\u201d im Philadelphia Museum of Art (2015). Einzelpr\\u00e4sentationen waren unter anderem im Museum of Modern Art, New York (1998), im Tampa Museum of Art (2004), im Miami Art Museum (2001), im Bronx Museum of the Arts (2001) und im Montclair Art Museum (2006) zu sehen.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>        <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.williecole.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.williecole.com<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Cole\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/04\\\/Cole-portrait.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/willie-cole\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/sap-Kopie-1.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Yorgos Sapountzis\",\"text\":\"\\n<p>* 1976 in Athen, Griechenland<br> lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Yorgos Sapountzis studierte an der Hochschule der Bildenden K\\u00fcnste Athen bei George Lappas und an der Universit\\u00e4t der K\\u00fcnste Berlin bei Rebecca Horn. Seine multimedialen Arbeiten besch\\u00e4ftigen sich sowohl mit dem \\u00f6ffentlichen als auch mit dem privaten Raum und nehmen dabei oft \\u00f6ffentliche Denkm\\u00e4ler und Alltagsbilder als Ausgangspunkt, \\u2013 Objekte, die einen Aspekt des kollektiven und pers\\u00f6nlichen Ged\\u00e4chtnisses darstellen. Im Mittelpunkt seiner Arbeiten stehen skulpturale Installationen mit Materialien wie Aluminiumblechen und -st\\u00e4ben, buntem Gewebe, Stiften, B\\u00e4ndern und Klebeband. Aus der t\\u00e4glichen Begegnung mit den Materialien und Objekten, die ihm auf seinen Routen begegnen, rekonstruiert er in seinen Werken die Szenografie einer Stadt. Geb\\u00e4ude, Maschinen, K\\u00f6rper \\u2013 sie alle erzeugen Strom und W\\u00e4rme; erst die fliessenden Erinnerungen kommen seiner pers\\u00f6nlichen Geschichte zu Hilfe. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>&#8222;Das geschlossene Nervensystem der Stadt mit den unz\\u00e4hligen hochaufl\\u00f6senden Bildern ist dominant und insistierend. In diesem unwirtlichen Zustand stellt das Abstrakte ein zwingendes Bed\\u00fcrfnis dar.&#8220;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.barbaragross.de\\\/artists\\\/53\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.barbaragross.de (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.barbaragross.de<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Andreas Lux<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Sapountzis\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/10\\\/Portrait_Yorgos-Sapountzis_photo-credit_Andreas-Lux-Kopie-e1571814947817.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/yorgos-sapountzis-2\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/Brandl_1.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Herbert Brandl\",\"text\":\"\\n<p>* 1959 in Graz, \\u00d6sterreich<br>\\u2020 2025 in Wien<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Der Maler Herbert Brandl war Vertreter der \\u00f6sterreichischen Neuen Wilden. Er studierte Ende der 1970er Jahre an der Hochschule f\\u00fcr angewandte Kunst in Wien. 2004 erfolgte der Ruf als Professor an die Kunstakademie in D\\u00fcsseldorf. Herbert Brandl errang bereits 1992 internationalen Erfolg auf der documenta IX, au\\u00dferdem bespielte er 2007 erfolgreich den \\u00f6sterreichischen Pavillon der Biennale von Venedig.<br>Seine Bilder beeindrucken durch starke Pr\\u00e4senz, Originalit\\u00e4t und Kraft der Farbgebung. Entscheidendes Merkmal seiner Malerei ist die Behandlung der Farbe als Materie, was bereits in seinem Fr\\u00fchwerk in den 80er Jahren beginnt. Seit Brandls k\\u00fcnstlerischen Anf\\u00e4ngen nimmt auch das Sujet Landschaft einen dominierenden Stellenwert in seinem Werk ein, wobei seine Bilder zwischen malerisch Abstraktem und motivisch Gegenst\\u00e4ndlichem changieren.\\u00a0<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>\\u201eIch wollte das Landschaftliche immer vermeiden, aber zack, schon ist dieser Horizont wieder da. Dann \\u00e4rgere ich mich und versuche ihn zu brechen.\\u201c (Herbert Brandl, Ausstellungskatalog Neue Galerie Graz, 2002)<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Brandl\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/11\\\/Portrait_FotoPaulTarmann-e1574088909592.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/herbert-brandl\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/Kwade.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Alicja Kwade\",\"text\":\"\\n<p>* 1979 in Katowice, Polen, lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Alicja Kwade untersucht und hinterfragt in ihrem Werk die Strukturen unserer Realit\\u00e4t und Gesellschaft und reflektiert unsere Wahrnehmungsgewohnheiten in unserem Alltag. Ihre vielf\\u00e4ltige k\\u00fcnstlerische Praxis basiert auf Konzepten von Raum, Zeit, Wissenschaft und Philosophie und nimmt Gestalt in skulpturalen Objekten, \\u00f6ffentlichen Installationen, Videos und sogar Fotografie an.<br>Im Jahr 2019 wurde Alicja Kwade f\\u00fcr die Roof Garden Commission f\\u00fcr das Metropolitan Museum of Art, New York, ausgew\\u00e4hlt. Sie nahm an der 57. Biennale von Venedig &#8222;Viva Arte Viva&#8220;, sowie an der Setouchi Triennale (2019) und der dritten Aros Triennale &#8222;The Garden &#8211; End of Times; Beginning of Times, #3 The Future&#8220; in Aarhus teil. Zu den j\\u00fcngsten Ausstellungen geh\\u00f6ren Einzelausstellungen im MIT List Visual Arts Centre, Boston (2019), im Espoo Museum of Modern Art, Helsinki (2018), in der Kunsthal Charlottenborg, Kopenhagen (2018), im Haus Konstruktiv, Z\\u00fcrich (2018), im YUZ Museum, Shanghai (2018), in der Whitechapel Gallery, London (2016-2017), in der Kunsthalle Schirn in Frankfurt am Main (2015) und im Hamburger Bahnhof \\u2013 Museum f\\u00fcr Gegenwart, Berlin (2008). <br>2015 \\u2013 2016 beauftragte der Public Art Fund &#8222;Against the Run&#8220; eine Installation im New Yorker Central Park.<br>Ihre Arbeiten wurden in Gruppenausstellungen in Sengokuhara, Japan (Syncopation: Zeitgen\\u00f6ssische Begegnungen mit den Modernen Meistern, Pola Museum of Art, 2019), Beijing, China (Deutschland 8 \\u2013 German Art in Beijing, 2017), im MONA in Tasmanien (2019), der Hayward Gallery (2018), Louisiana Museum (2018), im Bass Museum of Art, Miami Beach (2014), in der Kunsthalle Wien (2014), im Museum of Contemporary Art Detroit (2013), in der Galerie des Galeries Lafayette, Paris (2012) und The Museum of Contemporary Art, Tokyo (2011) gezeigt und sind Teil zahlreicher internationaler privater und \\u00f6ffentlicher Sammlungen.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.alicjakwade.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.alicjakwade.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.alicjakwade.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Luise M\\u00fcller-Hofstede<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Kwade\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/11\\\/Kwade-portrait-\\u00a9Luise-M\\u00fcller-Hofstede--e1574438057816.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/alicja-kwade\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/02\/Bonvicini.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Monica Bonvicini\",\"text\":\"\\n<p>* 1965 in Venedig, Italien; lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Monica Bonvicini studierte an der Hochschule f\\u00fcr Bildende K\\u00fcnste Berlin und am California Institute of the Arts, Valencia, CA. Im Jahr 2003 \\u00fcbernahm sie die Professur f\\u00fcr Performative Kunst und Bildhauerei an der Akademie der bildenden K\\u00fcnste Wien, bevor sie 2017 als Professorin f\\u00fcr Bildhauerei an die Universit\\u00e4t der K\\u00fcnste Berlin berufen wurde. Bonvicinis Arbeiten verweisen auf sozio-politische Bedingungen und deren Auswirkungen auf die Gesellschaft. Mit so unterschiedlichen Medien wie Zeichnung, Skulptur, Installation, Video und Fotografie erforscht sie die Verbindungen zwischen Kunst und Architektur, die Mehrdeutigkeit von Sprache sowie Fragen von Machtverh\\u00e4ltnissen, Geschlecht und Kontrolle. Dabei hinterfragt sie in ihrer Arbeit konsequent die Rolle des Betrachters ebenso wie den Ausstellungsraum und seine Umgebung.<br>Monica Bonvicini hat an zahlreichen internationalen Einzel- und Gruppenausstellungen in Museen und Kunstinstitutionen teilgenommen, darunter in der Kunsthalle Bielefeld; OGR &#8211; Officine Grande Riparazioni Torino; dem Belvedere 21, Wien; der Berlinischen Galerie, Berlin; dem BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead; MAMBO, Bogot\\u00e1; der Kunsthalle Mainz; dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; dem Museum of Modern Art, New York; Deichtorhallen \\\/ der Sammlung Falckenberg, Hamburg; dem St\\u00e4dtischen Museum Abteiberg, M\\u00f6nchengladbach; dem Centro de Arte Contempor\\u00e1neo de M\\u00e1laga; dem Museum Ludwig, K\\u00f6ln; der Kunsthalle Fridericianum, Kassel; The Art Institute of Chicago; dem Museion, Bozen; dem SculptureCenter, Long Island, New York; dem Lenbachhaus, M\\u00fcnchen; dem Museum f\\u00fcr Gegenwartskunst, Basel; der Bonniers Konsthall, Stockholm; dem Hamburger Bahnhof, Berlin; der Secession, Wien; dem Palais de Tokyo, Paris. Ihre Arbeiten waren auf den wichtigsten Biennalen der Welt vertreten, u.a. in Berlin, Venedig, New Orleans, Gwangju, S\\u00e3o Paulo, Istanbul, Shanghai und Santa Fe, sowie auf der Pariser Triennale. Monica Bonvicini erhielt zahlreiche Auszeichnungen f\\u00fcr ihr Werk, darunter den Oskar-Kokoschka-Preis f\\u00fcr Bildende Kunst, Wien, den Roland-Preis f\\u00fcr Kunst im \\u00f6ffentlichen Raum, Bremen, den Preis der Nationalgalerie f\\u00fcr junge Kunst, Berlin, und den Goldenen L\\u00f6wen der Biennale di Venezia. Skulpturen von Bonvicini sind dauerhaft im Queen Elizabeth Olympic Park, London, und am Bj\\u00f8rvika-Fjord vor dem Osloer Opernhaus installiert.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Lena Gassmann<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.monicabonvicini.net\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.monicabonvicini.net<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Bonvicini\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/02\\\/MonicaBonvicini_Foto_LenaGanssmann.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/monica-bonvicini\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/02\/melhus-entwurf-streichholz.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Bj\\u00f8rn Melhus\",\"text\":\"\\n<p>* 1966 in Kirchheim unter Teck, Deutschland<br>lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Bj\\u00f8rn Melhus ist ein deutsch-norwegischer Medienk\\u00fcnstler. In seinem Werk hat er eine singul\\u00e4re Position entwickelt, die die M\\u00f6glichkeiten einer kritischen Rezeption von Kino und Fernsehen erweitert. Seine Praxis der Fragmentierung, Destruktion und Rekonstitution bekannter Figuren, Themen und Strategien der Massenmedien er\\u00f6ffnet nicht nur ein Netzwerk neuer Interpretationen und kritischer Kommentare, sondern definiert auch das Verh\\u00e4ltnis von Massenmedien und Zuschauer neu.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Urspr\\u00fcnglich im Kontext des Experimentalfilms verwurzelt, wurden Bj\\u00f8rn Melhus&#8216; Arbeiten auf zahlreichen internationalen Filmfestivals gezeigt und ausgezeichnet.&nbsp; Vorf\\u00fchrungen waren u.a. in der Tate Modern und im LUX in London, im Museum of Modern Art (MediaScope) in New York und im Centre Pompidou in Paris zu sehen. Melhus&#8216; Arbeiten wurden in Ausstellungen wie The American Effect im Whitney Museum New York, der 8. Internationalen Istanbul Biennale, Einzel- und Gruppenausstellungen bei FACT Liverpool, Serpentine Gallery London, Sprengel Museum Hannover, Museum Ludwig K\\u00f6ln, ZKM Karlsruhe, Denver Art Museum u.v.a. gezeigt.<br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.melhus.de (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.melhus.de\\\" target=\\\"_blank\\\">www.melhus.de<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Bj\\u00f8rn Melhus<br><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Melhus\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/02\\\/melhus-photo-melhus.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/bjoern-melhus\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/08\/Radermacher-2020-01-24-um-12.19.06.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Norbert Radermacher\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1953 in Aachen, Deutschland; lebt in Berlin&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Nobert Radermacher ist Bildhauer und wurde vor allem durch seine Arbeiten im \\u00f6ffentlichen Raum bekannt. Nach einem Studium an der Kunstakademie D\\u00fcsseldorf (1973-1979) erhielt er mehrere Stipendien, die ihm l\\u00e4ngere Aufenthalte u.a. in Paris erm\\u00f6glichten, wo er jeden Monat eine Arbeit im Stadtraum erarbeitete. Ausgangspunkt f\\u00fcr seine k\\u00fcnstlerischen Interventionen sind oft lange Wanderungen, in denen er sich den Stadtraum als Flaneur aneignet. Vorhandene Strukturen werden dabei durch Objekte und Plastiken oder Bemalungen unterlaufen und punktuell ver\\u00e4ndert. 1991 hatte er eine Gastprofessur an der Akademie der bildenden K\\u00fcnste in M\\u00fcnchen inne; von 1992\\u20132018 war er Professor an der Kunsthochschule Kassel. Radermacher erhielt verschiedene Preise, darunter den RENTA-Preis, N\\u00fcrnberg (1989), den August-Seeling-Preis, Duisburg (1989) und den Villa-Romana-Preis, Florenz (1990).<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201eDas Prim\\u00e4re ist die Faszination des Ortes oder der Situation, die mich  an bestimmte Dinge denken l\\u00e4sst oder mich motiviert, in bestimmter Weise  einzugreifen.\\u201c (Norbert Radermacher, Kunstforum International, Bd. 91, 1978)<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.norbertradermacher.de\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">www.norbertradermacher.de <\\\/a><br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9&nbsp;Lucas Radermacher<br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<figure class=\\\"wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube\\\"><div style=\\\"display: contents;\\\" >\\n\\n<div data-mode=\\\"normal\\\" data-oembed=\\\"1\\\" data-provider=\\\"youtube\\\" id=\\\"arve-youtube--at1g4smhoy\\\" class=\\\"arve\\\">\\n\\t<div class=\\\"arve-inner\\\">\\n\\t\\t<div class=\\\"arve-embed arve-embed--has-aspect-ratio\\\">\\n\\t\\t\\t<div class=\\\"arve-ar\\\" style=\\\"padding-top:56.250000%\\\"><\\\/div>\\n\\t\\t\\t<iframe allow=\\\"accelerometer &apos;none&apos;;autoplay &apos;none&apos;;bluetooth &apos;none&apos;;browsing-topics &apos;none&apos;;camera &apos;none&apos;;clipboard-read &apos;none&apos;;clipboard-write;display-capture &apos;none&apos;;encrypted-media &apos;none&apos;;gamepad &apos;none&apos;;geolocation &apos;none&apos;;gyroscope &apos;none&apos;;hid &apos;none&apos;;identity-credentials-get &apos;none&apos;;idle-detection &apos;none&apos;;keyboard-map &apos;none&apos;;local-fonts;magnetometer &apos;none&apos;;microphone &apos;none&apos;;midi &apos;none&apos;;otp-credentials &apos;none&apos;;payment &apos;none&apos;;picture-in-picture;publickey-credentials-create &apos;none&apos;;publickey-credentials-get &apos;none&apos;;screen-wake-lock &apos;none&apos;;serial &apos;none&apos;;summarizer &apos;none&apos;;sync-xhr;usb &apos;none&apos;;web-share;window-management &apos;none&apos;;xr-spatial-tracking &apos;none&apos;;\\\" allowfullscreen=\\\"\\\" class=\\\"arve-iframe fitvidsignore\\\" credentialless data-arve=\\\"arve-youtube--at1g4smhoy\\\" data-lenis-prevent=\\\"\\\" data-src-no-ap=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/-at1G4smhoY?feature=oembed&amp;iv_load_policy=3&amp;modestbranding=1&amp;rel=0&amp;autohide=1&amp;playsinline=0&amp;autoplay=0\\\" frameborder=\\\"0\\\" height=\\\"0\\\" loading=\\\"lazy\\\" name=\\\"\\\" referrerpolicy=\\\"strict-origin-when-cross-origin\\\" sandbox=\\\"allow-scripts allow-same-origin allow-presentation allow-popups allow-popups-to-escape-sandbox\\\" scrolling=\\\"no\\\" src=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/-at1G4smhoY?feature=oembed&#038;iv_load_policy=3&#038;modestbranding=1&#038;rel=0&#038;autohide=1&#038;playsinline=0&#038;autoplay=0\\\" title=\\\"\\\" width=\\\"0\\\"><\\\/iframe>\\n\\t\\t\\t\\n\\t\\t<\\\/div>\\n\\t\\t\\n\\t<\\\/div>\\n\\t\\n\\t\\n\\t<script type=\\\"application\\\/ld+json\\\">{\\\"@context\\\":\\\"http:\\\\\\\/\\\\\\\/schema.org\\\\\\\/\\\",\\\"@id\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/stoa169.com\\\\\\\/de\\\\\\\/willkommen-bei-der-stoa169-stiftung\\\\\\\/#arve-youtube--at1g4smhoy\\\",\\\"type\\\":\\\"VideoObject\\\",\\\"embedURL\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/www.youtube.com\\\\\\\/embed\\\\\\\/-at1G4smhoY?feature=oembed&iv_load_policy=3&modestbranding=1&rel=0&autohide=1&playsinline=0&autoplay=0\\\"}<\\\/script>\\n\\t\\n<\\\/div>\\n<\\\/div><\\\/figure>\\n\",\"artist\":\"Radermacher\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Radermacher\\u00a9-Lucas-Radermacher-e1565621937209.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/norbert-radermacher\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/noh-Kopie.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"NOH Suntag\",\"text\":\"\\n<p>* 1971 in Seoul,\\u00a0 S\\u00fcdkorea<br>lebt in Geonggi-do, S\\u00fcdkorea<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>NOH Suntags Arbeiten entstehen in Nord- und S\\u00fcdkorea. Ausgehend von seiner Ausbildung in Fotografie, Politikwissenschaften und Malerei, dokumentiert Noh Suntag die Versch\\u00e4rfung von politischen Ideologien beider Staaten, soziale Ambivalenzen, gesellschaftspolitische Ausnahmesituationen und milit\\u00e4rische Konfliktsituationen im modernen Korea.<br>Seine Arbeiten wurden u.a. im W\\u00fcrttembergischen Kunstverein (Stuttgart),im Palau de La Virreina (Barcelona) und im Total Museum of Contemporary Art (Seoul) gezeigt und sind in Sammlungen wie dem National Museum of Contemporary Art, Korea, dem Seoul Museum of Art, dem Daelim Contemporary Art Museum The Museum of Photography Seoul; dem Coreana Museum of Art\\u00a0 dem Peace Museum, Korea der May 18 Memorial Foundation der Art Bank Korea und der F.C. Gundlach Collection, Deutschland vertreten. 2012 erhielt er den Dong Gang Photography Award.\\u00a0<br><br>\\u201e<em>Since my school days, I have been sick of hearing about the North Korean Evil, so I have been curious to know who they are. As time went by and I grew older, I became more curious about knowing our true self, constantly trying to destroy the North Korean Evil. If so, is South Korean the angel of justice? I have been collecting the scenery of function and malfunction derived from the division of the Korean peninsula. I have been captured it with my camera and picked it up with my hands, and yet, I ended up thinking for a long time, wondering the meaning of what I have been gathered.<\\\/em>\\u201c (Noh Suntag)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p> <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/tengchaoming.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www<\\\/a><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.suntag.net\\\/\\\">.suntag.net<\\\/a><br>Foto \\u00a9 Noh Suntag<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Noh\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/08\\\/nohsuntag_portrait_02_Y.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/noh-suntag-2\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/Loginov_19_black004.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Andrei Loginov\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1974 geboren in Minsk, Belarus (Weissrussland)<br>lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Andrei Loginov studierte am Minsk Art Lyceum und an der Kunstakademie in D\\u00fcsseldorf bei Gerhard Merz und Magdalena Jetelov\\u00e1. Er arbeitete mit zahlreichen unterschiedlichen k\\u00fcnstlerischer Medien, bevor er sich schlie\\u00dflich fotografischen Projekten zuwandte.<br>Die Werke seiner j\\u00fcngsten Serie &#8222;Prototypes&#8220;, Leuchtk\\u00e4sten die Objektkunst und 3D-Fotografie kombinieren, k\\u00f6nnen als &#8222;experimentelle Hybride&#8220; bezeichnet werden. Sie zeigen einzelne skulpturale Formen, die entweder vom K\\u00fcnstler selbst geschaffen oder von Bienen &#8222;produziert&#8220; wurden.&nbsp;Die &#8222;Prototypes&#8220; referieren unter anderem auf konstruktivistische Prinzipien und Projekte der neuen Kunst (&#8222;Prouns&#8220;) des Suprematisten und Architekten El Lissitzky. Andrej Loginovs wesentliche Inspiration stammt jedoch aus der elektronischen Musik. Ihre unmittelbare Wirkung erh\\u00e4lt diese Musik durch akustische Wellen, die den Betrachter \\u2013 so Loginov \\u2013 in \\u201egedankenfreien Fluss\\u201c und reine Empfindung versetzen sollen. Loginov transferiert dies in seine Arbeiten und verbindet Skulptur und Fotografie zu einer neuen Dimension medien\\u00fcberschreitender \\u201efotogenetischer Skulptur\\u201c, in denen er die Dimensionen von Materie, Bewegung und Empfindung in unbestimmbare Formen des \\u00dcbergangs \\u00fcberf\\u00fchrt, die sich einer klaren Definition entziehen.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.andreiloginov.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.andreiloginov.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.andreiloginov.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Palina Loginova<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Loginov\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/10\\\/Loginov-portrait-Palina-Loginova.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/andrei-loginov\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/02\/Freyer-IMG_2250-768x1024-Kopie.jpeg');\" data-carousel='{\"title\":\"Achim Freyer\",\"text\":\"\\n<p>* 1934 in Berlin, Deutschland<br>lebt in Berlin<br><br>Der Theatermacher, Maler, Sammler und Stifter Achim Freyer studierte&nbsp;Malerei, bevor er Meistersch\\u00fcler von Bertold Brecht am Berliner Ensemble&nbsp;wurde und als B\\u00fchnen- und Kost\\u00fcmbildner arbeitete. <br>1972 \\u00fcbersiedelte er nach West-Berlin und begann hier bald auch mit eigenen Arbeiten als Regisseur. Freyer inszenierte und inszeniert an f\\u00fchrenden Theatern weltweit \\u2013 von Monteverdi bis Glass \\u00ad \\u2013 und erhielt f\\u00fcr sein B\\u00fchnenschaffen zahlreiche Preise und Auszeichnungen. Als bildender K\\u00fcnstler war er zweifacher&nbsp;<em>documenta<\\\/em>-Teilnehmer und ist auf vielen nationalen und internationalen Ausstellungen vertreten. <br><br>Von 1976 bis 2002 war Freyer ordentlicher Professor an der Universit\\u00e4t der K\\u00fcnste Berlin. 1988 gr\\u00fcndete er das Freyer Ensemble. 2013 wurde in seiner Berliner Villa das Kunsthaus der Achim Freyer Stiftung er\\u00f6ffnet.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br>&#8222;Gleichnis ist die Vermischung und Verwischung der Kulturen der Welt und ihre neuen Integrationen, die historische alte Schichten nicht verleugnen, sondern erst produktiv werden lassen. Den Ort zu sich selbst f\\u00fchren, das Einzelne in Allem oder ist das Alles die Summe des Einzelnen?&#8220; (aus: Achim Freyer. Bilder, Text zur Ausstellung, 2019\\\/2020, siehe <a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"https:\\\/\\\/www.achimfreyer.com\\\/achim-freyer\\\/ (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.achimfreyer.com\\\/achim-freyer\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">https:\\\/\\\/www.achimfreyer.com\\\/achim-freyer\\\/<\\\/a>)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.achimfreyer.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.achimfreyer.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br><br><br><br><br>Foto: Lucie Jensch, 2014<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Freyer\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/02\\\/Freyer-portrait-2014_AF_by_Lucie-Jansch-Kopie-1.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/achim-freyer\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/02\/Aycock.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Alice Aycock\",\"text\":\"\\n<p>* 1946 in Harrisburg, Pennsylvania, USA; lebt in New York<br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Alice Aycocks Werke finden sich in zahlreichen Sammlungen, darunter die des Museums of Modern Art, des Whitney Museums, des Brooklyn Museums, der Louis Vuitton Foundation, des LA County Museums, der National Gallery of Art, des Sheldon Museums of Art, des Storm King Art Centers, des Omi International Arts Centers und des Sprengel Museums in Hannover. <br><br>Die erste Monografie der K\\u00fcnstlerin mit dem Titel &#8222;Alice Aycock, Sculpture and Projects&#8220;, verfasst von Robert Hobbs, erschien bei MIT Press. Alice Aycocks erste Retrospektive wurde 1983 vom W\\u00fcrttembergischen Kunstverein in Stuttgart organisiert und danach in K\\u00f6ln, Marl, Den Haag und Luzern gezeigt. Die Retrospektive 1990 wurde vom Storm King Art Center in Mountainville, New York, organisiert. Eine Retrospektive ihrer Zeichnungen und Kleinplastiken wurde 2013 im Parrish Art Museum in Water Mill, New York zeitgleich mit der Grey Art Gallery in New York City ausgestellt. 2014 wurde eine Serie von sieben Skulpturen in New York City mit dem Titel Park Avenue Paper Chase in Zusammenarbeit mit der Galerie Thomas Schulte, Berlin, installiert.  Das Sprengel Museum in Hannover zeigte 2019 eine umfassende Retrospektive mit Arbeiten von 1971 bis 2019. Zuletzt wurden sechs gro\\u00dfformatige Skulpturen Aycocks 2020 im K\\u00f6niglichen Djurg\\u00e5rden in Stockholm, Schweden, ausgestellt.<br><br>Foto \\u00a9 Kristine Larsen<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.aaycock.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.aaycock.com<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Aycock\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/02\\\/AliceAycock-photo-Kristine-Larsen.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/alice-aycock\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/spoerri-x-Kopie-2.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Daniel Spoerri\",\"text\":\"\\n<p>* 1930 in Galati, Rum\\u00e4nien<br>\\u2020 2024 in Wien, \\u00d6sterreich<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Daniel Spoerri geh\\u00f6rt zu den Mitbegr\\u00fcndern des Nouveau Realisme und der  Eat Art. Bekannt ist er insbesondere f\\u00fcr seine &#8222;Fallenbilder&#8220;, die seit  1960 entstehen und als Beginn seiner K\\u00fcnstlerkarriere gelten k\\u00f6nnen. 1959 gr\\u00fcndete Spoerri in Paris die Edition &#8222;MAT&#8220;, mit der Absicht&nbsp;Objekte  unterschiedlicher K\\u00fcnstler kosteng\\u00fcnstig in Serie herzustellen. Es  beteiligten sich unter anderen Marcel Duchamp, Heinz Mack und Jean  Tinguely. Von 1970 bis 1972 f\\u00fchrte Spoerri in D\\u00fcsseldorf die Eat Art  Galerie, wo unter anderen Joseph Beuys, Robert Filliou und Dieter Roth  ausstellten.&nbsp;1978 wird er an die K\\u00f6lner Fachhochschule f\\u00fcr Kunst und  Design berufen und unterrichtet von 1983 bis 1989 an der Akademie der  Bildenden K\\u00fcnste M\\u00fcnchen. Spoerri erh\\u00e4lt unter anderem den Grand Prix National de la Sculpture (1993), das Silberne Komturkreuz des Ehrenzeichens f\\u00fcr Verdienste um das Bundesland Nieder\\u00f6sterreich (2015) und den Lovis Corinth-Preis (2016).<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\">\\n<p>\\u201eIch wollte einen Ausschnitt von Realit\\u00e4t zeigen, ein St\\u00fcck Welt mittels Gegenst\\u00e4nden, die eine Geschichte erz\\u00e4hlen. Geschichte im Sinne von Schichten, die \\u00fcbereinanderliegen, ganz im Sinne der Topologie des Zufalls.\\u201c (Daniel Spoerri im Gespr\\u00e4ch mit Wolfgang Pauker, Kulturzeitung 80, 2015)<\\\/p>\\n<\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.danielspoerri.org\\\">www.danielspoerri.org<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/spoerri.at\\\/\\\">www.spoerri.at<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Rita Newman<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Spoerri\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Spoerri-Daniel\\u00a9RitaNewman-e1565623357735.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/daniel-spoerri\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/10\/Kneffel_1.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Karin Kneffel\",\"text\":\"\\n<p>* 1957 in Marl, Deutschland<br>lebt in D\\u00fcsseldorf<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Karin Kneffel geh\\u00f6rt zu den wichtigsten Vertreterinnen des Neorealismus. Kneffel studierte Philosophie und Germanistik an der Westf\\u00e4lischen Universit\\u00e4t M\\u00fcnster und an der Universit\\u00e4t Duisburg-Essen und im Anschluss an der Kunstakademie D\\u00fcsseldorf bei Norbert Tadeusz und Johannes Brus und als Meistersch\\u00fclerin bei Gerhard Richter. <br>Ihre fotorealistischen Bilder verbinden realistische und surrealistische Elemente, unter anderem durch den Einsatz von Spiegelungen und \\u00dcberlagerungen.&nbsp;Sie ist Preistr\\u00e4gerin des&nbsp;Lingener Kunstpreises und der&nbsp;Helmut-Kraft-Stiftung und erhielt zahlreiche Stipendien, darunter das&nbsp;Karl Schmidt-Rottluff Stipendium, das Stipendium des Kunstfonds Bonn und das Stipendium der Villa Massimo in Rom.&nbsp;Nach Gastprofessuren an der Hochschule f\\u00fcr K\\u00fcnste in Bremen und der Iceland Academy of Arts in Reykjavik war sie von 2000 bis 2008 Professorin f\\u00fcr Malerei an der Hochschule f\\u00fcr K\\u00fcnste Bremen und hat seit 2008 eine Professur an der Akademie der Bildenden K\\u00fcnste in M\\u00fcnchen inne.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>\\u201eMalerei ist f\\u00fcr mich ein Haltegriff, der im Zugreifen wieder verschwindet.\\u201c (Karin Kneffel, film edition)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.kneffel.de\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.kneffel.de (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.kneffel.de<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Sven Vogel <\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Kneffel\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/10\\\/Karin-Kneffel-portrait-2-Foto-Sven-Vogel-e1570527362310.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/karin-kneffel\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/01\/B09_Stiller_DSC00860-frei.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Wolfgang Stiller\",\"text\":\"\\n<p>* 1961 in Wiesbaden, Deutschland<br>lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Wolfgang Stiller studierte von 1984 bis 1989 an der Kunstakademie D\\u00fcsseldorf. Zwischen 2000 und 2007 lebte er in New York und von 2007 bis 2008 in China, wo er unter anderem als Gastprofessor an der New York University in Shanghai unterrichtete. <br>Bekannt ist Stiller insbesondere f\\u00fcr seine \\u201eMatchstickmen\\u201c. Mit den abgebrannten Streichholzk\\u00f6pfen, die in unterschiedlichen Gr\\u00f6\\u00dfen und Materialien seit 2008 entstehen, erfindet Stiller immer wieder neue Installationen, die den jeweiligen Ausstellungssituationen angepasst werden. Besonderes Augenmerk legt er auf die Eigenschaften von Materialien und auf Oberfl\\u00e4chenstrukturen. Unz\\u00e4hlige seiner Objekte sind etwa das Ergebnis eines Abgusses oder Abdrucks, wobei der urspr\\u00fcngliche Gegenstand als Referenz keine Bedeutung hat und in der Regel auch nicht mehr erkennbar ist. Was bleibt, ist die reine Form.<br><br>Mit seinen Arbeiten war Stiller weltweit in zahlreichen Einzelausstellungen vertreten, darunter in New York, Tokyo, Taipei und S\\u00e3o Paulo. Seine Werke sind Teil privater und \\u00f6ffentlicher Sammlungen, dazu geh\\u00f6ren Wuhan museum of fine art (Wuhan, China), Museum Bochum, Museum Belden an Zee (Scheveningen, Niederlande) und Changwon city (Korea).\\u00a0<br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.wolfgangstiller.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.wolfgangstiller.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.wolfgangstiller.com<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Stiller\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/01\\\/stiller-portrait-quad-2.png\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/wolfgang-stiller\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/07\/G02_Jetelova\u0301-frei.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Magdalena Jetelov\\u00e1\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1946 in Semily, Tschechien<br>lebt in M\\u00fcnchen, D\\u00fcsseldorf und Prag<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Magdalena Jetelov\\u00e1 arbeitet als Bildhauerin, Fotografin, Zeichnerin sowie mit diversen Neuen Medien. Nach einem Studium an der Kunstakademie in Prag und der Academia di Brera in Mailand wurde Jetelov\\u00e1 durch ihre monumentalen Holzskulpturen von Tischen, St\\u00fchlen und Treppen aus Eichenst\\u00e4mmen bekannt. <br>In ihrer Auseinandersetzung mit Raum ver\\u00e4ndert, verzerrt und manipuliert sie diesen durch installative Einbauten, Spiegelungen und Projektionen. Als eine der Ersten experimentierte sie mit Licht- und Laserprojektionen in der Landschaft, deren Abbilder sie in Fotografien \\u00fcberf\\u00fchrte. In den 1990er Jahren schuf Jetelov\\u00e1 mittels Lasertechnik Installationen, in denen starke Lichtquellen die menschenleere Natur durchschneiden oder in die Zitate projiziert werden. <br>Sie war Professorin an der&nbsp;Kunstakademie D\\u00fcsseldorf und von 2004 bis 2012 Professorin f\\u00fcr Bildhauerei an der Akademie der Bildenden K\\u00fcnste M\\u00fcnchen.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201eMich interessieren Methoden und Visualit\\u00e4ten, die sich widersprechen.\\u201c (Magdalena Jetelov\\u00e1 im Gespr\\u00e4ch mit Dr. Ulrike Ritter, Bildende K\\u00fcnstler Net) <br><\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.jetelova.de\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">www.jetelova.de<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Magdalena Jetelov\\u00e1<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Jetelova\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/07\\\/jetelova-foto-e1565623697509.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/magdalena-jetelova\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/Hoedicke-Modell-\u00a9-Felix-Pitscheneder.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"K. H. H\\u00f6dicke\",\"text\":\"\\n<p>* 1938 in N\\u00fcrnberg, Deutschland<br>\\u2020 2024 in Berlin, Deutschland<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>K. H. H\\u00f6dicke war Vertreter der Neuen Figuration und galt als Wegbereiter des deutschen Neoexpressionismus. 1945 floh er mit seiner Familie nach Wien und zog 1975 nach Berlin, wo er nach einem Semester Architektur an der Technischen Hochschule f\\u00fcr Architektur an die Hochschule der K\\u00fcnste wechselte und Malerei bei Fred Thieler studierte. 1961 trat er der K\\u00fcnstlergruppe &#8222;Vision&#8220; bei und gr\\u00fcndete nach seinem Studium 1964 u.a. mit Markus L\\u00fcpertz und Bernd Koberling die Produzentengalerie &#8222;Gro\\u00dfg\\u00f6rschen 35&#8220;. 1964 erhielt er den Deutschen Kunstpreis der Jugend, verbrachte 1966\\\/67 ein Jahr in New York und erhielt 1968 das Villa-Massimo-Stipendium in Rom. 1974 wurde er Professor an der Hochschule der K\\u00fcnste in Berlin. H\\u00f6dicke nahm an zahlreichen Ausstellungen teil, darunter 1977 an der documenta 6. Seine Arbeiten sind u.a. in den Sammlungen des Museum of Modern Art, New York, des Museu d&#8217;Art Contemporani de Barcelona und des Hamburger Bahnhofs Berlin vertreten.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>&#8222;Ich halte mich f\\u00fcr einen konservativen K\\u00fcnstler, konservativ in meiner Herangehens- weise, denn als figurativer K\\u00fcnstler bin ich davon \\u00fcberzeugt, dass es in der Kunst darum geht, eine Welt zu gestalten, wie man sie mit eigenen Augen sieht.\\u201c (K. H. H\\u00f6dicke, artnet)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto: Elvira H\\u00f6dicke<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"H\\u00f6dicke\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/06\\\/Portrait-1-e1597404292648.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/karl-horst-hoedicke\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/oehlen.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Markus Oehlen\",\"text\":\"\\n<p>* 1956 in Krefeld, Deutschland <br>lebt in M\\u00fcnchen<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Von 1976 bis 1983 studierte Markus Oehlen an der Staatlichen Kunstakademie D\\u00fcsseldorf in der Klasse von Prof. Alfonso H\\u00fcppi. Er war von 1976 bis 1979 DJ im Ratinger Hof in D\\u00fcsseldorf und spielte von 1978 bis 1980 als Schlagzeuger in der von ihm mitbegr\\u00fcndeten Band Mittagspause. Seit 2002 ist Oehlen Professor an der Akademie der Bildenden K\\u00fcnste M\\u00fcnchen.<br>In den 80er-Jahren nahm er gemeinsam mit seinem Bruder Albert Oehlen, Martin Kippenberger und Werner B\\u00fcttner unter anderen an zahlreichen Gruppenausstellungen teil, darunter \\u201e2. Au\\u00dferordentliche Veranstaltung in Bild und Klang zum Thema der Zeit: Aktion Pisskr\\u00fccke (Geheimdienst am N\\u00e4chsten)\\u201c, die 1980 im K\\u00fcnstlerhaus Hamburg stattfand sowie die Ausstellung \\u201eFinger f\\u00fcr Deutschland\\u201c, die 1980 im Atelier von J\\u00f6rg Immendorff veranstaltet wurde. Au\\u00dferdem war Oehlen in gro\\u00dfen \\u00dcberblicksausstellungen vertreten, dazu geh\\u00f6ren Art Allemagne Aujourdhui (1981 im Mus\\u00e9e de la ville de Paris); \\u201eRundschau Deutschland I + II\\u201c (1981 M\\u00fcnchen und K\\u00f6ln); \\u201evon hier aus\\u201c (1984 in den Messehallen D\\u00fcsseldorf) sowie \\u201eNeue Figuration \\u2013 Deutsche Malerei 1960-88\\u201c (1989 Kunstmuseum D\\u00fcsseldorf und Schirn Kunsthalle, Frankfurt am Main). Seine erste Einzelausstellung mit dem Titel \\u201eTelevision\\u201c hatte Oehlen 1978 in Konrad Fischers Raum in D\\u00fcsseldorf. In der Folge stellte er vor allem in Galerien aus, darunter regelm\\u00e4\\u00dfig bei Arno Kohnen in D\\u00fcsseldorf, bei Max Hetzler in Stuttgart, sp\\u00e4ter in K\\u00f6ln, bei Reinhard Onnasch in Berlin, bei Peter Pakesch in Wien sowie bei B\\u00e4rbel Gr\\u00e4sslin in Frankfurt am Main. Institutionelle Einzelausstellungen hatte Oehlen unter anderem im K\\u00fcnstlerhaus Hamburg (1979), im Krefelder Kunstverein (1994), im Kasseler Kunstverein (1996); in den Kunstsammlungen Chemnitz (2002; 2018) und im Museum Morsbroich, Leverkusen (2018).<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Zeichnung  \\u00a9 Markus Oehlen<br><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Oehlen\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/08\\\/Oehlen.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/markus-oehlen\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/wurm-test.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Erwin Wurm\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1954 in Bruck an der Mur, \\u00d6sterreich <br>lebt in Wien und Limburg, \\u00d6sterreich<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br>Erwin Wurm studiert ab 1974 Kunstgeschichte, Germanistik und Kunsterziehung in Graz und Salzburg. Von 1979 bis 1982 absolviert er ein Studium der Gestaltungslehre an der Hochschule f\\u00fcr Angewandte Kunst Wien. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Bekannt wird Wurm in den 1990er-Jahre mit seinen \\u201eOne Minute Sculptures\\u201c. Heute geh\\u00f6ren insbesondere auch die \\u201efetten\\u201c Skulpturen, darunter \\u201eFat Car\\u201c (2000\\\/2001), oder die \\u201eSelbstportr\\u00e4ts als Gurke\\u201c (2008) zu seinem Markenzeichen. Wurms Schaffensprozess steht in enger Verbindung zu Aktion und Performance und damit auch in der Tradition des Wiener Aktionismus.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Weltweit ist sein Werk in zahlreichen Einzelausstellungen und Sammlungen vertreten. Dazu geh\\u00f6ren unter anderem National Gallery of Victoria, Melbourne, MUMOK, Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Centre Pompidou, Mus\\u00e9e National d\\u2019Art Moderne, Paris&nbsp;sowie Museum Ludwig, K\\u00f6ln.<br><br><br><br><br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.erwinwurm.at\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.erwinwurm.at (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.erwinwurm.at<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto: Eva W\\u00fcrdinger, 2019<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Wurm\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/04\\\/Erwin_Wurm_\\u00a9Eva-W\\u00fcrdinger-2019.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/erwin-wurm\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/Man_Entwurf-2_20190129-1.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Daniel Man\",\"text\":\"\\n<p class=\\\"has-normal-font-size\\\">&amp; Blaster, Cras, Disko, Dreck, Ekser, Kope, Loomit, Prost, Satis, Scout, Uprok, Won, Zeus<br><br>*&nbsp;1969 in London, Gro\\u00dfbritannien, lebt in Affing bei M\\u00fcnchen<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Daniel Man wuchs in Hong Kong und Deutschland auf. Nach einer Karriere als Graffiti-K\\u00fcnstler (bekannt als Codeak) studierte er zuerst bei Walter Dahn an der Hochschule f\\u00fcr Bildende K\\u00fcnste Braunschweig und schlie\\u00dflich bei Markus Oehlen an der Akademie der Bildenden K\\u00fcnste in M\\u00fcnchen. 2004 erhielt er das Stipendium des Bayerischen Staatsministeriums f\\u00fcr Wissenschaft, Forschung und Kunst. In seinem Werk \\u00fcbersetzt Daniel Man seine langj\\u00e4hrigen Erfahrungen als Graffiti-K\\u00fcnstler gleicherma\\u00dfen in ortsspezifische Wandmalereien und Murals, als auch in Malerei und Papierschnitte. Seine k\\u00fcnstlerische Herangehensweise folgt einem intuitiven Prozess,  der schlie\\u00dflich ausschlaggebend ist f\\u00fcr den hohen Grad an Authentizit\\u00e4t und Unmittelbarkeit, die von seinen Arbeiten ausgehen. Unter seinem Graffiti-K\\u00fcnstlernamen Codeak hat er u.a. f\\u00fcr das Projekt \\u201eMural Global&#8220; mit internationalen Kolleg*innen ein 300 Quadratmeter gro\\u00dfes Wandbild in S\\u00e3o Paulo, Brasilien kreiert.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201eThe words of the prophets are written in the streets.\\u201c (Daniel Man)&nbsp;<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.danielman.net (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.danielman.net\\\" target=\\\"_blank\\\">www.danielman.net<\\\/a>                     Foto \\u00a9 Daniel Man    <\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Man\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/man-\\u00a9-Daniel-Man-e1565622431391.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/daniel-man\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/lewandowsky-entwurf-nierentisch-Kopie-1.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Via Lewandowsky\",\"text\":\"\\n<p>* 1963 in Dresden, Deutschland<br>lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br>Via Lewandowksy studierte von 1982 bis 1987 an der Hochschule f\\u00fcr Bildende K\\u00fcnste Dresden. Zwischen 1985 und 1989 veranstaltete er dort mit der Avantgardegruppe der \\u201eAutoperforationsartisten\\u201c subversive Performances, die den offiziellen Kunstbetrieb der DDR unterliefen. 1989 verlie\\u00df er kurz vor der Wende die DDR und zog nach West-Berlin. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Im Mittelpunkt seiner multimedialen Praxis stehen skulptural-installative Arbeiten und Ausstellungsszenografien mit architektonischen Einfl\\u00fcssen. Leitmotive sind immer wieder das Missverst\\u00e4ndnis als Scheitern von Kommunikation, sowie das Prozesshafte. Eine ironische Brechung des Allt\\u00e4glichen, das Eindringen des Fremden in den vertrauten, meist h\\u00e4uslichen, Bereich geschieht dabei oft unter Verwendung von Insignien des Deutsch- B\\u00fcrgerlichen (z.B. einer Kuckucksuhr, oder eines Wellensittichs). Seine Vorliebe f\\u00fcr das Tragisch-Komische, das Absurde und Paradoxe sowie das sisyphossche Motiv der steten Wiederholung und Vergeblichkeit des Handelns verbinden seine Kunst mit Dadaismus, Surrealismus und Fluxus.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Via Lewandowskys Arbeiten wurden weltweit in Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, zuletzt im K\\u00fcnstlerhaus Bethanien, Berlin (2019), im Bongsan Cultural Center in S\\u00fcdkorea (2019), in der Shedhalle, Z\\u00fcrich (2018), in der David Nolan Gallery, New York (2017), im Museum der bildenden K\\u00fcnste Leipzig (2016) oder in der Kunsthalle zu Kiel (2015).<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br><br><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.vialewandowsky.de (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.vialewandowsky.de\\\" target=\\\"_blank\\\">www.vialewandowsky.de<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Lewandowsky\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/02\\\/lewandowsky-portait.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/via-lewandowsky\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/voth-x-jpg.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Hannsj\\u00f6rg Voth\",\"text\":\"\\n<p>* 1940 in Bad Harzburg, Deutschland<br>lebt in M\\u00fcnchen<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Hannsj\\u00f6rg Voth geh\\u00f6rt zu den Wegbereitern von Konzeptkunst und Land Art in Deutschland. Nach einer Ausbildung als Gebrauchsgrafiker begann er seine k\\u00fcnstlerische Arbeit mit Siebdrucken und Malerei. Mitte der 1970er Jahre realisierte er erste Projekte in der Landschaft, die Mythen, Archaik und Verfall thematisierten. Seit Anfang der 1980er Jahre entstanden seine Gro\\u00dfprojekte in der marokkanischen W\\u00fcste, bestehend aus der \\u201eHimmelstreppe\\u201c, in der man 52 Stufen in den Himmel steigen kann und der \\u201eGoldenen Spirale\\u201c, eine aus Viertelkreisen konstruierte begehbare Brunnenskulptur, sowie der \\u201eStadt des Orion\\u201c, deren 7 T\\u00fcrme das Sternbild Orion als Gro\\u00df-Skulptur auf die Erde \\u00fcbertragen. Die meisten Werke Voths sind so konzipiert, dass sie fr\\u00fcher oder sp\\u00e4ter der Verg\\u00e4nglichkeit anheimfallen. Erhalten bleiben zumeist nur ihre Dokumentationen.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>&#8222;In der W\\u00fcste gibt\\u2019s eine Unendlichkeit, wo du einfach keine Ablenkung hast. Ich arbeite da schon aber die Zeit ist ausgeschaltet. Das ist eigentlich das Sch\\u00f6ne, da wird man sehr, sehr alt, weil die Zeit nicht mehr existiert.\\u201c (Hannsj\\u00f6rg Voth, BR)<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.hannsjoerg-voth.de\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">www.hannsjoerg-voth.de<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Ingrid Amslinger<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Voth\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Voth-\\u00a9-Ingrid-Amslinger-e1565618679515.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/hannsjoerg-voth\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/Bergmann.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Benjamin Bergmann\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1968 in W\\u00fcrzburg, Deutschland, lebt in M\\u00fcnchen<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Benjamin Bergmann besch\\u00e4ftigt sich in seinen Skulpturen und raumgreifenden Installationen mit existentiellen Fragestellungen, der Beobachtung des individuellen und gesellschaftlichen Lebensraumes, allt\\u00e4glichen Handlungen und Begegnungen. Dabei spielt er mit Elementen des Absurden, mit Realit\\u00e4tsverschiebungen oder Irritationen, bricht so gel\\u00e4ufige Sehmuster und Vorstellungen auf und stellt herk\\u00f6mmliche Herangehensweisen in Frage. Seine Arbeiten haben oft performativen Charakter und schweben zwischen realer und k\\u00fcnstlicher Welt. Oft lassen sie dabei zun\\u00e4chst vertraute Gegenst\\u00e4nde und Materialien erkennen oder erinnern an Situationen des Alltags. Doch diese Beobachtungen erweisen sich als offen, bleiben r\\u00e4tselhafte Fragmente, stellen neue Fragen. <br>Bergmanns Arbeiten er\\u00f6ffnen dem Betrachter auf subversiv-hintergr\\u00fcndige Weise ein breites Spektrum an Reflexionsebenen und verweisen darauf, dass sich unsere Welt nur in Ausschnitten und Metaphern begreifen l\\u00e4sst.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>\\u201eDas Sch\\u00f6ne an der Absurdit\\u00e4t ist f\\u00fcr mich die Nachhaltigkeit der Verwirrung. Irgendwann ertappt man sich, dar\\u00fcber nachzudenken, ob nicht das Absurde doch mehr von der Wirklichkeit haben k\\u00f6nnte als diese selbst. (Benjamin Bergmann)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.benjaminbergmann.de\\\">www.<\\\/a><a aria-label=\\\"benjaminbergmann.de (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.benjaminbergmann.de\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">benjaminbergmann.de<\\\/a>   <br><br>Foto : Susanne Ehrenfried-Bergmann<br><br>  <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<figure class=\\\"wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube\\\"><div style=\\\"display: contents;\\\" >\\n\\n<div data-mode=\\\"normal\\\" data-oembed=\\\"1\\\" data-provider=\\\"youtube\\\" id=\\\"arve-youtube-q0jodbaajw0\\\" class=\\\"arve\\\">\\n\\t<div class=\\\"arve-inner\\\">\\n\\t\\t<div class=\\\"arve-embed arve-embed--has-aspect-ratio\\\">\\n\\t\\t\\t<div class=\\\"arve-ar\\\" style=\\\"padding-top:56.250000%\\\"><\\\/div>\\n\\t\\t\\t<iframe allow=\\\"accelerometer &apos;none&apos;;autoplay &apos;none&apos;;bluetooth &apos;none&apos;;browsing-topics &apos;none&apos;;camera &apos;none&apos;;clipboard-read &apos;none&apos;;clipboard-write;display-capture &apos;none&apos;;encrypted-media &apos;none&apos;;gamepad &apos;none&apos;;geolocation &apos;none&apos;;gyroscope &apos;none&apos;;hid &apos;none&apos;;identity-credentials-get &apos;none&apos;;idle-detection &apos;none&apos;;keyboard-map &apos;none&apos;;local-fonts;magnetometer &apos;none&apos;;microphone &apos;none&apos;;midi &apos;none&apos;;otp-credentials &apos;none&apos;;payment &apos;none&apos;;picture-in-picture;publickey-credentials-create &apos;none&apos;;publickey-credentials-get &apos;none&apos;;screen-wake-lock &apos;none&apos;;serial &apos;none&apos;;summarizer &apos;none&apos;;sync-xhr;usb &apos;none&apos;;web-share;window-management &apos;none&apos;;xr-spatial-tracking &apos;none&apos;;\\\" allowfullscreen=\\\"\\\" class=\\\"arve-iframe fitvidsignore\\\" credentialless data-arve=\\\"arve-youtube-q0jodbaajw0\\\" data-lenis-prevent=\\\"\\\" data-src-no-ap=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/Q0JodbAAJW0?feature=oembed&amp;iv_load_policy=3&amp;modestbranding=1&amp;rel=0&amp;autohide=1&amp;playsinline=0&amp;autoplay=0\\\" frameborder=\\\"0\\\" height=\\\"0\\\" loading=\\\"lazy\\\" name=\\\"\\\" referrerpolicy=\\\"strict-origin-when-cross-origin\\\" sandbox=\\\"allow-scripts allow-same-origin allow-presentation allow-popups allow-popups-to-escape-sandbox\\\" scrolling=\\\"no\\\" src=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/Q0JodbAAJW0?feature=oembed&#038;iv_load_policy=3&#038;modestbranding=1&#038;rel=0&#038;autohide=1&#038;playsinline=0&#038;autoplay=0\\\" title=\\\"\\\" width=\\\"0\\\"><\\\/iframe>\\n\\t\\t\\t\\n\\t\\t<\\\/div>\\n\\t\\t\\n\\t<\\\/div>\\n\\t\\n\\t\\n\\t<script type=\\\"application\\\/ld+json\\\">{\\\"@context\\\":\\\"http:\\\\\\\/\\\\\\\/schema.org\\\\\\\/\\\",\\\"@id\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/stoa169.com\\\\\\\/de\\\\\\\/willkommen-bei-der-stoa169-stiftung\\\\\\\/#arve-youtube-q0jodbaajw0\\\",\\\"type\\\":\\\"VideoObject\\\",\\\"embedURL\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/www.youtube.com\\\\\\\/embed\\\\\\\/Q0JodbAAJW0?feature=oembed&iv_load_policy=3&modestbranding=1&rel=0&autohide=1&playsinline=0&autoplay=0\\\"}<\\\/script>\\n\\t\\n<\\\/div>\\n<\\\/div><\\\/figure>\\n\\n\\n\\n<p><br><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Bergmann\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/image.png\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/benjamin-bergmann\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/08\/Czarnecki_DSC09990.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Gina Czarnecki\",\"text\":\"\\n<p class=\\\"has-very-dark-gray-color has-text-color\\\">* 1965 Immingham, Gro\\u00dfbritannien<br>lebt in Liverpool, Gro\\u00dfbritannien<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p class=\\\"has-very-dark-gray-color has-text-color\\\">Gina Czarnecki begann ihre Karriere in den 1980er Jahren, w\\u00e4hrend ihres Studiums der Malerei, mit der Herstellung von Animationsfilmen und Videos. Dies f\\u00fchrte sie zu Bewegtbild-, Film-, Video- und Computerumgebungen und Medieninstallation. In den letzten zehn Jahren hat sich Gina Czarneckis Arbeit auf die Verwendung biomedizinischer Materialien und Prozesse ausgedehnt. Ihre Praxis liegt an der Schnittstelle von Kunst, Design, Wissenschaft und Technologie und wird in vielf\\u00e4ltigen und oft unkonventionellen Medien realisiert. Im Laufe ihrer Karriere hat sie interdisziplin\\u00e4re Praxis entwickelt, die mit Mischformen von Kunst und kultureller Innovation, Zukunftskonzepten, Erfahrungen und neuen Technologien experimentiert. Ihre Expertise liegt in der Entwicklung interdisziplin\\u00e4rer Teams, die neue Kunstwerke, Initiativen und Forschungen ansto\\u00dfen. Sie arbeitet mit Gemeinschaftsprojekten zusammen und in j\\u00fcngster Zeit verst\\u00e4rkt an der Schnittstelle von Produktdesign, Technik und Fertigung. Daneben ist Czarnecki Kreativberaterin, Mentorin und Gr\\u00fcndungsdirektorin von \\u201eThe Koffin Company Ltd.\\u201c<br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p class=\\\"has-very-dark-gray-color has-text-color\\\"><br><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.ginaczarnecki.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.ginaczarnecki.com<\\\/a>; <a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.koffin.co.uk\\\" target=\\\"_blank\\\">www.koffin.co.uk<\\\/a><br><br>Foto und Video \\u00a9 Gina Czarnecki<br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<figure class=\\\"wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube\\\"><div style=\\\"display: contents;\\\" >\\n\\n<div data-mode=\\\"normal\\\" data-oembed=\\\"1\\\" data-provider=\\\"youtube\\\" id=\\\"arve-youtube-x_jbd7czcvs\\\" class=\\\"arve\\\">\\n\\t<div class=\\\"arve-inner\\\">\\n\\t\\t<div class=\\\"arve-embed arve-embed--has-aspect-ratio\\\">\\n\\t\\t\\t<div class=\\\"arve-ar\\\" style=\\\"padding-top:56.250000%\\\"><\\\/div>\\n\\t\\t\\t<iframe allow=\\\"accelerometer &apos;none&apos;;autoplay &apos;none&apos;;bluetooth &apos;none&apos;;browsing-topics &apos;none&apos;;camera &apos;none&apos;;clipboard-read &apos;none&apos;;clipboard-write;display-capture &apos;none&apos;;encrypted-media &apos;none&apos;;gamepad &apos;none&apos;;geolocation &apos;none&apos;;gyroscope &apos;none&apos;;hid &apos;none&apos;;identity-credentials-get &apos;none&apos;;idle-detection &apos;none&apos;;keyboard-map &apos;none&apos;;local-fonts;magnetometer &apos;none&apos;;microphone &apos;none&apos;;midi &apos;none&apos;;otp-credentials &apos;none&apos;;payment &apos;none&apos;;picture-in-picture;publickey-credentials-create &apos;none&apos;;publickey-credentials-get &apos;none&apos;;screen-wake-lock &apos;none&apos;;serial &apos;none&apos;;summarizer &apos;none&apos;;sync-xhr;usb &apos;none&apos;;web-share;window-management &apos;none&apos;;xr-spatial-tracking &apos;none&apos;;\\\" allowfullscreen=\\\"\\\" class=\\\"arve-iframe fitvidsignore\\\" credentialless data-arve=\\\"arve-youtube-x_jbd7czcvs\\\" data-lenis-prevent=\\\"\\\" data-src-no-ap=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/X_jBd7Czcvs?feature=oembed&amp;iv_load_policy=3&amp;modestbranding=1&amp;rel=0&amp;autohide=1&amp;playsinline=0&amp;autoplay=0\\\" frameborder=\\\"0\\\" height=\\\"0\\\" loading=\\\"lazy\\\" name=\\\"\\\" referrerpolicy=\\\"strict-origin-when-cross-origin\\\" sandbox=\\\"allow-scripts allow-same-origin allow-presentation allow-popups allow-popups-to-escape-sandbox\\\" scrolling=\\\"no\\\" src=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/X_jBd7Czcvs?feature=oembed&#038;iv_load_policy=3&#038;modestbranding=1&#038;rel=0&#038;autohide=1&#038;playsinline=0&#038;autoplay=0\\\" title=\\\"\\\" width=\\\"0\\\"><\\\/iframe>\\n\\t\\t\\t\\n\\t\\t<\\\/div>\\n\\t\\t\\n\\t<\\\/div>\\n\\t\\n\\t\\n\\t<script type=\\\"application\\\/ld+json\\\">{\\\"@context\\\":\\\"http:\\\\\\\/\\\\\\\/schema.org\\\\\\\/\\\",\\\"@id\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/stoa169.com\\\\\\\/de\\\\\\\/willkommen-bei-der-stoa169-stiftung\\\\\\\/#arve-youtube-x_jbd7czcvs\\\",\\\"type\\\":\\\"VideoObject\\\",\\\"embedURL\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/www.youtube.com\\\\\\\/embed\\\\\\\/X_jBd7Czcvs?feature=oembed&iv_load_policy=3&modestbranding=1&rel=0&autohide=1&playsinline=0&autoplay=0\\\"}<\\\/script>\\n\\t\\n<\\\/div>\\n<\\\/div><\\\/figure>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Czarnecki\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/me-for-sto-e1567759826958.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/gina-czarnecki\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/08\/Glas-Quer-Kopie.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Johann Glas \\\/ Matthias Glas\",\"text\":\"\\n<p>* 1950 in Polling, Deutschland \\\/ * 1986 in Weilheim in OB; leben in Polling&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Johann Glas wurde 1950 in Polling geboren. Mit der Umstellung des Familienunternehmens 1977 auf Heizung Sanit\\u00e4r brach er mit der neun Generationen andauernden Schmiede-Tradition. Der Erhalt des Materials aus der Pollinger Schmiede f\\u00fcr die S\\u00e4ule \\u201eEisenhaut\\u201c ist seiner Weitsicht und Leidenschaft zu verdanken.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Matthias Glas studierte bei Olaf Metzel an der AdBK-M\\u00fcnchen und schlo\\u00df als Meistersch\\u00fcler 2014 sein Studium der Bildhauerei ab. U.a. erhielt er 2015 den Bayerischen Kunstf\\u00f6rderpreis.&nbsp;Im Hamman und von Mier Verlag schienen 2014 \\u201eDie Chronologie der Zelle\\u201c, 2017 \\u201eFragmente &amp; Abspaltung\\u201c + \\u201eRaster\\u201c.  2019 zog er mit seiner Familie zur\\u00fcck nach Polling.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.matt-glas.de\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.matt-glas.de<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Felix Pitscheneder<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Glas\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/08\\\/Foto-Pitscheneder-e1597062047402.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/johann-glas-matthias-glas\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/02\/Namislow.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Leo-Leander Namislow\",\"text\":\"\\n<p>* 1983 in Essen<br>lebt in Essen<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Der gelernte Steinmetz bewegt sich frei zwischen den Gattungen Plastik und Malerei. Namislows Bildsprache hat ihren Ursprung in der Street Art, insbesondere in der Kunst des Graffiti. Entsprechend umfangreich ist das Spektrum seiner malerischen Ausdrucksform. Ein h\\u00e4ufig wiederkehrendes Stilmittel ist die Umrisslinie, die nicht zuletzt auch auf seine intensive Auseinandersetzung mit der Geschichte und Sprache des Comic verweist. Namislow legt sich in seiner Malerei nicht fest, sondern entwickelt sie immer weiter und vereint ganz selbstverst\\u00e4ndlich, das Abstrakte mit dem Fig\\u00fcrlichen sowie das Ornamentale mit dem Darstellenden. Auf der Suche nach neuen Erfindungen, kennt Namislows Experimentierfreudigkeit kaum Grenzen. Dem Betrachter \\u00f6ffnen sich neue Welten, fantastische Geschichten und fremd anmutende Formensprachen. Wenn er nicht schon l\\u00e4ngst mittendrin w\\u00e4re, w\\u00e4re das zutreffende Label: Outsider Artist.<br><br>Foto \\u00a9 Pascal Bruns<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.leo-namislow.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.leo-namislow.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Namislow\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/02\\\/image2-scaled.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/leo-leander-namislow\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/04\/Hernandez-entwurf-1.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Diango Hern\\u00e1ndez\",\"text\":\"\\n<p> *&nbsp;1970 in Sancti Spiritus, Kuba<br>lebt in D\\u00fcsseldorf&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br>Diango Hern\\u00e1ndez studiert Anfang der 1990er-Jahre in Havanna Industriedesign und ist 1994 Mitbegr\\u00fcnder des K\\u00fcnstler- und Designerkollektivs Ordo Amoris Cabinet. 2003 geht er nach Europa und l\\u00e4sst sich schlie\\u00dflich in D\\u00fcsseldorf nieder. Sein Werk ist bis heute insbesondere auch von seiner Vergangenheit im kommunistischen Kuba gepr\\u00e4gt.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Hern\\u00e1ndez zeigte seine Arbeiten in Einzelpr\\u00e4sentationen unter anderem in der Kunsthalle Basel (2006), dem Neuen Aachener Kunstverein (2007), der Ladengalerie Linz (2014), der Kunsthalle M\\u00fcnster (2015) und dem Museum Morsbroich in Leverkusen (2016). 2005 war er auf der 51. Biennale von Venedig vertreten und 2006 auf den Biennalen in Sydney und S\\u00e3o Paulo.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br><br><br><br><br><br><br><br>Foto \\u00a9 Anna P\\u00f6hlmann&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.diangohernandez.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.diangohernandez.com<\\\/a><br><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Hern\\u00e1ndez\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/04\\\/diango-hern\\u00e1ndez-foto-anna-p\\u00f6hlmann.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/diango-hernandez\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/rohling-x-Kopie-4.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Gerd Rohling\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1946 in Krefeld, Deutschland<br>lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Gerd Rohling ist ein deutscher Maler und Objektk\\u00fcnstler. Er studierte 1971 bis 1977 an der Hochschule der K\\u00fcnste in Berlin und gr\\u00fcndete 1979, unter anderem mit Frank Dornseif, Ter Hell und Reinhard Pods, die Berliner K\\u00fcnstlergruppe und gleichnamige Selbsthilfegalerie \\u201e1\\\/61\\u201c. Nachdem sein Fr\\u00fchwerk in Verbindung mit der gestischen Malerei der Neuen Wilden gebracht wird, wandte sich Rohling in den 1980er Jahren der Objektkunst zu. Mit ironisch-kritischer Geste kombiniert er Fundst\\u00fccke und Alltagsgegenst\\u00e4nde sowohl zu farbigen Skulpturen, als auch zu raumf\\u00fcllenden Installationen. Daneben entstehen zahlreiche Arbeiten im \\u00f6ffentlichen Raum, die zwischen Skulptur und Happening changieren. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201eDIE SKULPTUR. Sie muss rund sein,&nbsp;scharfe Kanten haben, und unbedingt einige Ecken.&nbsp;Sie soll gef\\u00fcllt sein mit Musik, und Dich so anschauen, dass Du rot wirst.\\u201c (Gerd&nbsp;Rohling)<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.gerd-rohling.de (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.gerd-rohling.de\\\" target=\\\"_blank\\\">www.gerd-rohling.de<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Gerd Rohling<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Rohling\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Rohling-portrait-\\u00a9-Gerd-Rohling-e1565621278425.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/gerd-rohling\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/Baragurra-Quer2_DSC00103.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Margaret Baragurra\",\"text\":\"\\n<p>Skin Name: Kurrimarra<br>* 1939 in Kalpirti, Australien<br>\\u2020 2020 in Bidyadanga, Australien<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Margaret Baragurra wurde in Kalpirti in der Great Sandy Desert von W.A. geboren. Ihre Angeh\\u00f6rigen, die Familie der Yulparija, verlie\\u00df das Land in den fr\\u00fchen 1970er Jahren, als ihre Existenz von einer schweren D\\u00fcrre bedroht war. Baragurra ging mit ihrer Familie an die K\\u00fcste und lebte dort in der Bidyadanga community. Offiziell malte Baragurra seit 2003. In ihren Bildern kombinierte sie die Erinnerungen und \\u00dcberlieferungen der Great Sandy Desert, der Gro\\u00dfen Sandw\\u00fcste mit den leuchtenden Farben der Salzwasserlandschaft, die sie bewohnte.<br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"https:\\\/\\\/www.shortstgallery.com.au\\\/artists\\\/60-margaret-baragurra\\\/works\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.shortstgallery.com.au (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.shortstgallery.com.au<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Short St Gallery, Broome, WA<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Baragurra\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/11\\\/Courtesy-of-Short-St-Gallery-Broome-WA\\u2019-e1574241877394.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/margaret-baragurra\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/wien.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Die Angewandte, Wien\",\"text\":\"\\n<h2 class=\\\"wp-block-heading\\\">2021<br><br>Klasse Prof. Hans Schabus<br><br>Jonathan Dellago, Sophie Heizinger, Georg Holzmann, Gea Kalkhof, Sarah Pleier, Raphael Pohl, Martin Sommer<\\\/h2>\\n\\n\\n\\n<h2 class=\\\"wp-block-heading\\\"> <\\\/h2>\\n\\n\\n\\n<p>Die Klasse Skulptur und Raum \\\/ Hans Schabus interessiert sich&nbsp;f\\u00fcr den Umstand der Skulptur, ihre Umgebung, ihre Materialien, ihre Struktur, ihre Form und die in diesem Dazwischen entstehenden Verbindungen.Wir verstehen die Skulptur als Werkzeug, um Gesellschaft zu verhandeln und vice versa.&nbsp;Die Skulptur provoziert gegenw\\u00e4rtiges Wahrnehmen und Erfassen. Die Konsequenzen dieser Vorg\\u00e4nge wollen immer wieder neu befragt werden.&nbsp;Die Skulptur brennt, der Raum l\\u00f6scht.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Max Fischer <\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Die Angewandte, Wien\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/05\\\/STOA-GRUPPE.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/die-angewandte-wien\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/07\/slider-gupta.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Subodh Gupta\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1964 in Kagaul, Bihar, Indien<br>lebt in Neu-Delhi, Indien<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Subodh Gupta studierte zwischen 1983 und 1988 Malerei am College of Art in Patna, arbeitet jedoch mit einer Vielzahl von Medien, darunter Skulptur, Fotografie, Installation, Video und Performance und mit zahlreichen gefundenen und transformierten Materialien, wie Holz, Marmor oder Messing. Ausgangspunkt und Referenz seiner k\\u00fcnstlerischen Arbeit sind der indische Alltag und seine sozio\\u00f6konomischen Ver\\u00e4nderungen, die er in eine universelle Sprache \\u00fcbersetzt. Entsprechend verwendet er f\\u00fcr seine raumgreifenden Installationen und Gro\\u00dfskulpturen vielfach Alltagsgegenst\\u00e4nde, beispielsweise Edelstahlgeschirr, das schichten\\u00fcbergreifend die Lebenswirklichkeit der Stadt- wie Landbev\\u00f6lkerung Indiens miteinander verbindet. In der k\\u00fcnstlerischen Akkumulation dieser Gebrauchsdinge des Alltags spiegeln sich die \\u00f6konomische Verwandlung seines Heimatlandes und Widerspr\\u00fcche der indischen Gesellschaft zwischen traditionellen Wertvorstellungen und konsequentem Modernisierungswillen.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201eFor me, art is about time. Art has the power to express feelings and ideas; it makes us understand what was not understandable\\u201c (Subodh Gupta, Zoo Magazine, 2011)<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.hauserwirth.com\\\/artists\\\/2787-subodh-gupta\\\" target=\\\"_blank\\\">https:\\\/\\\/www.hauserwirth.com\\\/artists\\\/2787-subodh-gupta<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Subodh Gupta<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Gupta\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/07\\\/gupta-e1565695393112.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/subodh-gupta\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/Daenemark.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"ROYAL DANISH ACADEMY OF FINE ARTS, Kopenhagen, D\\u00e4nemark\",\"text\":\"\\n<h2 class=\\\"wp-block-heading has-medium-font-size\\\">2025<br> <br><br>Klasse Prof. Simon Dybbroe M\\u00f8ller <br><br>Andreas Marquart Frellesen, Julia Laszczka, Mie Mo, Gabriel Nigri, Luis Salzmann, Laura Theurich<\\\/h2>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br>Das Statement der K\\u00fcnstler*innen zu ihrer S\\u00e4ule:<br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><strong>Spolia<\\\/strong><br><br>The thing is<br><br>A column carries weight.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br><br><br><br><br><br><br><br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br><br>.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p class=\\\"has-small-font-size\\\"><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p class=\\\"has-small-font-size\\\">Andreas Marquart Frellesen, Julia Laszczka und Mie Mo w\\u00e4hrend der Installation der S\\u00e4ule in der STOA169, August 2025<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p class=\\\"has-small-font-size\\\"><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Royal Academy\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/Akademie-Daene-artist-polling-8-25\\u00a9STOA169-Stiftung-scaled.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/royal-danish-academy-of-art-school-of-sculpture-kopenhagen-daenemark\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/09\/Gillick.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Liam Gillick\",\"text\":\"\\n<p>* 1964 in Aylesbury, Gro\\u00dfbritannien,  lebt und arbeitet in New York City, USA<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Liam Gillick nutzt verschiedenartige Formen, um die neuen ideologischen Kontrollsysteme aufzuzeigen, die seit den fr\\u00fchen 1990er-Jahren entstanden sind. Er untersucht in seinem Werk die \\u00c4sthetik der gebauten Umwelt. Dabei weist er auf die dysfunktionalen Aspekte des modernistischen Erbes von Abstraktion und Architektur hin, sobald es in einem globalisierten, neoliberalen Konsens verortet ist.<br>Gillicks Werk reicht von kleinen B\\u00fcchern bis hin zu gro\\u00dfformatigen architektonischen Kollaborationen. Seine k\\u00fcnstlerische Praxis bewegt sich  im Spannungsfelds zwischen formal minimalistischen Arbeiten, die sich mit der Sprache des erneuerten Raumes auseinandersetzen, und Praktiken des  Schreibens und der Verwendung von Text \\u2013 und wird in seiner kontinuierlichen Auseinandersetzung mit Konventionen der Ausstellung als Form, zusammengef\\u00fchrt. Au\\u00dferdem hat Gillick seit Ende der 2000er-Jahre&nbsp;eine Reihe von Kurzfilmen realisiert. Diese setzen sich mit der Konstruktion der kreativen persona \\u2013 angesichts der kontinuierlichen Ver\\u00e4nderung der kulturellen Rolle des zeitgen\\u00f6ssischen K\\u00fcnstlers \\u2013 auseinander. Gillick verwendet ein breites Vokabular, um die Rolle, die Kunst in der Gesellschaft spielen kann, bewusst zu hinterfragen und zu untersuchen, inwiefern \\u00c4sthetik ein politisches Thema in der neoliberalen Wirtschaft ist. Seine Kunstwerke involvieren die Betrachter und erschaffen R\\u00e4ume, in denen es m\\u00f6glich sein k\\u00f6nnte, \\u00fcber die Schnittstellen zwischen der gebauten Welt und Modi der Kritik nachzudenken.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.liamgillick.info\\\">www.liamgillick.info<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Liam Gillick <\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Gillick\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/09\\\/gillickportrait-Photo-\\u00a9-Liam-Gillick-Kopie-e1569236017391.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/liam-gillick\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/09\/slider-zoderer.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Beat Zoderer\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1955 in Z\\u00fcrich, Schweiz<br>lebt in Wettingen, Schweiz,&nbsp;und Genua, Italien<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Nach Lehre und Arbeit in verschiedenen Architekturb\\u00fcros von 1971 bis 1976 arbeitet Beat Zoderer seit 1977 als freischaffender K\\u00fcnstler. Zoderers Werk umfasst Installationen, Skulpturen, Wandobjekte, Papierarbeiten und Collagen. Seine Kunst nimmt ihren Ausgang von kunstfernem&nbsp;Material, das er aus Baum\\u00e4rkten oder Schreibwarenl\\u00e4den bezieht. Das Werk Beat Zoderers changiert zwischen Oberfl\\u00e4che und Objekt, zwischen Skulptur und Installation. Aus allt\\u00e4glichen Materialien, wie PVC, Bauplatten, Gummib\\u00e4ndern, Metallschleifen, B\\u00fcroartikeln, Parkettbohlen oder Pressspanplatten entstehen geometrische zwei- und dreidimensionale Arrangements, die in den Raum ausgreifen. Er erhielt verschiedene Preise und Auszeichnungen, so beispielsweise den Manor-Kunstpreis des Kantons Aargau (1995), den Anerkennungspreis der Max Bill und Georges Vantongerloo-Stiftung, Zumikon\\\/ Z\\u00fcrich (1998) und den Willy-Reber Kunstpreis (2018). Gemeinsam mit Landschaftsarchitekten der Hager Partner AG hat Zoderer 2012 den Innenhof des Berliner Parlamentsgeb\\u00e4udes gestaltet. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201eMich interessieren eigentlich eher die L\\u00f6cher in einem Raster oder System.\\u201c (Beat Zoderer, Neues Museum N\\u00fcrnberg)<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.vonbartha.com\\\/artist\\\/beat-zoderer\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">https:\\\/\\\/www.vonbartha.com\\\/artist\\\/beat-zoderer\\\/<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Andreas Zimmermann<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Zoderer\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Zoderer_Ballini_2012\\u00a9-Andreas-Zimmermann--e1565097766768.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/beat-zoderer\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/07\/Teng.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Chao-Ming Teng\",\"text\":\"\\n<p>* 1977 in Taipei, Taiwan; lebt in Taipei<br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Chao-Ming Teng, absolvierte die School of Architecture and Planning (Media Arts and Sciences program) des Massachusetts Institute of Technology und wurde zu Residenzprogrammen wie The Arctic Circle, Villa Arson (FR) und Para Site (HK) eingeladen.<br>Im Mittelpunkt seiner k\\u00fcnstlerischen Fragestellungen stehen Handlungsf\\u00e4higkeit, Kausalit\\u00e4t, Unbestimmtheit sowie Strukturen und Kr\\u00e4fte, die unser Verst\\u00e4ndnis dieser Konzepte bestimmen. Er konstruiert und dekonstruiert Erz\\u00e4hlungen, um diese Fragen zu behandeln: F\\u00fcr ihn hat unser Gef\\u00fchl von Subjektivit\\u00e4t und Individualit\\u00e4t alles mit den Geschichten zu tun, die wir erz\\u00e4hlen und die uns erz\\u00e4hlt wurden. Wir interagieren st\\u00e4ndig mit Geschichten und konstruieren Erz\\u00e4hlungen, und Teng betrachtet dieses System des Austauschs von Geschichten als ein Netzwerk, das st\\u00e4ndig neu gestaltet wird.&nbsp;Tengs Arbeit gibt uns Werkzeuge und metaphorische Konzepte an die Hand, die uns dabei helfen, das Netzwerk zu formen: Hinzuf\\u00fcgen\\\/L\\u00f6schen von Knotenpunkten, Aufbauen und Dehnen von Verbindungen &#8211; wie er selbst es formuliert: &#8222;Die Herausforderung bei der Schaffung gesunder Pers\\u00f6nlichkeiten und Gesellschaften besteht darin, flie\\u00dfende Netzwerke von Erz\\u00e4hlungen so lebendig, offen und energiegeladen wie m\\u00f6glich zu halten. Der Mensch lebt von Erz\\u00e4hlungen\\u201c.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/tengchaoming.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.tengchaoming.com<\\\/a><br>Foto: Teng Chao-Ming<a href=\\\"\\\"><\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Teng \",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/07\\\/portrait_random_TENG-www-Kopie.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/chao-ming-teng\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/08\/Lee.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Lee, Kuei-Chih\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1979 Tuku Township, Yunlin County, Taiwan;<br>lebt in Taiwan<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Kuei-Chih Lee, der am Department der National Taiwan University of the Arts Bildende Kunst studierte, ist Land-Art-K\\u00fcnstler. In seinen Landschaftsinstallationen erkundet er die Beziehungen und Kreisl\\u00e4ufe, Abh\\u00e4ngigkeiten, Strukturen und Verbindungen zwischen Mensch und Natur. F\\u00fcr seine gro\\u00dfformatigen Installationen sammelt er vor Ort Material, um es in harmonische Beziehungen zur nat\\u00fcrlichen Umgebung zusammenzuf\\u00fcgen und in einen Dialog mit der Natur treten zu lassen. Neben gro\\u00dfen Landschaftsarchitekturen f\\u00fcr Innen- und Au\\u00dfenr\\u00e4ume umfasst Lees Praxis Gem\\u00e4lde, Druckgrafiken, dokumentarische Videos, Fotografien und kuratorische Praxis. Lee ist \\u00fcberzeugt von den wahrhaften Beziehungen der Dinge in der Natur zueinander, und dass ein Dialog mit der Natur und physische Arbeit in ihr zu Achtsamkeit des inneren Bewusstseins f\\u00fchrt.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\">\\n<p>\\u201eWe sculpted ourselves while sculpting time.\\u201d (Kuei-Chih Lee)\\u00a0<\\\/p>\\n<\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.leekueichih.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.leekueichih.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.leekueichih.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Kuei-Chih Lee<br><br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<figure class=\\\"wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube\\\"><div class=\\\"wp-block-embed__wrapper\\\">\\nhttps:\\\/\\\/youtu.be\\\/8_g1stOUNMw\\n<\\\/div><\\\/figure>\\n\",\"artist\":\"Lee, Kuei-Chih\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/lee-kuei-chih-e1565623994743.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/kuei-chih-lee\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/03\/Horn-Entwurf-Kopie.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Rebecca Horn\",\"text\":\"\\n<p>*\\u00a01944 in Michelstadt, Deutschland <br>\\u2020 2024 in Bad K\\u00f6nig im Odenwald, Deutschland<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br>Rebecca Horn studiert ab 1963&nbsp;an der Hochschule f\\u00fcr bildende K\\u00fcnste Hamburg. 1971 geht sie mit Unterst\\u00fctzung eines DAAD-Stipendiums an die St. Martin\\u2019s School of Art in London und lebt von 1972 bis 1981 lebt in New York.&nbsp;1974&nbsp;lehrt sie am California Art Institute, University of San Diego und ab 1989 an der&nbsp;Hochschule der K\\u00fcnste, Berlin.\\u200b<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Bekannt ist Horn insbesondere f\\u00fcr ihre Performances und kinetischen Skulpturen, die sp\\u00e4ter in ihrem Werk an die Stelle des menschlichen K\\u00f6rpers treten. Unter den verwendeten Materialien finden sich Fundst\\u00fccke genauso wie eigens kreierte Objekte, dazu geh\\u00f6ren Koffer, Metronome, Federf\\u00e4cher, gro\\u00dfe Trichter und Pumpstationen. Die m\\u00f6gliche und tats\\u00e4chliche Transformation der Gegenst\\u00e4nde und ihrer Kontexte ist ein zentraler Aspekt in Horns Werk.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Ihre Arbeiten waren weltweit in gro\\u00dfen Einzelausstellungen zu sehen, darunter Staatliche Kunsthalle Baden-Baden (1981), M.O.C.A. Los Angeles (1990), Guggenheim Museum New York (1993), Nationalgalerie Berlin (1994), Tate Gallery London (1994), Kestner Gesellschaft Hannover (1997),&nbsp;Martin-Gropius-Bau Berlin (2006), Museum of Contemporary Art Tokyo (2009), National Gallery of Modern Art New Delhi (2012) und Lehmbruck Museum Duisburg (2017). F\\u00fcr ihr Werk erhielt Horn zahlreiche Auszeichnungen, darunter den documenta-Preis (1986), den Carnegie Prize f\\u00fcr&nbsp;<em>The Hydra Forest, Performing Oscar Wilde<\\\/em>&nbsp;(1988), den Kaiserring der Stadt Goslar (1992) und den Barnett and Annalee Newman Award (2004).<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br><br><br>Foto: Gunter Lepkowski, Berlin<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Horn\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/03\\\/Horn-Portrait-Gunter-Lepkowski-Berlin-w.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/rebecca-horn\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/08\/Amankul-hoch_DSC00673.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Shaarbek Amankul\",\"text\":\"\\n<p>* 1959 in Bischkek, Kirgistan<br>lebt in Bischkek, Kirgistan<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Shaarbek Amankul ist einer der f\\u00fchrenden kirgisischen K\\u00fcnstler innerhalb  der zeitgen\\u00f6ssischen Kunst Zentralasiens, und dies in einer Vielzahl von Medien. Sein k\\u00fcnstlerisches Werk verbindet konzeptuelle Ans\\u00e4tze mit&nbsp;&nbsp;traditionellen lokalen Br\\u00e4uchen und Praktiken, die er mit Hilfe kritischer, poetischer und konzeptueller Herangehensweise \\u00fcbersetzt und neu formuliert, wobei die Herausforderungen einer sich rasch ver\\u00e4ndernden Gesellschaft widergespiegelt werden. Das Hauptthema seiner Werke ist jedoch die Suche nach einer neuen Spiritualit\\u00e4t, die sich mit der Verletzlichkeit der Natur angesichts von Umweltverschmutzung und globaler Erw\\u00e4rmung auseinandersetzt. Im Jahr 2007 gr\\u00fcndete Amankul B&#8217;Art Contemporary, eine der ersten Institutionen f\\u00fcr zeitgen\\u00f6ssische Kunst in Kirgisistan, um einen kritischen Dialog zwischen den Gemeinschaften Zentralasiens und der globalen Kunstwelt anzuregen und zu f\\u00f6rdern. Um seine reisende Kunstpraxis und Kulturforschung fortzusetzen, startete er 2011 eine Reihe von nomadischen Kunstprojekten in Kirgisistan, die bis heute andauern. Wichtiger Bestandteil dabei ist die Nutzung der traditionellen nomadischen Lebensweise als Inspirationsquelle f\\u00fcr eine konzeptuelle, zeitgen\\u00f6ssische und global relevante Kunstpraxis.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.bishkekart.kg (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.bishkekart.kg\\\" target=\\\"_blank\\\">www.bishkekart.kg<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 B&#8216; Art Contemporary<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Amankul\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Shaarbek-Amankul-e1565622253569.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/shaarbek-amankul\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/05\/Karavan.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Dani Karavan\",\"text\":\"\\n<p>* 1930 in Tel Aviv, Israel<br>\\u2020 2021 in Tel Aviv, Israel<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Dani Karavan wurde 1930 in Tel Aviv als Sohn von Abraham und Zehava Karavan geboren, beides Pioniere, die 1920 nach Israel einwanderten. Abraham Karavan war von Anfang der 40er bis Ende der 60er Jahre des 20.Jhdts. der leitende Landschaftsarchitekt der Stadt Tel Aviv.<br>Im Alter von 14 Jahren begann Dani Karavan in Tel Aviv mit dem Studium der Malerei im Atelier Streichman-Steimazky, das er bei Marcel Janco (1946) und sp\\u00e4ter bei Mordechai Ardon in Jerusalem (1949) fortsetzte. Karavan war Maler im Kibbutz Harel, zu dessen Gr\\u00fcndungsmitgliedern er 1948 geh\\u00f6rte. 1956 reiste er nach Florenz, um Freskomalerei an der Accademia delle Belle Arti zu erlernen, sp\\u00e4ter nach Paris, um an der Acad\\u00e9mie de la Grande Chaumi\\u00e8re zu studieren. Seit Anfang der sechziger Jahre entwarf Karavan B\\u00fchnenbilder f\\u00fcr Theater, Tanztheater und Oper und arbeitete unter anderem mit der Bat Sheva Dance Company, Martha Graham und Gian Carlo Menotti zusammen. Gleichzeitig schuf er ein steinernes Basrelief in der Aula der Knesset in Jerusalem (Pray for the Peace of Jerusalem, 1965-1966) und seine erste ortsspezifische Skulptur \\u2013 das Negev-Denkmal (Be&#8217;er Sheva, Israel 1963-1968), das zu einem Wahrzeichen der environmental art wurde. 1976 vertrat Karavan Israel auf der Biennale di Venezia, ein Jahr sp\\u00e4ter wurde er zur Teilnahme an der documenta 6 in Kassel eingeladen. Seitdem hat er Auftr\\u00e4ge f\\u00fcr Skulpturen der environmental art in Israel, Frankreich, Deutschland, den Vereinigten Staaten, Korea, Taiwan und Japan erhalten, um nur einige zu nennen. Zu seinen bekanntesten Werken geh\\u00f6ren Axe Majeur (seit 1980, Cergy Pontoise, Frankreich), Passages \\u2013 Hommage an Walter Benjamin (1990-1994, Portbou, Spanien), Murou Art Forest (1998-2006, Murou, Japan), Memorial to the Sinti-Roma (1999-2012, Berlin, Deutschland), Square of Culture (2005-2012, Tel Aviv, Israel) und White Square (1977-1988, Tel Aviv, Israel).&nbsp;Karavan hat in zahlreichen Museen auf der ganzen Welt ausgestellt und ist Tr\\u00e4ger internationaler Auszeichnungen, wie z.B. des Israel-Preises (1977); Silbermedaille f\\u00fcr Bildende Kunst der Franz\\u00f6sischen Akademie der Architektur (1992); Goslarer Kaiserring f\\u00fcr Bildende Kunst, Deutschland (1996); der erste Unesco-K\\u00fcnstler des Friedens (1996); Praemium Imperiale \\u2013 der Nobelpreis f\\u00fcr die K\\u00fcnste, Japan (1998); die Goethe-Medaille, Deutschland (1999); Premio Michelangelo, Carrara, Italien (2005); Ritter der franz\\u00f6sischen &#8222;L\\u00e9gion d&#8217;Honneur&#8220; (2014) u.a.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Tamar Karavan<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/\\u00a9Tamar Karavan\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.danikaravan.com<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Karavan\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/05\\\/Portrait_Dani_copyright-Tamar-Karavan.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/dani-karavan\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/08\/ist-am-Ende-wei\u00df-auf-wei\u00dfem-Hintergrund.-Muss-nicht-zu-genau-sein..jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"A. Laurie Palmer\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1958 in Albany, New York, USA<br>lebt in Santa Cruz, USA<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Laurie Palmer ist K\\u00fcnstlerin und Schriftstellerin. Themen ihrer Arbeit sind die Erforschung der Natur von Materie und die Besch\\u00e4ftigung mit Bodensch\\u00e4tzen und Ressourcen. Ihre Auseinandersetzungen werden in \\u00f6ffentlichen Projekten, in Texten, Skulpturen, Installation und forschungsbasierten Projekten sichtbar, die einen besonderen Fokus auf Fragen nach sozialer und \\u00f6kologischer Gerechtigkeit legen. Unterschiedliche Formen der Kollaboration stellen einen zentralen Aspekt ihrer Praxis dar, die sie \\u00fcber 20 Jahre im K\\u00fcnstler-Kollektiv Haha in Chicago entwickelte. In j\\u00fcngerer Zeit untersucht Palmer Standorte zur Gewinnung von Bodensch\\u00e4tzen in den USA. 1997\\u20132015 war sie Professorin am Sculpture Department an der School of the Art Institute of Chicago; seit 2015 ist Palmer Professorin am Art Department der University of California in Santa Cruz. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>\\u201eI think of art as a really big net, with a broad tolerance for contradictory reality.\\u201c (Laurie Palmer, magazine21, 2016)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/alauriepalmer.net\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">http:\\\/\\\/alauriepalmer.net <\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 A. Laurie Palmer&nbsp;<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Palmer\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Palmer-Laurie-\\u00a9-1-2-e1565770802572.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/a-laurie-palmer\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/08\/fuchs_entwurf_20171213_Aus-Sich-Selbst-1.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Paul Fuchs\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1936 in M\\u00fcnchen, Deutschland<br>lebt in Boccheggiano\\\/ Montieri, Italien<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Paul Fuchs arbeitet als Bildhauer, Klangk\\u00fcnstler und Musiker. Nach einer Ausbildung zum Kunst- und Bauschlosser studierte er von 1958 bis 1964 Bildhauerei an der Akademie der Bildenden K\\u00fcnste in M\\u00fcnchen. Parallel zu seiner bildhauerischen Arbeit widmet sich Fuchs seit 1967 verst\\u00e4rkt der Experimentalmusik. Gemeinsam mit Friedrich Gulda und seiner Ehefrau Limpe Fuchs gr\\u00fcndete er 1969 die Gruppe \\u201eAnima\\u201c, mit der sie auf selbstgebauten Instrumenten zahlreiche Konzerte gaben und auf Festivals \\u2013 unter anderem neben Pink Floyd, Tangerine Dream und Weather Report&nbsp;\\u2013 auftraten. <br>In seinem Werk entwickelt Fuchs neben fragilen und massiven Skulpturen selbst gebaute Musikinstrumente und Zeichnungen, Spielskulpturen, sowie Gro\\u00dfplastiken, h\\u00e4ufig in Form von Klangexperimenten. Skulptur und Klang werden auch im von ihm entworfenen \\u201eGarten der Kl\\u00e4nge\\u201c, einem von ihm seit 1969 in der Toskana errichteten Skulpturenpark, zusammengef\\u00fchrt. Hier realisiert Fuchs gro\\u00dfformatige Skultpturen aus Metall, Holz und Stein, die je nach Windlage verschiedene T\\u00f6ne produzieren. <br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201eDie Materialkl\\u00e4nge wollten in die Form. Ein Kunstwerk, das nicht auch ein bisschen musikalisch und ein bisschen erotisch ist, ist kein Kunstwerk.\\u201c (Paul Fuchs, 2017)<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.paulfuchs.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.paulfuchs.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.paulfuchs.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Paul Fuchs<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Fuchs\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Fuchs-Paul-\\u00a9-Paul-Fuchs-e1565622804698.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/paul-fuchs\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/04\/Evans.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Mary Evans\",\"text\":\"\\n<p>* 1963 in Lagos, Nigeria; <br>lebt in London, Grossbritannien <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Mary Evans studierte am Goldsmiths College in London und an der Rijksakademie in Amsterdam.<br>Evans Werk wurde in internationalen Ausstellungen gezeigt, darunter in den Einzel- und Gruppenausstellungen&#8216; 5 Kontinente und 1 Stadt&#8216;, Museum of Mexico City Mexiko-Stadt, Mexiko, 2000, &#8218;A Fiction of Authenticity&#8216;: &#8218;Contemporary Africa Abroad, Contemporary Art Museum St Louis, USA, 2003; &#8218;Port City, Arnolfini&#8216;, Bristol, Grossbritannien, 2007; &#8218;Meditations&#8216;, Baltimore Museum of Art, Baltimore, USA, 2008; &#8218;Farewell to Post-Colonialism&#8216;, 3rd Guangzhou Triennial, Guangzhou, China, 2008; &#8218;Cut &amp; Paste&#8216;, Tiwani Contemporary London, 2012; &#8218;Du Bois in Our Time&#8216;, UMASS Amherst, USA, 2013; &#8218;Towards Intersections&#8216;, UNISA Gallery Pretoria, S\\u00fcdafrika, 2015; &#8218;Still The Barbarians&#8216;, EVA International, Limerick, Irland, 2016; &#8218;Frans Masereel &amp; Contemporary Art: Images of Resistance&#8216;, MuZee, Ostende, Belgien, 2017; &#8217;11 Bienal Do Mercosul&#8216;, Porto Alegre, Brasilien, 2018; &#8218;LagosPhoto&#8216;, Lagos Nigeria,2018); &#8218;Mary Evans&#8216;,&#8216; Sojourn&#8216;, La Banque Arts Centre, Bethune, Frankreich, 2019; und &#8218;Paper Routes, Women to Watch&#8216;, National Museum of Women in the arts, Washington DC, USA, 2020.<br>Evans erhielt au\\u00dferdem verschiedene Preise und und Stipendien, darunter des Smithsonian Artist Research Fellowship, des National Museum of African Art, Washington DC, USA, 2010; des Du Bois Centre, Accra, Ghana, 2013, und The Arts &amp; Literary Arts Residency, Rockefeller Foundation, Bellagio, Italien, 2014.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Mary Evans ist Dozentin f\\u00fcr Fine Art am Chelsea College of Arts UAL, London.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9\\ufe0f Mary Evans<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Evans\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/04\\\/M-Evans-2020-Credit-M-Evans.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/mary-evans\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/02\/Ma-Qisha.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Ma Qiusha\",\"text\":\"\\n<p>* 1982 in Peking, China; <br>lebt in Peking <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Ma Qiusha erhielt 2005 ihren BA in Digital Media Art von der China Central Academy of Fine Arts und 2008 ihren MFA in Electronic Integrated Arts von der Alfred University, New York. Sie lebt und arbeitet derzeit in Peking. Ihre Einzelausstellungen fanden unter anderem im Middlesbrough Institute of Modern Art, Gro\\u00dfbritannien (2018), im OCT Contemporary Art Terminal Xi&#8217;an, China (2018), in der Beijing Commune, Peking (2019, 2016, 2014, 2013, 2012), im Chinese Arts Centre, Manchester (2013) im Ullens Center for Contemporary Art, Peking (2011) und im Taikang Space, Peking (2010, 2007), statt.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Ma Qiushas Werke wurde in zahlreichen Institutionen gezeigt, darunter in der Tate Modern (London), im Centre Georges Pompidou (Paris), im Groninger Museum (Groningen, Niederlande), Borusan Contemporary (Istanbul), im Zentrum f\\u00fcr Kunst und Medientechnologie (Karlsruhe), im Contemporary Arts Museum Houston (Houston, USA), im Tampa Museum of Art (Tampa, USA), im Museum of Fine Arts (St. Petersburg, USA), im Orange County Museum of Art (Orange County, USA), im Los Angeles County Museum of Art (Los Angeles), im Smart Museum of Art (Chicago), in der International Contemporary Art Foundation, Bergen, Norwegen, im Stavanger Art Museum, Norwegen, im Portland Institute for Contemporary Art, Oregon, bei Tai Kwun Contemporary, Hong Kong, im Ullens Center for Contemporary Art, Peking, im Minsheng Art Museum, Shanghai, im OCAT Shanghai, China, im OCAT Xi&#8217;an, China, im A4 Art Museum, Chengdu, China, im National Art Museum of China, Peking und Art Museum of Central Academy of Fine Arts, Peking, etc. <br>2014 war Ma Qiusha f\\u00fcr den Pierre-Huber-Preis nominiert, 2013 und 2017 f\\u00fcr den &#8222;Young Artist of the Year&#8220; des Award of Art China (AAC).<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9\\ufe0f Ma Qiusha<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.beijingcommune.com\\\/artist\\\/news\\\/39.html?ref=addtabs&amp;lang=en\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.beijingcommune.com<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Ma Qiusha\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/02\\\/Ma-Qiusha-portrait-scaled.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/ma-qiusha\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/10\/Hildebrandt.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Gregor Hildebrandt\",\"text\":\"\\n<p>*\\u00a01974 in Bad Homburg v. d. H\\u00f6he, Deutschland, lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Gregor Hildebrandt studierte an der Kunsthochschule Mainz bei Friedemann Hahn und an der Universit\\u00e4t der K\\u00fcnste Berlin. Im Mittelpunkt seiner k\\u00fcnstlerischer Praxis stehen seit Ende der 1990er Jahre bespielte Kassetten- und Videob\\u00e4nder, sowie Schallplatten. Die mit ausgesuchten Texten und Liedern aufgeladenen analogen Datentr\\u00e4ger setzt er direkt auf die Leinwand und formt sie zu filigran verarbeiteten Skulpturen oder raumgreifenden Installationen. W\\u00e4hrend er so den Klang und Text praktisch unh\\u00f6rbar macht, appelliert er an die Vorstellungskraft der Betrachterinnen und  Betrachter und verleiht den Arbeiten weitere unsichtbare Dimensionen. Gregor Hildebrandts Werk wurde in Einzelausstellungen von renommierten Institutionen und Galerien gezeigt, wie in der Kunsthalle Recklinghausen (2018); der Galerie Perrotin (2018); dem K\\u00fcnstlerhaus Bethanien, Berlin (2016); dem Museum van Bommel van Dam, Niederlande (2012) oder dem Contemporary Art Museum St. Louis, USA (2008). Au\\u00dferdem war er mit seinen Arbeiten an zahlreichen internationalen Gruppenausstellungen beteiligt wie z.B. bei Daimler Contemporary Berlin (2019); Neuer Norden Z\\u00fcrich (2018); Latvian National Museum of Art (2016) im Centre Pompidou, Paris (2014, 2012); Bass Museum of Art, Miami (2014); Palais de Tokyo, Paris (2012); ICA Boston, USA (2011). <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.gregorhildebrandt.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.gregorhildebrandt.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.gregorhildebrandt.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Luise M\\u00fcller Hofstede<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Hildebrandt\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/10\\\/Hildebrandt__300dpi\\u00a9LuiseM\\u00fcllerHofstede-e1571758115663.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/gregor-hildebrandt\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/08\/Angelidakes-2-1.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Andreas Angelidakis\",\"text\":\"\\n<p>* 1968 in Athen, Griechenland<br>lebt in Athen<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Andreas Angelidakis beschreibt sich selbst als \\u201eArchitekt, der nicht baut\\u201c. Stattdessen nutzt er eine k\\u00fcnstlerische Sprache, die sich der verschiedenen Ausdrucksweisen von Architektur, des Schreiben, Kuratierens und des Internets bedient. Angelidakis besch\\u00e4ftigt sich dabei oft mit dem Raum und mit Geb\\u00e4uden sowie der Gesellschaft, die diese bewohnt. Das Ausstellungsformat dient als Vehikel f\\u00fcr seine Ideen und als vermittelndes Element seiner k\\u00fcnstlerischen Praxis. \\u201eWie die &#8218;cadavres exquis&#8216; der Surrealisten, ist auch die architektonische Praxis von Andreas Angelidakis das Ergebnis heftiger Kollisionen, in denen verschiedene zeitgen\\u00f6ssische Obsessionen zusammenkommen: Klimawandel, Prominentenkult und die Inflation der Big Data. Nachdem er in den sp\\u00e4ten neunziger Jahren virtuelle Metropolen erschuf, konstruierte Angelidakis mit Hilfe von 3D-Druckern wundersame, postmoderne Merzbauten \\u2013 babylonische Collagen zum Ruhme des digitalen Zeitalters. In j\\u00fcngerer Zeit besch\\u00e4ftigt er sich in seinem Werk mit der Schaffung eines Forums f\\u00fcr Austausch und Soziabilit\\u00e4t.\\u201c (Cruising Pavilion team, Architekturbiennale Venedig, 2018).<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201eVielleicht ben\\u00f6tigen wir einfach keine neuen Geb\\u00e4ude mehr. Vielleicht gen\\u00fcgt es, die bestehenden umzugestalten.\\u201c (Andreas Angelidakis, in: Nicholas Korody, &#8218;Andreas Angelidakis&#8216;, www.documenta14.de) <\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.angelidakis.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.angelidakis.com\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">www.angelidakis.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Arthur Pequin<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Angelidakis\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Angelikadis-\\u00a9-Arthur-Pequin-e1565620493750.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/andreas-angelidakis\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/12\/20191205_124411-Kopie.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Fiona Hall\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1953 in Sydney, Australien<br>lebt in Hobart, Tasmanien, Australien<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Fiona Halls Arbeiten wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppen-ausstellungen in Australien und international gezeigt. 2015 hat sie mit der Installation \\u201eWrong Way Time\\u201c (2012-15) Australien bei der 56. Biennale in Venedig vertreten. Zu den wichtigsten Ausstellungen geh\\u00f6ren \\u201eUneasy Seasons\\u201c, National Gallery of Victoria (2017); \\u201eWrong Way Time\\u201c, National Gallery of Australia, \\u201eCanberra\\u201c (2016); Adelaide Biennale of Australian Art, Art Gallery of South Australia, Adelaide (2014); &#8222;Australia&#8220;, Royal Academy of Arts, London (2013); dOCUMENTA 13, Kassel, Deutschland (2012); Biennale von Sydney, Sydney (2000 und 2010); die dritte Moskauer Biennale f\\u00fcr zeitgen\\u00f6ssische Kunst, Moskau (2009); &#8222;DeOverkant\\\/Downunder&#8220;, Den Haag Sculpture, Niederlande (2007); und \\u201ePrism: Zeitgen\\u00f6ssische australische Kunst\\u201c, Bridgestone Museum, Tokio (2006).&nbsp;<br>Wichtige Retrospektiven von Hall&#8217;s Werk wurden von der Queensland Art Gallery | Gallery of Modern Art, Brisbane, und der Art Gallery of South Australia, Adelaide, durchgef\\u00fchrt (beide 2005). Hall&#8217;s Werke sind in den Sammlungen aller gro\\u00dfer australischer Staatsmuseen vertreten. In den letzten zwei Jahrzehnten hat sie auch eine Reihe wichtiger \\u00f6ffentlicher Auftr\\u00e4ge in Sydney und Canberra \\u00fcbernommen. Zu ihren j\\u00fcngsten Auftr\\u00e4gen geh\\u00f6ren \\u201eAll Along the Watch Towers\\u201c f\\u00fcr das Centre d&#8217;arts et de nature, Chaumont-sur-Loire, Frankreich (2018). Ihre Arbeit f\\u00fcr das Anzac War Memorial in Sydney wurde Ende 2018 er\\u00f6ffnet.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>\\u201cMy art, which encompasses different themes and materials, is turning increasingly towards the topical issues to do with the environment, politics and society, and reacting to these challenges. And yet my aim is to bring together various aspects of these themes in a way that is poetically provocative and not merely educational. (Domaine de Chaumont-sur-Loire, 2019)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.roslynoxley9.com.au\\\/artist\\\/fiona-hall\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.roslynoxley9.com.au\\\/artist\\\/fiona-hall (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.roslynoxley9.com.au\\\/artist\\\/fiona-hall<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Hall\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/12\\\/CvmaoHhQ-2-e1575287409736.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/fiona-hall\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/02\/Matsutani.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Takesada Matsutani\",\"text\":\"\\n<p>* 1937 Osaka, Japan<br>lebt in Paris<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Von Anfang der 1960er bis in die 1970er Jahre war Takesada Matsutani ein Mitglied japanischen Gutai-Gruppe. Zu Matsutanis wichtigsten Einzelausstellungen geh\\u00f6ren: \\u2018Confluence&#8216; im Manggha-Museum, Krakau (2018); &#8218;Currents&#8216; im Otani Memorial Art Museum, Nishinomiya (2015); &#8218;Eine Matrix&#8216; bei Hauser &amp; Wirth, London (2013); &#8218;Stream&#8216;, Museum of Modern Art, Kamakura (2010); Matsutani&#8217;s Prints, 1960\\u20131988&#8243;, Ashiya City Museum of Art and History (1999); Gutai Pinakothek, Osaka (1963).<br>Bedeutende Gruppenausstellungen umfassen: Takesada Matsutani&#8220;, Centre Pompidou, Paris (2019); Viva Arte Viva&#8220;, 57. Internationale Kunstausstellung, La Biennale di Venezia (2017); &#8218;Nouvelle pr\\u00e9sentation des collections modernes (1905-1965)&#8220;, Centre Pompidou, Paris (2015); &#8218;The Collection: Gutai progress&#8216;, Kunst- und Geschichtsmuseum der Stadt Ashiya (2013); &#8218;Gutai: Splendid Playground&#8216;, Solomon R. Guggenheim Museum (2013); &#8218;Gutai: Historical Survey and Contemporary Response&#8220;, San Francisco Art Institute (2013); &#8218;Gutai: The Spirit of an Era&#8216;, National Art Center, Tokio (2012); &#8218; A Visual Essay on Gutai\\u2018, Hauser &amp; Wirth, New York (2012); &#8218;GUTAI 1954-1972&#8242;, Pr\\u00e4fektur Hyogo Museum f\\u00fcr moderne Kunst, Kobe (2004); &#8217;43\\u00e8me salon de Mai&#8216;, Grand Palais, Paris (1988); &#8218;Grupo Gutai: Pintura y Acci\\u00f3n&#8216;, Spanisches Museum f\\u00fcr Zeitgen\\u00f6ssische Kunst, Madrid (1985); &#8217;36 Esposizione Internazionale d&#8217;Arte Grafica d&#8217;oggi&#8216;, Galleria Internazionale d&#8217;Arte Moderna, ca&#8217;Pesaro, Venedig (1972); &#8217;20. Gutai-Kunstausstellung&#8216;, Gutai Pinakothek, Osaka (1968); &#8218;Three-Person exhibition: Mukai, Matsutani, Maekawa&#8216;, Gutai Pinacotheca, Osaka (1966); &#8218;9. Gutai-Kunstausstellung&#8216;, Takashimaya Department Store, Osaka (1960).<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.takesadamatsutani.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.takesadamatsutani.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.takesadamatsutani.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Takesada Matsutani<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Matsutani\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/02\\\/MATSUTANI-TAKESADA-small.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/takesada-matsutani\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/schwer.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Paul Schwer in Zusammenarbeit mit Saskia Tamara Kaiser\",\"text\":\"\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>* 1951 in Hornberg\\\/ Schwarzwald, lebt in Ratingen und D\\u00fcsseldorf, Deutschland \\\/ <br>* 1994 in Dorsten &#8211; Recklinghausen, lebt in D\\u00fcsseldorf<br><br><strong>Paul Schwer<\\\/strong> studierte von 1981-1988 an der Kunstakademie D\\u00fcsseldorf und war Meistersch\\u00fcler von Prof. Heerich. Parallel dazu arbeitete Schwer bis 1993 als Kinder- und Jugendpsychiater. <br>Ab 1985 folgten verschiedene Lehrauftr\\u00e4ge und Workshops, u.a. 2011 an der Kunstakademie Hue und Ho Chi Minh City (Vietnam) und 2012 in Chengdu (China). 2007 -2011 war Schwer als Gastdozent an der Kunstakademie M\\u00fcnster f\\u00fcr den Orientierungsbereich t\\u00e4tig und hielt 2011\\\/12 und 2016 Vertretungsprofessuren inne. <br>Paul Schwer erhielt mehrere Stipendien, so 2004 das Bremerhaven Stipendium, 2005\\\/2006 als Artist in Residence, Degussa-China, Shanghai, 2009 ein Arbeitsstipendium der Stiftung Kunstfonds, Bonn sowie 2015 der Kunststiftung NRW f\\u00fcr Istanbul; 2022 und 2023 das Stipendium Neustart Kultur der Stiftung Kunstfonds, Bonn. Seine Werke wurden zuletzt\\u00a0u.a. in Ausstellungen und Einrichtungen wie dem internationalen Lichtparcours Braunschweig 2020, der Bundeskunsthalle Bonn 2022, und 2023 bei den 13. internationalen Skulpturprojekten \\u201eBlickachsen\\u201c in Bad Homburg, im Zentrum f\\u00fcr internationale Lichtkunst in Unna, im Kunstverein R\\u00fcgen und auf der Insel Hombroich gezeigt. \\u00a0<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.paulschwer.de\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.paulschwer.de<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><strong>Saskia Tamara Kaiser<\\\/strong>, Jahrgang 1994, absolvierte vor ihrem Kunststudium zwei Berufsausbildungen: eine als Glasdekorateurin mit den Schwerpunkten Malerei und Glasmalerei und eine als Gestaltungstechnische Assistentin f\\u00fcr Grafik und Objektdesign. Darauf aufbauend studierte sie freie Kunst mit dem Schwerpunkt Glas am Institut f\\u00fcr k\\u00fcnstlerische Keramik und Glas in H\\u00f6hr-Grenzhausen. Derzeit ist Saskia in der Klasse von Prof. Gregor Schneider an der Kunstakademie D\\u00fcsseldorf eingeschrieben. <br>Ihre Performances und skulpturalen Konzepte wurden in den letzten Jahren in Einzel- und Gruppenausstellungen in verschiedenen Museen gezeigt. Sie wurde u.a. vom Ministerium f\\u00fcr Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen gef\\u00f6rdert (2020-2021\\\/ 2021-2022) und erhielt 2021 ein Deutschlandstipendium.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"https:\\\/\\\/www.saskiatamarakaiser.de\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.saskiatamarakaiser.de<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto Paul Schwer \\u00a9 Heinz Bunse<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Schwer\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/Schwer_portrait-\\u00a9-Heinz-Bunse-Kopie.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/paul-schwer\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/adams.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Marina Adams\",\"text\":\"\\n<p>* \\u00a01960 in New Jersey, USA; lebt in New York City und Parma, Italien<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Marina Adams studierte an der Tyler School of Art, Philadelphia, und an der Columbia University, New York City. 2016 wurde Marina Adams mit dem John Simon Guggenheim Memorial Fellowship ausgezeichnet und erhielt 2018 die Award of Merit Medal for Painting der American Academy of Arts and Letters.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Adams ist bekannt f\\u00fcr ihre dynamischen, abstrakten Werke, in denen sie sich mit ineinandergreifenden Formen und Linien in vibrierenden, leuchtenden Farben mit dem Thema Farbe, Form und Bewegung auseinandersetzt. In ihren oft gro\\u00dfformatigen Arbeiten l\\u00e4sst sie sich von Architektur, Keramik und Textilien, wie beispielsweise den reich gemusterten Teppichen Marokkos, oder auch den maurischen Kacheln im Alhambra-Palast in Spanien inspirieren. Adams&#8216; k\\u00fcnstlerische Praxis zeichnet sich durch den bewu\\u00dften Einsatz von Farbe in Kombination mit Formen aus, die sie nutzt, um ein Gef\\u00fchl von Bewegung und Rhythmus in ihren Werken zu erzeugen.<br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto: Dan Branica<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.marinaadams.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.marinaadams.com<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Adams\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/Adams-Foto-Dan-Bradica.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/marina-adams-2\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/02\/Alkara.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Ovadia Alkara\",\"text\":\"\\n<p>* 1939 Daliat-El-Carmel, Israel<br>lebt in Ein Hod, Israel, und D\\u00fcsseldorf<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>1939 in dem drusischen Dorf Daliat-el-Carmel in Israel geboren, kam Ovadia Alkara mit 17 Jahren in das K\\u00fcnstlerdorf Ein Hod, wo er von 1955 bis 1958 Steinmetzkunst bei dem Bildhauer Rudi Lehmann studierte. In Ein Hod lernte er die moderne Kunst durch seine Bekanntschaft mit israelischen K\\u00fcnstlern und deren Werken kennen. Nach seinem Milit\\u00e4rdienst bei der IDF war er im Haifa-Theater als B\\u00fchnenbildner f\\u00fcr Theaterst\\u00fccke sowie f\\u00fcr einen Theaterclub in Tel Aviv t\\u00e4tig. 1962 zog Alkara nach Paris und studierte bis 1964 an der \\u00c8cole de Beaux Arts. Gleichzeitig war er Lehrling im Atelier des K\\u00fcnstlers Yaacov Agam. 1966 siedelte Alkara nach New York \\u00fcber und wurde bald durch seine Ausstellungen Teil der dortigen Kunstszene. Alkara lebte und arbeitete abwechselnd in New York und Israel; seit 2007 pendelt er zwischen D\\u00fcsseldorf und Ein Hod.<br>Alkaras Werke wurden erstmals 1964 in Haifa \\u00f6ffentlich gezeigt. Seitdem hat er weltweit in Galerien und Museen ausgestellt. 1983 erhielt er den Ankaufspreis der Triennale f\\u00fcr Grafikkunst, Haifa Museum of Art, und 1994 den Preis des Ministeriums f\\u00fcr Wissenschaft und Kunst, Israel. Alkara ist mit seinen Werken in zahlreichen internationalen \\u00f6ffentlichen und privaten Sammlungen vertreten.<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Alkara\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/02\\\/alkara-web.png\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/ovadia-alkara-2\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/08\/slider-vopava.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Walter Vopava\",\"text\":\"\\n<p>* 1948 in Wien, \\u00d6sterreich<br>lebt in Wien und Kamp, \\u00d6sterreich<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Walter Vopava geh\\u00f6rt zu den wichtigsten Vertretern der neuen Abstrakten Malerei \\u00d6sterreichs.&nbsp;Er studierte an der Wiener Akademie der Bildenden K\\u00fcnste. W\\u00e4hrend er in den 1980er Jahren noch figurative Bez\\u00fcge aufgriff, entwickelte Vopava ab den 1990er Jahren eine atmosph\\u00e4risch abstrakte Malerei. Seine Bilder sind von der Auseinandersetzung mit Licht und Farbe gepr\\u00e4gt und durch schwarze und d\\u00fcstere Fl\\u00e4chen bestimmt, die nebeneinander, geschichtet oder sich \\u00fcberschneidend, in Beziehung zu hellen Farben, oft in Gr\\u00fcn- oder Magentat\\u00f6nen, gesetzt werden. Im Spannungsfeld von Licht, Farbe und Raum entstehen komplexe Bildkompositionen und atmosph\\u00e4rische Tiefenr\\u00e4ume. <br><br><br><br><br><br><br><br>Foto \\u00a9 Bernd Zimmer<br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<figure class=\\\"wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube\\\"><div style=\\\"display: contents;\\\" >\\n\\n<div data-mode=\\\"normal\\\" data-oembed=\\\"1\\\" data-provider=\\\"youtube\\\" id=\\\"arve-youtube-jncxox9ga8m\\\" class=\\\"arve\\\">\\n\\t<div class=\\\"arve-inner\\\">\\n\\t\\t<div class=\\\"arve-embed arve-embed--has-aspect-ratio\\\">\\n\\t\\t\\t<div class=\\\"arve-ar\\\" style=\\\"padding-top:56.250000%\\\"><\\\/div>\\n\\t\\t\\t<iframe allow=\\\"accelerometer &apos;none&apos;;autoplay &apos;none&apos;;bluetooth &apos;none&apos;;browsing-topics &apos;none&apos;;camera &apos;none&apos;;clipboard-read &apos;none&apos;;clipboard-write;display-capture &apos;none&apos;;encrypted-media &apos;none&apos;;gamepad &apos;none&apos;;geolocation &apos;none&apos;;gyroscope &apos;none&apos;;hid &apos;none&apos;;identity-credentials-get &apos;none&apos;;idle-detection &apos;none&apos;;keyboard-map &apos;none&apos;;local-fonts;magnetometer &apos;none&apos;;microphone &apos;none&apos;;midi &apos;none&apos;;otp-credentials &apos;none&apos;;payment &apos;none&apos;;picture-in-picture;publickey-credentials-create &apos;none&apos;;publickey-credentials-get &apos;none&apos;;screen-wake-lock &apos;none&apos;;serial &apos;none&apos;;summarizer &apos;none&apos;;sync-xhr;usb &apos;none&apos;;web-share;window-management &apos;none&apos;;xr-spatial-tracking &apos;none&apos;;\\\" allowfullscreen=\\\"\\\" class=\\\"arve-iframe fitvidsignore\\\" credentialless data-arve=\\\"arve-youtube-jncxox9ga8m\\\" data-lenis-prevent=\\\"\\\" data-src-no-ap=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/JNcxox9GA8M?feature=oembed&amp;iv_load_policy=3&amp;modestbranding=1&amp;rel=0&amp;autohide=1&amp;playsinline=0&amp;autoplay=0\\\" frameborder=\\\"0\\\" height=\\\"0\\\" loading=\\\"lazy\\\" name=\\\"\\\" referrerpolicy=\\\"strict-origin-when-cross-origin\\\" sandbox=\\\"allow-scripts allow-same-origin allow-presentation allow-popups allow-popups-to-escape-sandbox\\\" scrolling=\\\"no\\\" src=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/JNcxox9GA8M?feature=oembed&#038;iv_load_policy=3&#038;modestbranding=1&#038;rel=0&#038;autohide=1&#038;playsinline=0&#038;autoplay=0\\\" title=\\\"\\\" width=\\\"0\\\"><\\\/iframe>\\n\\t\\t\\t\\n\\t\\t<\\\/div>\\n\\t\\t\\n\\t<\\\/div>\\n\\t\\n\\t\\n\\t<script type=\\\"application\\\/ld+json\\\">{\\\"@context\\\":\\\"http:\\\\\\\/\\\\\\\/schema.org\\\\\\\/\\\",\\\"@id\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/stoa169.com\\\\\\\/de\\\\\\\/willkommen-bei-der-stoa169-stiftung\\\\\\\/#arve-youtube-jncxox9ga8m\\\",\\\"type\\\":\\\"VideoObject\\\",\\\"embedURL\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/www.youtube.com\\\\\\\/embed\\\\\\\/JNcxox9GA8M?feature=oembed&iv_load_policy=3&modestbranding=1&rel=0&autohide=1&playsinline=0&autoplay=0\\\"}<\\\/script>\\n\\t\\n<\\\/div>\\n<\\\/div><\\\/figure>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Vopava\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Vopava-e1565864107347.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/walter-vopava\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/04\/Talavera.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Fefe Talavera\",\"text\":\"\\n<p>* 1979 in S\\u00e3o Paulo, Brasilien<br>lebt in S\\u00e3o Paulo<br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Fefe Talavera, von Geburt halb Mexikanerin, halb Brasilianerin, studierte an der FAAP (Armando Alvares Penteado Foundation) in S\\u00e3o Paulo, ihre eigentliche Schule aber ist die Stra\\u00dfe: die brutale Realit\\u00e4t der Gro\\u00dfstadt, die soziale Ungleichheit und die Konfrontation mit Themen, die man sich in einer Akademie nicht vorzustellen vermag. W\\u00e4ren ihre Eltern nicht mexikanischer Abstammung, w\\u00fcrden wohl Drachen und gefl\\u00fcgelte Ungeheuer ihre Gedankenwelt bestimmen oder K\\u00f6rper mit abgetrennten K\\u00f6pfen, wie in einem Ritual der Ureinwohner. Es scheint, als ob ein aztekischer D\\u00e4mon Talavera an die Hand n\\u00e4hme. Sie verbindet die alten Sagen mit Elementen der brasilianischen Gro\\u00dfstadt und l\\u00e4dt auf diese Weise den Betrachter ein, in eine Welt einzutauchen, die von atavistischen Kr\\u00e4ften bestimmt wird. <br>Pr\\u00e4sentationen ihres Werks erfolgen vor allem in S\\u00e3o Paulo und international zum Beispiel in der Street Art Passage in Wien.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9\\ufe0f Fefe Talavera<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.fefetalavera.net\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.fefetalavera.net<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Talavera\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/02\\\/Portrait-Kopie.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/fete-talavera\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/08\/B04_Zimmer_DSC00007-frei.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Bernd Zimmer\",\"text\":\"\\n<p>* 1948 in Planegg, Deutschland<br>lebt in Polling\\\/Oberbayern<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Von 1968 bis 1970 absolvierte Bernd Zimmer eine kaufm\\u00e4nnische Ausbildung und Verlagslehre in M\\u00fcnchen. 1973 zog er nach Berlin, wo er ein Studium der Philosophie und der Religionswissenschaften an der FU Berlin aufnahm. 1976 begann Zimmer das Malen und lernte die H\\u00f6dicke-Sch\\u00fcler Salom\\u00e9 und Helmut Middendorf kennen. Zwischen 1976 und 1979 arbeitete er als Koch im Restaurant Exil und war 1977 zusammen mit Rainer Fetting, Helmut Middendorf und Salom\\u00e9 Mitbegr\\u00fcnder der Galerie am Moritzplatz, die bis 1981 bestand. 1984 bezog Zimmer im ehemaligen Klostergut von Polling Wohnung und Atelier.<br>Er nahm an zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland teil, dazu geh\\u00f6ren die heute legend\\u00e4ren Gruppenausstellungen \\u201eHeftige Malerei\\u201c im Berliner Haus am Waldsee (1980) sowie \\u201eRundschau Deutschland 1\\u201c in der K\\u00fcnstlerwerkstatt Lothringer Stra\\u00dfe 13, M\\u00fcnchen (1981). Seine ersten Soloschauen fanden 1981 in der Barbara Gladstone Gallery, New York und der Galerie Yvon Lambert, Paris statt. 1982\\\/83 folgte die erste Museumsausstellung im Museum Groningen in den Niederlanden. Die erste \\u00dcbersicht seiner Holzschnitte im Museum Morsbroich in Leverkusen fand 2001\\\/02 statt; 2006 waren seine Cosmos-Bilder erstmals in einer gr\\u00f6\\u00dferen Pr\\u00e4sentation in der Kunsthalle Mannheim zu sehen. 2018\\\/19 widmeten die St\\u00e4dtische Galerie Regensburg und das Kasseler Museum neue galerie seinem Werk eine Retrospektive der Malerei der letzten 20 Jahre. Gleichzeitig arbeitete Zimmer intensiv an der Verwirklichung der gemeinn\\u00fctzigen STOA169 S\\u00e4ulenhalle. Bereits als Student unternahm er mehrmonatige Fernreisen, auf denen er sich fremden Kulturen n\\u00e4herte: 1972 Thailand, Laos, Burma und Hong Kong; 1975\\\/76 Mexiko und der S\\u00fcden der USA; 1981 Indonesien (Java, Bali, Lombok, Flores); 1990 seine erste Indienreise; 1993\\\/94 Libyen; 1995 Polynesien (Marquesas-Inseln), 1997 Peking und Shanghai anl\\u00e4sslich seiner ersten Ausstellungen in China; 1998 Namibia; 1999 \\u00c4gypten; 2000 der Norden Russlands und Syrien; 2010 China (Urumqi, Yunnan, Guangxi); 2011 Vietnam und Kambodscha; 2013 Chile; 2016 zweite gro\\u00dfe Indienreise zu den hinduistischen Pilgerst\\u00e4tten wie Varanasi und Khajuraho und in den S\\u00fcden Indiens. Die Reise f\\u00fchrte zur Wiederaufnahme seiner Idee einer K\\u00fcnstlers\\u00e4ulenhalle und schlie\\u00dflich zu seiner dritten Indienreise 2018\\\/19 zu den Heiligt\\u00fcmern in Karnataka. <br>Zimmer ist Tr\\u00e4ger zahlreicher Preise und Auszeichnungen, etwa des Karl-Schmidt-Rottluff-Stipendiums (1979) und des&nbsp; Stipendiums der Villa Massimo, Rom (1982\\\/83). Von 2007 bis 2011 war er au\\u00dferdem Vorsitzender des Hochschulrats der Akademie der Bildende K\\u00fcnste, M\\u00fcnchen.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.berndzimmer.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.berndzimmer.com<\\\/a><br><br>Foto \\u00a9 Roger Fritz<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Zimmer\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/08\\\/Roger-Fritz-scaled-e1598272117633.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/bernd-zimmer\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/nepal.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"NEPAL ACADEMY OF FINE ARTS\\\/ SIRJANA COLLEGE OF FINE ARTS, Kathmandu, Nepal\",\"text\":\"\\n<h2 class=\\\"wp-block-heading\\\">2024<br> <br><br>Lalkaji Lama, Saurganga Darshandhari, Samjhana Rajbhandari, Sanish Kumar Shakya <br><\\\/h2>\\n\\n\\n\\n<p><br>Vier von der STOA169 Stiftung eingeladene K\\u00fcnstlerinnen und K\\u00fcnstler aus Kathmandu\\\/Nepal haben sich f\\u00fcr ein gemeinsames Projekt zusammengefunden, das sich mit dem vielschichtigen Thema Klimawandel auseinandersetzt.\\u00a0<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Ihre gemeinsame Arbeit f\\u00fcr die STOA169 ber\\u00fchrt Themen wie traditionelle Rituale, Migration und der Sichtbarkeit neuester technischer Entwicklungen, aber thematisieren auch positive und negative Aspekte des Klimawandels. Mit Ihrer gemeinsamen S\\u00e4ulen-Arbeit wollen sie nicht nur die zugrundeliegenden Zusammenh\\u00e4nge verdeutlichen, sondern auch aufzeigen, wie sich der Klimawandel sowohl auf unseren Planeten als auch auf die menschliche Gesellschaft auswirkt &#8211; einhergehend mit einer sich ver\\u00e4ndernden Beziehung zwischen Tradition und Moderne.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Nepal\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/nepal-artists\\u00a9STOA169-Stiftung.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/vaads\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/07\/slider-cucci.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Enzo Cucchi\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1949, in Morro d\\u2019Alba\\\/ Ancona, Italien<br> lebt in Rom und Ancona<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Der italienische Maler und Objektk\\u00fcnstler Enzo Cucchi gilt als einer der Hauptvertreter der &#8222;Transavanguardia&#8220;, einer Gruppe italienischer K\\u00fcnstler, die in den 1970er und 1980er Jahren \\u2013 entgegen der Strenge des Post-Minimalismus der Arte Povera \\u2013 der Kunst durch eine klassische Malweise und eine archaisch-emotionale Bildsprache eine neue Form verlieh. Neben seinen Gem\\u00e4lden, in denen er in j\\u00fcngerer Zeit auch Neonlicht miteinbezieht, entstehen seit 1982, immer wieder auch in Zusammenarbeit mit anderen K\\u00fcnstlern, skulpturale Arbeiten. Dar\\u00fcber hinaus hat Enzo Cucchi zahlreiche B\\u00fchnenbilder gestaltet, unter anderem f\\u00fcr das Opernfestival in Pesaro oder das Teatro dell&#8217;Opera di Roma.  <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201eI strive to give to others a sense of sacredness, because an art event is not just a formal fact but also a moment where you put a mark on your dedication. You must have a feeling of joining a tribe where there is the stick of command, because you are in a sacred place with its rules.\\u201c (Enzo Cucchi)<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.galerieklueser.de\\\/kuenstler\\\/enzo-cucchi\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.galerieklueser.de\\\/kuenstler\\\/enzo-cucchi (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.galerieklueser.de\\\/kuenstler\\\/enzo-cucchi<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Marco Deserto<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Cucchi\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/07\\\/cucci-e1565621773668.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/enzo-cucchi\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/van-Liefland-Entwurf-stoa_01.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Joep van Liefland\",\"text\":\"\\n<p>* 1966 in Utrecht, Niederlande, lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Joep van Liefland studierte von 1989 bis 1995 an der Hogeschool voor de Kunsten in Utrecht und der University of Kansas in Lawrence. 2001 gr\\u00fcndete er zusammen mit Maik Schierloh das Autocenter, einen der progressivsten Ausstellungsr\\u00e4ume in Berlin, der bis 2016 bestand.&nbsp;Bekanntheit erlangte van Liefland insbesondere mit seinen raumgreifenden Installationen aus Videokassetten. Seine \\u201eVideo-Palaces\\u201c waren bereits in Berlin, Paris, Athen und vielen anderen St\\u00e4dten zu sehen. Ausgehend von seiner Sammlung Tausender Videokassetten, die van Liefland in seinem Atelier wie ein Haus im Haus installiert hat, durch das man wie durch ein Labyrinth hindurchgehen kann, entstehen Arbeiten, \\u00e4sthetische Objekte, wie Siebdrucke, Bronzen oder Malereien, die einzelne Details oder Aspekte der VHS-Kassetten in den Fokus nehmen.&nbsp;Van Liefland ist mit seinen Arbeiten weltweit in Galerien von Berlin bis New York vertreten und nahm unter anderem an Ausstellungen der Transmediale Berlin 2017, der Schirn Kunsthalle, Frankfurt am Main, 2014, dem Utah Museum of Contemporary Art, Salt Lake City, 2013 oder dem Palais de Tokyo, Paris, 2012 teil. Seine Arbeiten sind in \\u00f6ffentlichen Sammlungen der Berlinischen Galerie, dem Albertinum Dresden, des Museum Gogh, der Soho House Art Collection und anderen vertreten.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>\\u201eI came to the conclusion that we are cassettes. I am a biological cassette: a storage of information. I am a copy of my parents. \\u2026 We live in a production society, in which a need is created. We concentrate on objects that we think are important. But I think the cultural waste and the failed things define us better than products that succeed.\\u201c&nbsp;(<a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"Aus einem Interview mit Anna-Lena Werner, Artfridge (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.joepvanliefland.com\\\/interview-joep-van-liefland\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">Aus einem Interview mit Anna-Lena Werner, Artfridge<\\\/a>)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.joepvanliefland.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.joepvanliefland.com<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"van Liefland\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/02\\\/Ohne-Titel-2.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/joep-van-liefland\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/lang-Kopie.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Nikolaus Lang\",\"text\":\"\\n<p>* 1941 in Oberammergau, Deutschland<br>\\u2020 2022 in Murnau am Staffelsee, Deutschland<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Nikolaus Lang geh\\u00f6rte zu der Gruppe der sogenannten \\u201eSpurensicherer\\u201c. Nach einer Ausbildung in der Schnitzschule in Oberammergau, studierte er ab 1960 an der Akademie der Bildenden K\\u00fcnste M\\u00fcnchen. Ein Stipendium des Deutschen Akademischen Austauschdienstes (DAAD) f\\u00fchrte ihn 1966\\\/67 an die Camberwell School of Art and Crafts in London. Seit 1970 arbeitete Lang mit Schauk\\u00e4sten und -tafeln, die h\\u00e4ufig durch seine Reisen inspiriert sind. Seine Installationen versammeln und erforschen Fundst\\u00fccke und Relikte. Lang verbrachte mehrere Jahre in Australien und interessierte sich seit den sp\\u00e4ten 80er-Jahren besonders auch f\\u00fcr die Kultur und Geschichte der Aborigines. Von 2000 bis 2006 war er Professor an der Akademie der Bildenden K\\u00fcnste M\\u00fcnchen. Sein Werk ist unter anderem auf der documenta 6 (1977) und der documenta 8 (1987), in der St\\u00e4dtischen Galerie im Lenbachhaus in M\\u00fcnchen (1973; 1991), im Australian Centre for Contemporary Art in Melbourne\\u00a0(1989) und im Sprengel Museum Hannover (1995) zu sehen gewesen.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>&#8222;Der K\\u00fcnstler kann nur sichtbar machen, was in der Natur bereits existiert\\u201c (Nikolaus Lang)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Ruth Rall<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Lang\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/11\\\/Nikolaus_Lang_Foto_Ruth_Rall.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/nikolaus-lang\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/10\/gerne-ohne-Ma\u0308nnchen-freistellen.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"robotlab\",\"text\":\"\\n<p>robotlab wurde 2000 von Matthias Gommel (*&nbsp;1970 in Leonberg, Deutschland), Martina Haitz (* 1970 in Karlsruhe, Deutschland) und Jan Zappe (* 1969 in Siegen, Deutschland) am ZKM Zentrum f\\u00fcr Kunst und Medien in Karlsruhe gegr\\u00fcndet.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Mit zahlreichen internationalen Ausstellungen ist die K\\u00fcnstlergruppe robotlab eine der wichtigsten Vertreterinnen der zeitgen\\u00f6ssischen Maschinenkunst. Kennzeichen von robotlab ist die Verwendung von Industrierobotern als \\u201eReadymades\\u201c in k\\u00fcnstlerischen Installationen, die sowohl im musealen als auch im \\u00f6ffentlichen Raum das Verh\\u00e4ltnis von Mensch und Maschine hinterfragen. Die Arbeiten zeichnen sich durch autonome, kreative Prozesse aus, in denen die Roboter als Protagonisten agieren. Auf diese Weise dringen die Maschinen in Dom\\u00e4nen ein, die traditionell dem Menschen vorbehalten sind. Die Betrachterinnen und Betrachter treffen so auf Ausstellungsituationen, in welchen sie ihr Verh\\u00e4ltnis zur Maschine und Technik neu definieren m\\u00fcssen. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.robotlab.de (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.robotlab.de\\\" target=\\\"_blank\\\">www.robotlab.de<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Hannah Altman<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Robotlab\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/10\\\/robotlab_9822_b6.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/robotlab\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/Lehmann-Entwurf-20181129-1.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Jens Lehmann\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1968 in Frankfurt am Main, Deutschland      <br>lebt in Offenbach am Main                                                                               <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Jens Lehmann studiert an der St\\u00e4delschule in Frankfurt am Main, die er 1997 als Meistersch\\u00fcler von Per Kirkeby abschlie\\u00dft. Besonders gepr\\u00e4gt durch die deutsche figurative Malerei der 1980er Jahre, der man sich in den 1990ern weder anschlie\\u00dfen noch ihr nacheifern kann, sucht Lehmann nach neuen M\\u00f6glichkeiten des Ausdrucks. Er experimentiert mit Malerei-Skulptur, Kunst-Design und Bild-Text und entwickelt ein besonderes Interesse f\\u00fcr die \\u00dcberwindung der vermeintlichen Gegens\\u00e4tze. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.lehmannkunst.de (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.lehmannkunst.de\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">www.lehmannkunst.de<\\\/a><br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br><br><br><br><br><br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Jens Lehmann<br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<figure class=\\\"wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube\\\"><div style=\\\"display: contents;\\\" >\\n\\n<div data-mode=\\\"normal\\\" data-oembed=\\\"1\\\" data-provider=\\\"youtube\\\" id=\\\"arve-youtube-axjzwyrars0\\\" class=\\\"arve\\\">\\n\\t<div class=\\\"arve-inner\\\">\\n\\t\\t<div class=\\\"arve-embed arve-embed--has-aspect-ratio\\\">\\n\\t\\t\\t<div class=\\\"arve-ar\\\" style=\\\"padding-top:56.250000%\\\"><\\\/div>\\n\\t\\t\\t<iframe allow=\\\"accelerometer &apos;none&apos;;autoplay &apos;none&apos;;bluetooth &apos;none&apos;;browsing-topics &apos;none&apos;;camera &apos;none&apos;;clipboard-read &apos;none&apos;;clipboard-write;display-capture &apos;none&apos;;encrypted-media &apos;none&apos;;gamepad &apos;none&apos;;geolocation &apos;none&apos;;gyroscope &apos;none&apos;;hid &apos;none&apos;;identity-credentials-get &apos;none&apos;;idle-detection &apos;none&apos;;keyboard-map &apos;none&apos;;local-fonts;magnetometer &apos;none&apos;;microphone &apos;none&apos;;midi &apos;none&apos;;otp-credentials &apos;none&apos;;payment &apos;none&apos;;picture-in-picture;publickey-credentials-create &apos;none&apos;;publickey-credentials-get &apos;none&apos;;screen-wake-lock &apos;none&apos;;serial &apos;none&apos;;summarizer &apos;none&apos;;sync-xhr;usb &apos;none&apos;;web-share;window-management &apos;none&apos;;xr-spatial-tracking &apos;none&apos;;\\\" allowfullscreen=\\\"\\\" class=\\\"arve-iframe fitvidsignore\\\" credentialless data-arve=\\\"arve-youtube-axjzwyrars0\\\" data-lenis-prevent=\\\"\\\" data-src-no-ap=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/aXjzWYrArS0?feature=oembed&amp;iv_load_policy=3&amp;modestbranding=1&amp;rel=0&amp;autohide=1&amp;playsinline=0&amp;autoplay=0\\\" frameborder=\\\"0\\\" height=\\\"0\\\" loading=\\\"lazy\\\" name=\\\"\\\" referrerpolicy=\\\"strict-origin-when-cross-origin\\\" sandbox=\\\"allow-scripts allow-same-origin allow-presentation allow-popups allow-popups-to-escape-sandbox\\\" scrolling=\\\"no\\\" src=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/aXjzWYrArS0?feature=oembed&#038;iv_load_policy=3&#038;modestbranding=1&#038;rel=0&#038;autohide=1&#038;playsinline=0&#038;autoplay=0\\\" title=\\\"\\\" width=\\\"0\\\"><\\\/iframe>\\n\\t\\t\\t\\n\\t\\t<\\\/div>\\n\\t\\t\\n\\t<\\\/div>\\n\\t\\n\\t\\n\\t<script type=\\\"application\\\/ld+json\\\">{\\\"@context\\\":\\\"http:\\\\\\\/\\\\\\\/schema.org\\\\\\\/\\\",\\\"@id\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/stoa169.com\\\\\\\/de\\\\\\\/willkommen-bei-der-stoa169-stiftung\\\\\\\/#arve-youtube-axjzwyrars0\\\",\\\"type\\\":\\\"VideoObject\\\",\\\"embedURL\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/www.youtube.com\\\\\\\/embed\\\\\\\/aXjzWYrArS0?feature=oembed&iv_load_policy=3&modestbranding=1&rel=0&autohide=1&playsinline=0&autoplay=0\\\"}<\\\/script>\\n\\t\\n<\\\/div>\\n<\\\/div><\\\/figure>\\n\\n\\n\\n<p><br><br><br><br><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Lehmann\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Lehmann-portrait-e1565616108509.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/jens-lehmann\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/Litfass-Sto169_asmani.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Rozbeh Asmani\",\"text\":\"\\n<p>* 1983 in Shiraz, Iran; lebt in K\\u00f6ln<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Rozbeh Asmani setzt sich k\\u00fcnstlerisch auf vielf\\u00e4ltige Weise mit der \\u00c4sthetik des Kapitalismus auseinander. Die Werkgruppe \\u201aColourmarks\\u2018 zeigt Farben und Farbkombinationen, die Konzerne seit 1995 beim Deutschen Patent- und Markenamt registriert haben, um sich von der Konkurrenz zu unterscheiden. Die Konsumwelt hat \\u00fcber die werbliche Nutzung von Farben Einzug in das kollektive Ged\\u00e4chtnis gehalten. Im Freiraum Kunst eignet sich Asmani diese Farben an. Losgel\\u00f6st von Namen, Logos und Produkten bleiben die Farben r\\u00e4tselhaft und unbestimmt. Die \\u00f6ffentliche Darstellung der besetzten Farben ist eine Demonstration ihrer Unverf\\u00fcgbarkeit.<br>Das Litfa\\u00dfs\\u00e4ulen-Projekt \\u201eColourmarks (V)\\u201c war von Juli bis Oktober 2019 auf \\u00fcber 200 Litfa\\u00dfs\\u00e4ulen im D\\u00fcsseldorfer Stadtraum zu sehen. Hier wurden in einem durch Plakatierung entstehenden Zufallsprinzip juristisch einzelnen Firmen zugesprochene Farbmarken der allgemeinen Betrachtung freigegeben. Asmani befasst sich in seiner Kunst mit der, wie er sagt, uns \\u00fcber Geb\\u00fchr vertrauten Farben- und Formensprache der Konsumwelt.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>\\u201eWenn es stimmt, dass uns die Konsumwelt unsere Kindheit stiehlt, dann ist Asmani wohl unser Robin Hood.\\u201c (Michael Kohler, in: art Magazin, 9\\\/2017)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.rozbehasmani.de (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/rozbehasmani.de\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">www.rozbehasmani.de<\\\/a><br><br><br><br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<figure class=\\\"wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube\\\"><div style=\\\"display: contents;\\\" >\\n\\n<div data-mode=\\\"normal\\\" data-oembed=\\\"1\\\" data-provider=\\\"youtube\\\" id=\\\"arve-youtube-mo-mlylpy1s\\\" class=\\\"arve\\\">\\n\\t<div class=\\\"arve-inner\\\">\\n\\t\\t<div class=\\\"arve-embed arve-embed--has-aspect-ratio\\\">\\n\\t\\t\\t<div class=\\\"arve-ar\\\" style=\\\"padding-top:56.250000%\\\"><\\\/div>\\n\\t\\t\\t<iframe allow=\\\"accelerometer &apos;none&apos;;autoplay &apos;none&apos;;bluetooth &apos;none&apos;;browsing-topics &apos;none&apos;;camera &apos;none&apos;;clipboard-read &apos;none&apos;;clipboard-write;display-capture &apos;none&apos;;encrypted-media &apos;none&apos;;gamepad &apos;none&apos;;geolocation &apos;none&apos;;gyroscope &apos;none&apos;;hid &apos;none&apos;;identity-credentials-get &apos;none&apos;;idle-detection &apos;none&apos;;keyboard-map &apos;none&apos;;local-fonts;magnetometer &apos;none&apos;;microphone &apos;none&apos;;midi &apos;none&apos;;otp-credentials &apos;none&apos;;payment &apos;none&apos;;picture-in-picture;publickey-credentials-create &apos;none&apos;;publickey-credentials-get &apos;none&apos;;screen-wake-lock &apos;none&apos;;serial &apos;none&apos;;summarizer &apos;none&apos;;sync-xhr;usb &apos;none&apos;;web-share;window-management &apos;none&apos;;xr-spatial-tracking &apos;none&apos;;\\\" allowfullscreen=\\\"\\\" class=\\\"arve-iframe fitvidsignore\\\" credentialless data-arve=\\\"arve-youtube-mo-mlylpy1s\\\" data-lenis-prevent=\\\"\\\" data-src-no-ap=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/Mo-mlYLpY1s?feature=oembed&amp;iv_load_policy=3&amp;modestbranding=1&amp;rel=0&amp;autohide=1&amp;playsinline=0&amp;autoplay=0\\\" frameborder=\\\"0\\\" height=\\\"0\\\" loading=\\\"lazy\\\" name=\\\"\\\" referrerpolicy=\\\"strict-origin-when-cross-origin\\\" sandbox=\\\"allow-scripts allow-same-origin allow-presentation allow-popups allow-popups-to-escape-sandbox\\\" scrolling=\\\"no\\\" src=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/Mo-mlYLpY1s?feature=oembed&#038;iv_load_policy=3&#038;modestbranding=1&#038;rel=0&#038;autohide=1&#038;playsinline=0&#038;autoplay=0\\\" title=\\\"\\\" width=\\\"0\\\"><\\\/iframe>\\n\\t\\t\\t\\n\\t\\t<\\\/div>\\n\\t\\t\\n\\t<\\\/div>\\n\\t\\n\\t\\n\\t<script type=\\\"application\\\/ld+json\\\">{\\\"@context\\\":\\\"http:\\\\\\\/\\\\\\\/schema.org\\\\\\\/\\\",\\\"@id\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/stoa169.com\\\\\\\/de\\\\\\\/willkommen-bei-der-stoa169-stiftung\\\\\\\/#arve-youtube-mo-mlylpy1s\\\",\\\"type\\\":\\\"VideoObject\\\",\\\"embedURL\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/www.youtube.com\\\\\\\/embed\\\\\\\/Mo-mlYLpY1s?feature=oembed&iv_load_policy=3&modestbranding=1&rel=0&autohide=1&playsinline=0&autoplay=0\\\"}<\\\/script>\\n\\t\\n<\\\/div>\\n<\\\/div><\\\/figure>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 David Ertl<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Asmani\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/10\\\/Portrait_Rozbeh-Asmani\\u00a9-David-Ertl-e1573474057707.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/rozbeh-asmani\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/06\/Akademie_1.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Akademie der Bildenden K\\u00fcnste, M\\u00fcnchen\",\"text\":\"\\n<h2 class=\\\"wp-block-heading\\\">2020<br><br>Klasse Prof. Pamela Rosenkranz<br><br>Jakob Gilg, Aki Kiefer, Mira Mazumdar, Karolin Nirschl, <br>Paula Pongratz, Moritz Steffel, Milena Wojhan<br><\\\/h2>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Die Klasse von Prof. Pamela Rosenkranz der Akademie der Bildenden K\\u00fcnste M\\u00fcnchen ist ein Konglomerat aus Studierenden verschiedenster k\\u00fcnstlerischer Ausrichtungen und beruflicher Hintergr\\u00fcnde. Malerei und Grafik, performative Kunst, Musik, Fotografie, Design, Bildhauerei und Holzhandwerk, politische Arbeit, Kunstgeschichte und Kunstvermittlung bilden ein Kaleidoskop an Einfl\\u00fcssen, das sich in der Zusammenarbeit der Klasse widerspiegelt.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Klasse Rosenkranz <\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Akademie der Bildenden K\\u00fcnste\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/06\\\/ROSENKRANZTIS-Kopie-1.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/akademie-der-bildenden-kuenste-muenchen\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/jaar.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Alfredo Jaar\",\"text\":\"\\n<p>* 1956 in Santiago de Chile, Chile<br>lebt in New York City, USA<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Alfredo Jahr ist K\\u00fcnstler, Architekt und Filmemacher. Er ist als einer der kompromisslosesten, \\u00fcberzeugendsten und innovativsten K\\u00fcnstler, die heute arbeiten, bekannt. Jaars k\\u00fcnstlerisches Werk wurde extensiv auf der ganzen Welt gezeigt. Er war Teilnehmer der Biennalen in Venedig (1986, 2007, 2009, 2013), Sao Paulo (1987, 1989, 2010) und der Documenta in Kassel (1987, 2002). Wichtige Einzelausstellungen beinhalten The New Museum of Contemporary Art, New York (1992); Whitechapel, London (1992); The Museum of Contemporary Art, Chicago (1995); The Museum of Contemporary Art, Rome (2005) and Moderna Museet, Stockholm (1994). Wichtige \\u00dcberblicksausstellungen seiner Arbeit fanden unter anderem im Mus\\u00e9e des Beaux Arts, Lausanne (2007); Hangar Bicocca, Milan(2008); Alte Nationalgalerie, Berlinische Galerie and Neue Gesellschaft fur bildende Kunst e.V., Berlin (2012); Rencontres d\\u2019Arles (2013); KIASMA, Helsinki (2014) and Yorkshire Sculpture Park, UK (2017), statt.<br>Alfredo Jaar hat mehr als 70 \\u00f6ffentliche Interaktionen in der ganzen Welt realisiert. Mehr als 60 Monographien wurden \\u00fcber sein Werk publiziert. Er wurde 1985 Guggenheim Fellow und 2000 MacArthur Fellow; 2018 erhielt er den Hiroshima Art Prize. <br>Sein Werk ist in den Sammlungen des Museum of Modern Art und des Guggenheim Museum, New York; des Art Institute of Chicago und Museum of Contemporary Art, Chicago; des MOCA und LACMA, Los Angeles; des Museu de Arte de S\\u00e3o Paulo; der TATE, London; des Centre Georges Pompidou, Paris; der Nationalgalerie, Berlin; des Stedelijk Museum, Amsterdam; des Centro Reina Sofia, Madrid; dem Moderna Museet, Stockholm; des MAXXI und MACRO, Rome; des Louisiana Museum of Modern Art, Humlaebeck; des Hiroshima City Museum of Contemporary Art und Tokushima Modern Art Museum, Japan; M+, Hong Kong; sowie in Dutzenden von Institutionen und Privatsammlungen weltweit vertreten.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.alfredojaar.net\\\/\\\">www.alfredojaar.ne<\\\/a><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.alfredojaar.net\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"t (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">t<\\\/a><a href=\\\"https:\\\/\\\/www.google.com\\\/search?q=alfredo+jaar&amp;rlz=1C5CHFA_enDE805DE805&amp;oq=alfredo+jaar&amp;aqs=chrome..69i57j0l5.1668j0j7&amp;sourceid=chrome&amp;ie=UTF-8#\\\"><\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Alfredo Jaar <\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Jaar\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/09\\\/A.-Jaar-2018\\u00a9-Kopie-e1568812021481.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/alfredo-jaar\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/09\/slider-kowanz.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Brigitte Kowanz\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1957 in Wien, \\u00d6sterreich<br>\\u2020 2022 in Wien, \\u00d6sterreich<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Brigitte Kowanz arbeitete im Bereich der Lichtkunst, raumbezogene Kunst und Textarbeiten. 1975 bis 1980 studierte sie an der Hochschule f\\u00fcr angewandte Kunst Wien. In ihrer k\\u00fcnstlerischen Praxis experimentierte sie mit der Aufl\\u00f6sung des Bild- und Werkbegriffs durch den Einsatz phosphoreszierender Farben und farbigen Lichts mit Spiegeln. Ausgehend von Arbeiten auf Papier und Leinwand entwickelte sie seit den 1980er Jahren dreidimensionale Lichtobjekte und Licht-Schatten-Projektionen. 1989 widmete sie sich in einem Werkkomplex der Lichtgeschwindigkeit und untersuchte ebenfalls ab den 1980er Jahren Licht als Code bzw. Bedeutungstr\\u00e4ger. Sie wurde u.a. mit dem Deutschen Lichtkunstpreis (2018) und dem Gro\\u00dfen \\u00d6sterreichischen Staatspreis f\\u00fcr Bildende Kunst (2009) ausgezeichnet. Seit 1997 lehrte Kowanz als Professorin f\\u00fcr Transmediale Kunst an der Universit\\u00e4t f\\u00fcr angewandte Kunst in Wien. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>\\u201eWahrnehmung ist \\u00dcbersetzung, Kunst ist Transformation \\u2013 ein Wechselspiel aus Zeigen und Imaginieren, bei dem zugleich auch die Kriterien und Pr\\u00e4missen dieser Erfahrung transparent werden.\\u201c (Brigitte Kowanz, &#8222;Codes and Cables&#8220;, H\\u00e4usler Contemporary)&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.kowanz.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.kowanz.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.kowanz.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Adrian Kowanz<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Kowanz\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Kowanz-Brigitte-\\u00a9-Adrian-Kowanz-e1565622487848.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/brigitte-kowanz\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/10\/Signer_Entwurf_2018_11_12_-13.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Roman Signer\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1938 in Appenzell, Schweiz<br>lebt in St. Gallen<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Nach einer Lehre als Hochbauzeichner besuchte Roman Signer ab 1966 die Kunstgewerbeschulen in Z\\u00fcrich und Luzern (1969 bis 1971). Von 1971 bis 1972 folgte ein Aufenthalt an der Kunstakademie in Warschau. Mit seinen performativen Experimenten und installativen Versuchsanordnungen adressiert Roman Signer Probleme, Handlungen und Zeitabl\\u00e4ufe im Raum. Dabei werden Materialien und Gegenst\\u00e4nde, wie Sand, Wasser, Wind, Tische, St\\u00fchle oder Kajaks gezielt komplexen explosiven oder Material-ver\\u00e4ndernden Ereignissen ausgesetzt. Neben den Spuren, die eine Aktion hinterl\\u00e4sst, entstehen zeichnerische, filmische und fotografische Dokumentationen. Die Ereignisse und Installationen versteht Signer als \\u201eZeit-Skulpturen\\u201c, die durch eine 4. Dimension erg\\u00e4nzt werden. Mit seinem innovativen Ansatz hat er wesentlich zur Erneuerung des Skulpturbegriffs beigetragen. Signer ist unter anderem Preistr\\u00e4ger des Ernst Franz Vogelmann-Preises f\\u00fcr Skulptur (2008), des Aachener Kunstpreises (2006) und des Kulturpreis Bregenz (1995).<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.romansigner.ch\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.romansigner.ch (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.romansigner.ch<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Roman Signer<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Signer\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/10\\\/36-e1571735949871.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/roman-signer\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/vaads-1.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"VAADS FREE UNIVERSITY, Tiflis, Georgien\",\"text\":\"\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<h2 class=\\\"wp-block-heading\\\">2024<br> <br>Vaghtan Bagratzde, Temuraz Eristavi, Tina Janiashvili, Mariam Mestvirishvili <br><\\\/h2>\\n\\n\\n\\n<p>&#8217;scrap business&#8216; \\u2013 \\u201eDie Stadt ist voll von Stra\\u00dfenm\\u00e4rkten. Von kleinen, einzeln stehenden Zeitungs- und Zigarettenst\\u00e4nden bis hin zu gro\\u00dfen \\u00d6kosystemen verschlungener Gesch\\u00e4ftsstra\\u00dfen. Nur nachts, wenn die Verk\\u00e4ufer ihre gef\\u00e4lschten Guccis einpacken und die gebl\\u00fcmten Tischdecken zusammenfalten, bleiben kalte und rohe Ausstellungsstrukturen \\u00fcbrig, die aus Resten der st\\u00e4dtischen Architektur und Schrott hergestellt wurden, und zeigen ihre nackte Form. Handgefertigte Warenauslagen scheinen zun\\u00e4chst verg\\u00e4nglich zu sein, aber irgendwie schaffen sie es, sich \\u00fcber lange Zeitr\\u00e4ume zu behaupten. Sie dienen als Panzer oder Schutz f\\u00fcr ihre Besitzer und deren Waren. Pure Zweckm\\u00e4\\u00dfigkeit ist ihr Ausgangspunkt, aber im Laufe der Zeit werden sie immer domestizierter. Sie werden von ihren Besitzern verw\\u00f6hnt und erz\\u00e4hlen ihre Geschichte durch gelegentliche Ausbr\\u00fcche von Kitsch und Dekor. Auslagen sind Produkte eines disfunktionalen Klassensystems. Sie verk\\u00f6rpern einen st\\u00e4ndigen, unterschwelligen Kampf ums \\u00dcberleben, der sich in die Stadtlandschaft einf\\u00fcgt und f\\u00fcr Au\\u00dfenstehende kaum sichtbar ist.\\u201c <br>(Statement der K\\u00fcnstler*innen zu ihrer S\\u00e4ule &#8217;scrap business&#8216;, 2022)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"VAADS\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2022\\\/08\\\/IMG_3549-scaled.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/vaads-2\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/Azzam.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Tammam Azzam\",\"text\":\"\\n<p>* 1980 in Damaskus, Syrien<br> lebt in Berlin <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Tammam Azzam begann mit 10 Jahren zu malen und studierte anschlie\\u00dfend Bildende Kunst an der Universit\\u00e4t Damaskus. W\\u00e4hrend er in Syrien lebte arbeitete Tammam neben seiner k\\u00fcnstlerischen Praxis erfolgreich als Grafikdesigner \\u2013 eine Erfahrung, die seine sp\\u00e4tere k\\u00fcnstlerische Antwort auf den Konflikt, der seine Heimat heimsuchte, pr\\u00e4gte. 2011 musste Azzam Syrien verlassen und zog in die Vereinigten Arabische Emirate. Nach dem Verlust seines Ateliers in Damaskus suchte er nach neuen k\\u00fcnstlerischen Formen, um den Gef\\u00fchlen des Verlustes seiner Heimat Ausdruck zu verleihen. Azzam nutzte sein Wissen als Grafikdesigner und setzte dies in digitalen Kunstwerke um: Aus Bildern der Zerst\\u00f6rung in seiner Heimat schuf er virale Bilder, die die Gewalt des syrischen Krieges mit Meisterwerken des klassischen europ\\u00e4ischen Kanons konfrontierten und Fragen nach der Natur der Sch\\u00f6nheit, der globalen Ungleichheit und der sich ver\\u00e4ndernden Rolle des Bildes im digitalen Zeitalter aufwarfen. Werke wie &#8218;Freedom Graffitti&#8216; wurden in den sozialen Medien weit verbreitet und zu legend\\u00e4ren Bildern der syrischen Revolution.<br>2016 zog Azzam nach Deutschland. Hier besch\\u00e4ftigte er sich mit neue Materialien und Techniken. Sein j\\u00fcngstes Werk bedient sich sowohl der Malerei als auch der Collage und bewegt sich zwischen Figuration und Abstraktion. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.tammamazzam.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.tammamazzam.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.tammamazzam.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Nairy Shahinian<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Azzam\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/11\\\/azzam-hochformat-e1574438818480.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/tammam-azzam\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/Scully-Modell-\u00a9-Felix-Pitscheneder.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Sean Scully\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1945 in Dublin, Irland<br>lebt in K\\u00f6nigsdorf, Berlin, Barcelona, New York<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Kennzeichen der Malerei von Sean Scully ist ein Bildaufbau&nbsp;aus parallelen, gegeneinander versetzten, unterschiedlich&nbsp;langen, horizontalen oder vertikalen Streifen.&nbsp;Die gro\\u00dfformatigen Gem\\u00e4lde setzen sich aus mehreren Paneelen zusammen. Diese minimalistische Motivik f\\u00fchrt er konsequent mit verschiedenen Techniken und Materialien fort. Neben den \\u00d6lgem\\u00e4lden entstehen Radierungen, Lithographien, Pastellen und Aquarelle. Von 1977 bis 1983 unterrichtete Scully an der Princeton University, New Jersey, USA, von 2002 bis 2007 hatte er eine Professur an der Akademie der Bildenden K\\u00fcnste, M\\u00fcnchen, inne.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201cDie Leute neigen dazu, sich Abstraktion abstrakt vorzustellen. Aber  nichts ist abstrakt: Es ist immer noch ein Selbstbildnis. Ein Bildnis des eigenen Zustands.\\u201d (Sean Scully in seiner Publikation &#8222;Inner&#8220;, Hatje Cantz Verlag)&nbsp;<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.seanscullystudio.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.seanscullystudio.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Sean Scully<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Scully\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Scully-VON-WEBSITE-COPYRIGHT-e1565860004986.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/sean-scully\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/07\/Vasconcelos.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Joana Vasconcelos\",\"text\":\"\\n<p>*\\u00a01971 in Paris, Frankreich <br>lebt in Lissabon, Portugal<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Joana Vasconcelos stellt seit Mitte der 1990er Jahre regelm\\u00e4\\u00dfig aus. International bekannt wurde ihr Werk nach ihrer Teilnahme an der 51. Biennale von Venedig 2005 mit dem Werk A Noiva <a href=\\\"2001-05\\\">Die Braut<\\\/a>. Sie war die erste Frau und j\\u00fcngste K\\u00fcnstlerin, die 2012 im Palast von Versailles ausstellte. <br>Zu den j\\u00fcngsten H\\u00f6hepunkten ihrer Karriere geh\\u00f6ren eine Einzelausstellung im Guggenheim-Museum Bilbao, das Projekt Trafaria Praia, f\\u00fcr den Pavillon von Portugal auf der 55. Biennale von Venedig, die Teilnahme an der Gruppenausstellung The World Belongs to You im Palazzo Grassi\\\/Fran\\u00e7ois Pinault Foundation, Venedig (2011) und ihre erste Retrospektive im Museu Cole\\u00e7\\u00e3o Berardo, Lissabon (2010). Weitere H\\u00f6hepunkte sind Ausstellungen im Yorkshire Sculpture Park, West Bretton, Vereinigtes K\\u00f6nigreich (2020); MassArt Art Museum (MAAM), Boston, USA (2020); Kunsthal Rotterdam (2019); Museu de Serralves, Porto (2019); Royal Academy of Arts, London (2018); Mus\\u00e9e d&#8217;Art Moderne et Contemporain, Stra\\u00dfburg (2018); La Monnaie, Paris (2017); ARoS Aarhus Kunstmuseum, Aarhus, D\\u00e4nemark (2016); Museo Nacional Thyssen- Bornemisza, Madrid (2015); Waddesdon Manor &#8211; The Rothschild Foundation, Buckinghamshire (2015); Manchester Art Gallery, Manchester (2014); Tel Aviv Museum of Art (2013); Pal\\u00e1cio Nacional da Ajuda, Lissabon (2013); CENTQUATRE, Paris (2012); Kunsthallen Brandts, Odense, D\\u00e4nemark (2011); Es Baluard, Palma de Mallorca (2009); Garage Center for Contemporary Culture, Moskau (2009); Pinacoteca do Estado de S\\u00e3o Paulo (2008); The New Art Gallery Walsall, Vereinigtes K\\u00f6nigreich (2007); Istanbul Modern, Istanbul (2006); Passage du D\\u00e9sir\\\/BETC EURO RSCG, Paris (2005); Centro Andaluz de Arte Contempor\\u00e1neo, Sevilla, Spanien (2003); M\\u0171csarnok, Budapest (2002); Museu da Eletricidade, Lissabon (2001); und Museu de Arte Contempor\\u00e2nea de Serralves, Porto, Portugal (2000).<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.joanavasconcelos.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.joanavasconcelos.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.joanavasconcelos.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto: Kenton Thatcher \\u00a9 Unidade Infinita Projectos <\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Vasconcelos\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/03\\\/Vasconcelos-Kenton-Thatcher\\u00a9-Unidade-Infinita-Projectos-Kopie.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/joana-vasconcelos\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/04\/G04_Xun-frei.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Sun Xun\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1980 in Fuxing (Provinz Liaoning), China<br>lebt in Peking, China<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>2005 graduierte Sun Xun von der Druckgrafik Klasse der Chinesischen Hochschule der K\\u00fcnste in Hangzhou und gr\\u00fcndete im darauffolgenden Jahr das \\u03c0 Animation Studio. Als repr\\u00e4sentativer Vertreter der Kunst f\\u00fcr neue Medien in China erhielt er bald Anerkennung durch Ausstellungen und Auszeichnungen im In- und Ausland. Seine animierten Filme liefen unter anderem im Wettbewerb der Berlinale und der Internationalen Filmfestspielen von Venedig.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Die visuelle Sprache von Sun Xun besteht aus metaphorischen Bildern, dunklen und intensiven Zeichnungen und einer traumhaften Narrative. In den letzten Jahren setzt er die Medienkunst vermehrt an den Ausgangspunkt seiner Arbeit, um die M\\u00f6glichkeiten der bildenden Kunst zu erweitern: In Hinblick auf seine Filme experimentiert er mit narrativen Verfahren, indem er mit unterschiedlichen Medien arbeitet, wie Tageszeitungen, Buchseiten, Holzschnitten, Tusche oder Pigmentpuder. Dadurch gelangt er zu nicht-linearen Ausdrucksformen von Zeit und Raum, denen er in beide Richtungen nachforscht: in die realistische und in die traumhafte, basierend auf seinem eigenen Verst\\u00e4ndnis von den Strukturen der Gesellschaft und soziologischen Theorien. Dokumentierte Geschehnisse und Phantasie, Jetztzeit und Geschichte, alle diese Ebenen sind gleichzeitig und fortlaufend sichtbar in der Arbeit von Sun Xun.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Das Werk von Sun Xun besteht haupts\\u00e4chlich aus Zeichnungen und animierten Kurzfilmen. Nach dem Fertigstellen der Animationen bilden die Einzelbilder Teile seiner Ausstellungen genauso wie andere Multimedia Arbeiten, die oft parallel zu den Filmen gezeigt werden.&nbsp;Filme wie &#8222;21 Ke\\u201c (21 Gramm), &#8222;Magician&#8217;s Lie&#8220; und &#8222;Requiem&#8220; zeigen eine Schl\\u00fcsselfigur: ein Zauberer in einem schwarzen Anzug mit einem Zylinderhut. Der Zauberer ist auf der Suche nach einer anderen Welt \\u2014 wom\\u00f6glich einer Utopie. Entlang der Entdeckungsreise dieses Charakters ist die Bildfolge traumhaft bis apokalyptisch ausgepr\\u00e4gt. Das Werk von Sun Xun untersucht Themen gesellschaftlicher Entwicklung und Revolution in Bezug auf Theoretiker wie Karl Marx, Theodor W. Adorno und Max Horkheimer.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Zu seinen j\\u00fcngsten Einzelausstellungen z\\u00e4hlen: Frontier, Shanghai Museum of Glass 2019; SUN XUN, Museum of Contemporary Art, Australia, Sydney (2018); Sun Xun: Time Spy, Saint Louis Art Museum, USA (2018); Rosa&#8217;s Wound, Museum of Contemporary Art (MOCA), Taipei (2017); Reconstruction of the Universe, (2016); Audemars Piguet Art Commission, Art Basel in Miami Beach, USA (2016); The Robert H. N. Ho Family Foundation Chinese Art Initiative at the Guggenheim, Tales of Our Time, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, USA (2016); Prediction Laboratory, Yuz Museum, Shanghai (2016); 2015 Asian Art Biennial, National Taiwan Museum of Fine Arts, Taichung, Taiwan (2015); China 8, Contemporary Art from China at the Rhine and Ruhr, Lehmbruck Museum (Gruppe), Duisburg, Germany (2015); Yesterday Is Tomorrow, Hayward Gallery, London, U.K. (2014); Unscrolled, Reframing Tradition in Chinese Contemporary Art, Vancouver Art Gallery, Vancouver, Canada (2014); Ink Art: Past as Present in Contemporary China, The Metropolitan Museum of Art, New York, USA (2013) etc.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto: \\u00a9 Sun Xun &amp; \\u03c0 Animation Studio<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Sun Xun\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/04\\\/Sun-Xun-portrait--scaled.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/sun-xun\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/09\/Akoto-Bamfo.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Kwame Akoto-Bamfo\",\"text\":\"\\n<p>* 1983 in Accra, Ghana<br>lebt in Nuhhalenya, Ada, Ghana<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Kwame Akoto-Bamfo ist ein ghanaischer multidisziplin\\u00e4rer K\\u00fcnstler und Kulturaktivist, dessen Arbeit sich in der Regel der F\\u00f6rderung und Erhaltung des afrikanischen Erbes widmet. Bekannt wurde er durch sein Werk &#8222;Nkyinkyiminstalation&#8220;, das einen Abschnitt zum Gedenken an die Opfer des transatlantischen Sklavenhandels enth\\u00e4lt, der im National Memorial for Peace and Justice ausgestellt ist und 2018 in Montgomery, Alabama, er\\u00f6ffnet wurde. Die Nkyimkyim Installation, die sich derzeit in der N\\u00e4he von Nkyimkyim befindet, versucht, 111.111 Skulpturen zu versammeln, um einen ganzheitlichen und panoramischen Blick auf die Geschichte und das Erbe Afrikas zu erm\\u00f6glichen.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201cAs a Ghanaian who is interested and inspired by Ghanaian and African culture, I&#8217;m a living witness to the knowledge that is being lost to time. That is why I feel it is important to create a repository of our history and heritage in a &#8218;language&#8216; using symbols that our people can relate to and understand.\\u201d (Kwame Akoto-Bamfo, Design Indaba)&nbsp;<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"https:\\\/\\\/kwameakotobamfo.com\\\">kwameakotobamfo.com<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Akoto-Bamfo\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/09\\\/ddcda324-f4dc-4ae2-8e05-c22f86890160-e1568808487168.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/kwame-akoto-bamfo\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/08\/Schabus_Entwurf_20180319_das-Sa\u0308ulenproblem-2018-Kopie.jpeg');\" data-carousel='{\"title\":\"Hans Schabus\",\"text\":\"\\n<p>* 1970 in Watschig, \\u00d6sterreich<br>lebt in Wien<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Hans Schabus studierte 1991 bis 1996 Bildhauerei bei Bruno Gironcoli an der Akademie der bildenden K\\u00fcnste Wien. Seine Praxis umfasst unter\\u00adschied\\u00adli\\u00adche Medien wie Skulp\\u00adtur, Instal\\u00adla\\u00adtion, Collage, Foto\\u00adgra\\u00adfie und Film. Bekannt wurde Schabus durch die Gestaltung des \\u00d6sterreichischen Pavillons auf der 40. Venedig Biennale, den er in einen begehbaren k\\u00fcnstlichen Berg verwandelte. Seine Skulpturen und Installationen legen oft \\u2013 als monumentale Geste oder bauliche Interventionen \\u2013 das Verh\\u00e4ltnis der Betrachters zum Raum offen und stehen in enger Beziehung zu dem Ort, f\\u00fcr den sie geschaffen werden. Daf\\u00fcr setzt er sich im Vorfeld seiner Arbeiten mit den Gegebenheiten und der Geschichte des jeweiligen Orts bzw. Materials auseinander. Ein wiederkehrendes Motiv in seinen Arbeiten sind Durchg\\u00e4nge und Eingangssituationen. Seit 2012 leitet er die Abteilung f\\u00fcr Skulptur und Raum an der Universit\\u00e4t f\\u00fcr angewandte Kunst in Wien.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201eI try to question materials and their connection, the hierarchical distinctions between spaces and places and how the physical world is formed.\\u201c (Hans Schabus, ArtFund, 2015)&nbsp;<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"https:\\\/\\\/galeriewolff.com\\\/artists\\\/hans-schabus\\\/ (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/galeriewolff.com\\\/artists\\\/hans-schabus\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">https:\\\/\\\/galeriewolff.com\\\/artists\\\/hans-schabus\\\/<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto <strong>\\u00a9 <\\\/strong>Enzo S.<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Schabus\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Schabus-Hans-\\u00a9-Enzo-S.-e1565621359884.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/hans-schabus\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/08\/F01_Weiner_DSC00848-frei.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Lawrence Weiner\",\"text\":\"\\n<p>*\\u00a01942 New York City, USA<br>\\u2020 2021 <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Lawrence Weiner gilt neben Sol LeWitt, Robert Barry, Douglas Hueber und Joseph Kosuth als der Vater der Konzeptkunst, die in den 1960er Jahren aus dem Minimalismus entstand. 1968 ver\\u00f6ffentlichte er sein legend\\u00e4res &#8222;Statement of Intent&#8220;, eine k\\u00fcnstlerische Absichtserkl\\u00e4rung, in der er proklamierte, dass die Produktion eines Kunstwerks nicht zwingend an den K\\u00fcnstler gebunden ist, sondern vielmehr als eine Funktion seiner Rezeption verstanden werden muss. Weiners Medium war die Sprache, die er in Zeichen, Worten oder S\\u00e4tzen zum Ausdruck brachte. Seine Skulpturen entstanden h\\u00e4ufig ortsspezifisch, in Museen genauso wie im \\u00f6ffentlichen Raum.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>&#8222;I will be damned if I ever wanted to exclude any sensual function from art. I am just an artist, you know, I do not have to be right all the time. I am not giving out medical prescriptions to people and I am not flying an airplane, I am just this person putting things in the culture, with a responsible thing that can change the culture.&#8220; (Lawrence Weiner in conversation with Benjamin H. D. Buchloh, New York, May 1997) <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.mai36.com\\\/artists\\\/lawrence-weiner\\\" target=\\\"_blank\\\">https:\\\/\\\/www.mai36.com\\\/artists\\\/lawrence-weiner <\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Alyssa Gorelick<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Weiner\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Weiner-\\u00a9-Alyssa-Gorelick-e1565618868983.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/lawrence-weiner\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/Adeagbo-A-\u00a9-STOA169-Eike-Fischer-Felix-Pitscheneder-frei.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Georges Ad\\u00e9agbo\",\"text\":\"\\n<p>* 1942 in Cotonou, Benin <br>lebt in Cotonou und Hamburg<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Der Konzeptk\\u00fcnstler Georges Ad\\u00e9agbo findet seine Materialien vor Ort. Mit ethnologischem Blick kombiniert er Fundst\\u00fccke und Alltagsgegenst\\u00e4nde, Schallplatten und B\\u00fccher, die er wie Fragmente westlicher Kultur in seinen Installationen zusammenf\\u00fcgt. Oft erg\\u00e4nzt er diese mit seinen eigenen Texten und Objekten aus seinen Sammlungen, beispielsweise afrikanischen Holzskulpturen. Ad\\u00e9agbo versteht sich als afrikanischer Ethnologe, Sammler und Spurensucher. Seine formalen und gedanklichen Assoziationsketten zeigen eine nicht hierarchische Anordnung der Dinge im Nebeneinander von high und low, afrikanischer und westlicher Kultur, Kitsch und Philosophie. In der Gegen\\u00fcberstellung der verschiedenartigen Objekte stellt er gleicherma\\u00dfen Fragen \\u00fcber die Spuren der kolonialen Vergangenheit als \\u00fcber mediale Ph\\u00e4nomene und zeitgen\\u00f6ssischen Rassismus. Gleichzeitig reflektiert er nicht ohne Ironie das K\\u00fcnstlersein als solches, den Kunstbetrieb und seine Identit\\u00e4t als afrikanischer K\\u00fcnstler. Ad\\u00e9agbo\\u2019s internationaler Erfolg begann in den 1990er Jahren. Seitdem wurden seine Werke auf zahlreichen Ausstellungen und Biennalen weltweit gezeigt, u.a. auf der documenta 11 in Kassel (2005) und auf der Biennale in Venedig, wo er 1999 als erster afrikanischer K\\u00fcnstler den Preis der Jury erhielt.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9&nbsp;Stefan K\\u00f6hler <br><br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<figure class=\\\"wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube\\\"><div style=\\\"display: contents;\\\" >\\n\\n<div data-mode=\\\"normal\\\" data-oembed=\\\"1\\\" data-provider=\\\"youtube\\\" id=\\\"arve-youtube-ouacqchnoje\\\" class=\\\"arve\\\">\\n\\t<div class=\\\"arve-inner\\\">\\n\\t\\t<div class=\\\"arve-embed arve-embed--has-aspect-ratio\\\">\\n\\t\\t\\t<div class=\\\"arve-ar\\\" style=\\\"padding-top:56.250000%\\\"><\\\/div>\\n\\t\\t\\t<iframe allow=\\\"accelerometer &apos;none&apos;;autoplay &apos;none&apos;;bluetooth &apos;none&apos;;browsing-topics &apos;none&apos;;camera &apos;none&apos;;clipboard-read &apos;none&apos;;clipboard-write;display-capture &apos;none&apos;;encrypted-media &apos;none&apos;;gamepad &apos;none&apos;;geolocation &apos;none&apos;;gyroscope &apos;none&apos;;hid &apos;none&apos;;identity-credentials-get &apos;none&apos;;idle-detection &apos;none&apos;;keyboard-map &apos;none&apos;;local-fonts;magnetometer &apos;none&apos;;microphone &apos;none&apos;;midi &apos;none&apos;;otp-credentials &apos;none&apos;;payment &apos;none&apos;;picture-in-picture;publickey-credentials-create &apos;none&apos;;publickey-credentials-get &apos;none&apos;;screen-wake-lock &apos;none&apos;;serial &apos;none&apos;;summarizer &apos;none&apos;;sync-xhr;usb &apos;none&apos;;web-share;window-management &apos;none&apos;;xr-spatial-tracking &apos;none&apos;;\\\" allowfullscreen=\\\"\\\" class=\\\"arve-iframe fitvidsignore\\\" credentialless data-arve=\\\"arve-youtube-ouacqchnoje\\\" data-lenis-prevent=\\\"\\\" data-src-no-ap=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/oUAcQCHnojE?feature=oembed&amp;iv_load_policy=3&amp;modestbranding=1&amp;rel=0&amp;autohide=1&amp;playsinline=0&amp;autoplay=0\\\" frameborder=\\\"0\\\" height=\\\"0\\\" loading=\\\"lazy\\\" name=\\\"\\\" referrerpolicy=\\\"strict-origin-when-cross-origin\\\" sandbox=\\\"allow-scripts allow-same-origin allow-presentation allow-popups allow-popups-to-escape-sandbox\\\" scrolling=\\\"no\\\" src=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/oUAcQCHnojE?feature=oembed&#038;iv_load_policy=3&#038;modestbranding=1&#038;rel=0&#038;autohide=1&#038;playsinline=0&#038;autoplay=0\\\" title=\\\"\\\" width=\\\"0\\\"><\\\/iframe>\\n\\t\\t\\t\\n\\t\\t<\\\/div>\\n\\t\\t\\n\\t<\\\/div>\\n\\t\\n\\t\\n\\t<script type=\\\"application\\\/ld+json\\\">{\\\"@context\\\":\\\"http:\\\\\\\/\\\\\\\/schema.org\\\\\\\/\\\",\\\"@id\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/stoa169.com\\\\\\\/de\\\\\\\/willkommen-bei-der-stoa169-stiftung\\\\\\\/#arve-youtube-ouacqchnoje\\\",\\\"type\\\":\\\"VideoObject\\\",\\\"embedURL\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/www.youtube.com\\\\\\\/embed\\\\\\\/oUAcQCHnojE?feature=oembed&iv_load_policy=3&modestbranding=1&rel=0&autohide=1&playsinline=0&autoplay=0\\\"}<\\\/script>\\n\\t\\n<\\\/div>\\n<\\\/div><\\\/figure>\\n\",\"artist\":\"Ad\\u00e9agbo\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/11\\\/Adeagbo_AusschnittFotoKoehler-e1574082053858.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/georges-adeagbo\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/10\/Motta.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Carlos Motta\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1978 in Bogot\\u00e0, Kolumbien<br>lebt in New York City, USA<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Carlos Motta studierte an der School of Visual Arts (B.A.) und am Bard College (M.A.). Seine multi-disziplin\\u00e4re Kunstpraxis untersucht alternative Erz\\u00e4hlungen \\u00fcber marginalisierte Gemeinschaften und Identit\\u00e4ten im Kontext von Sozial- und Politikgeschichte. In den fast zwanzig Jahre seines Schaffens nutzte Motta eine Vielzahl von Medien: von den fr\\u00fchen Experimenten des K\\u00fcnstlers in Zeichnung, Fotografie und Performance in den sp\\u00e4ten 90er Jahren \\u00fcber Video, Skulptur und Installationen, die auf dokumentarischer und archivarischer Forschung in den 2000er Jahren basieren, bis hin zu seinen j\\u00fcngsten k\\u00fcnstlerischen R\\u00fcckgriffen auf poetische Filmproduktionen und Installationen, die sich mit Sexualit\\u00e4t in pr\\u00e4-hispanischer und kolonialer Zeit befassen. Mottas Werk hat sich in zwei Richtungen entwickelt: eine, die politische und soziale Ungerechtigkeiten in Kolumbien und Lateinamerika untersucht, mit einem Schwerpunkt auf der Demokratie als Regierungsform und den Auswirkungen des Kalten Krieges in der Region; und eine andere, in der der K\\u00fcnstler historische Erz\\u00e4hlungen \\u00fcber Sexualit\\u00e4t und Geschlechterrollen von der Kolonialzeit bis in die Gegenwart neu artikuliert.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.carlosmotta.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.carlosmotta.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.carlosmotta.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Cory Rice<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Motta\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/10\\\/Motta-Carlos\\u00a9-Cory-Rice-e1571757031897.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/carlos-motta\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/sonfist-Kopie.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Alan Sonfist\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1946 in New York City, USA; lebt in New York City<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Alan Sonfist ist Maler, Fotograf und Land Art K\\u00fcnstler und gilt als einer der Wegbereiter der Earth Art Bewegung. Nachdem er in der South Bronx von NYC in der N\\u00e4he des Hemlock Forest aufgewachsen war, was sp\\u00e4ter zu einer wichtigen Inspiration f\\u00fcr seine Kunst wurde, besuchte Sonfist das Hunter College, wo er einen Master in Art erhielt. Seine fr\\u00fchen Arbeiten in den 1960er und 1970er Jahren trugen dazu bei, die aufkeimende Bewegung der ortsspezifischen Skulptur voranzutreiben. Mit seinen internationalen Projekten setzt er sich f\\u00fcr nachhaltige Energie und ein Bewusstsein f\\u00fcr den globalen Klimawandel ein. Vor Kurzem hat Sonfist in Zusammenarbeit mit Stadtplanern in Pori, Finnland, und Tampa, Florida, \\u00f6ffentliche R\\u00e4ume geschaffen, die Naturlandschaften aus der Vergangenheit visualisieren.  Dar\\u00fcber hinaus hat er ein Spezialisten-Team begr\\u00fcndet, das sich mit Fragen besch\\u00e4ftigt, die bei der Schaffung von funktional-\\u00f6kologischen Landschaften anfallen.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201eDie Grundidee meiner Arbeiten benennt immer die Wechselbeziehung von Mensch und Natur. Dies auch in einem geschichtlichen Zusammenhang. Wir sind Teil der Natur, zugleich aber verbrauchen und verdr\\u00e4ngen wir sie aus unserem unmittelbaren Lebensumfeld, den St\\u00e4dten.\\u201c (Alan Sonfist, Kunstforum Bd. 146, 1999)<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><br><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.alansonfist.com\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">www.alansonfist.com<\\\/a><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br>Foto \\u00a9 Alan Sonfist<br><br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<figure class=\\\"wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube\\\"><div style=\\\"display: contents;\\\" >\\n\\n<div data-mode=\\\"normal\\\" data-oembed=\\\"1\\\" data-provider=\\\"youtube\\\" id=\\\"arve-youtube-evqtdyybphu\\\" class=\\\"arve\\\">\\n\\t<div class=\\\"arve-inner\\\">\\n\\t\\t<div class=\\\"arve-embed arve-embed--has-aspect-ratio\\\">\\n\\t\\t\\t<div class=\\\"arve-ar\\\" style=\\\"padding-top:56.250000%\\\"><\\\/div>\\n\\t\\t\\t<iframe allow=\\\"accelerometer &apos;none&apos;;autoplay &apos;none&apos;;bluetooth &apos;none&apos;;browsing-topics &apos;none&apos;;camera &apos;none&apos;;clipboard-read &apos;none&apos;;clipboard-write;display-capture &apos;none&apos;;encrypted-media &apos;none&apos;;gamepad &apos;none&apos;;geolocation &apos;none&apos;;gyroscope &apos;none&apos;;hid &apos;none&apos;;identity-credentials-get &apos;none&apos;;idle-detection &apos;none&apos;;keyboard-map &apos;none&apos;;local-fonts;magnetometer &apos;none&apos;;microphone &apos;none&apos;;midi &apos;none&apos;;otp-credentials &apos;none&apos;;payment &apos;none&apos;;picture-in-picture;publickey-credentials-create &apos;none&apos;;publickey-credentials-get &apos;none&apos;;screen-wake-lock &apos;none&apos;;serial &apos;none&apos;;summarizer &apos;none&apos;;sync-xhr;usb &apos;none&apos;;web-share;window-management &apos;none&apos;;xr-spatial-tracking &apos;none&apos;;\\\" allowfullscreen=\\\"\\\" class=\\\"arve-iframe fitvidsignore\\\" credentialless data-arve=\\\"arve-youtube-evqtdyybphu\\\" data-lenis-prevent=\\\"\\\" data-src-no-ap=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/eVQTdyybPHU?feature=oembed&amp;iv_load_policy=3&amp;modestbranding=1&amp;rel=0&amp;autohide=1&amp;playsinline=0&amp;autoplay=0\\\" frameborder=\\\"0\\\" height=\\\"0\\\" loading=\\\"lazy\\\" name=\\\"\\\" referrerpolicy=\\\"strict-origin-when-cross-origin\\\" sandbox=\\\"allow-scripts allow-same-origin allow-presentation allow-popups allow-popups-to-escape-sandbox\\\" scrolling=\\\"no\\\" src=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/eVQTdyybPHU?feature=oembed&#038;iv_load_policy=3&#038;modestbranding=1&#038;rel=0&#038;autohide=1&#038;playsinline=0&#038;autoplay=0\\\" title=\\\"\\\" width=\\\"0\\\"><\\\/iframe>\\n\\t\\t\\t\\n\\t\\t<\\\/div>\\n\\t\\t\\n\\t<\\\/div>\\n\\t\\n\\t\\n\\t<script type=\\\"application\\\/ld+json\\\">{\\\"@context\\\":\\\"http:\\\\\\\/\\\\\\\/schema.org\\\\\\\/\\\",\\\"@id\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/stoa169.com\\\\\\\/de\\\\\\\/willkommen-bei-der-stoa169-stiftung\\\\\\\/#arve-youtube-evqtdyybphu\\\",\\\"type\\\":\\\"VideoObject\\\",\\\"embedURL\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/www.youtube.com\\\\\\\/embed\\\\\\\/eVQTdyybPHU?feature=oembed&iv_load_policy=3&modestbranding=1&rel=0&autohide=1&playsinline=0&autoplay=0\\\"}<\\\/script>\\n\\t\\n<\\\/div>\\n<\\\/div><\\\/figure>\\n\",\"artist\":\"Sonfist\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Sonfist-\\u00a9-Alan-Sonfist-e1565621834537.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/alan-sonfist\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/IMG-20191029-WA0005.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Justine Gaga\",\"text\":\"\\n<p>* 1974 in Douala, Kamerun<br>lebt in Douala, Kamerun<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Justine Gaga arbeitet interdisziplin\\u00e4r mit unterschiedlichen Medien, die von Skulptur und Installation bis zu Malerei, Performance und Video reichen. Ihre k\\u00fcnstlerische Ausbildung ist gepr\\u00e4gt von der Mitarbeit in verschiedenen K\\u00fcnstlerstudios und Werkst\\u00e4tten in Kamerun: im Atelier Viking Doula mit Viking Kamganyang, bei Spider in Yaounde mit dem Fotografen Pierre Metambou und vor allem in der Art Bakery in Douala mit Goddy Leye als ihrem Mentor. Gaga arbeitet nicht zur\\u00fcckgezogen im Atelier, sondern versteht sich als kritische Beobachterin der Welt, die sie umgibt. Aus ihrer individuellen Perspektive behandelt sie in ihren Arbeiten gesellschaftliche und politische Fragestellungen, analysiert das globale Kunstsystem und reflektiert ihre Rolle darin als Mensch bzw. als K\\u00fcnstlerin. Ein immer wiederkehrendes Sujet ist die Einsamkeit, die Solitude in der Masse. Die k\\u00fcnstlerische Umsetzung changiert vom Figurativen zum Abstrakten, ihre oftmals integrierten Textfragmente vom Poetischen&nbsp; zum Plakativen. Gaga\\u2019s Arbeiten werden international gezeigt u.a. in Mali, Senegal, S\\u00fcdafrika, Kolumbien, Frankreich, Holland und Deutschland.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>&#8222;My work is based on the notion of loneliness and related themes such as isolation, exile, immigration, and the frontier and psychological barriers that one could face.&#8220;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Sa\\u00efd Ra\\u00efs<br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<figure class=\\\"wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-block-embed-youtube\\\"><div style=\\\"display: contents;\\\" >\\n\\n<div data-mode=\\\"normal\\\" data-oembed=\\\"1\\\" data-provider=\\\"youtube\\\" id=\\\"arve-youtube-_rcnkxy-6ks\\\" class=\\\"arve\\\">\\n\\t<div class=\\\"arve-inner\\\">\\n\\t\\t<div class=\\\"arve-embed arve-embed--has-aspect-ratio\\\">\\n\\t\\t\\t<div class=\\\"arve-ar\\\" style=\\\"padding-top:56.250000%\\\"><\\\/div>\\n\\t\\t\\t<iframe allow=\\\"accelerometer &apos;none&apos;;autoplay &apos;none&apos;;bluetooth &apos;none&apos;;browsing-topics &apos;none&apos;;camera &apos;none&apos;;clipboard-read &apos;none&apos;;clipboard-write;display-capture &apos;none&apos;;encrypted-media &apos;none&apos;;gamepad &apos;none&apos;;geolocation &apos;none&apos;;gyroscope &apos;none&apos;;hid &apos;none&apos;;identity-credentials-get &apos;none&apos;;idle-detection &apos;none&apos;;keyboard-map &apos;none&apos;;local-fonts;magnetometer &apos;none&apos;;microphone &apos;none&apos;;midi &apos;none&apos;;otp-credentials &apos;none&apos;;payment &apos;none&apos;;picture-in-picture;publickey-credentials-create &apos;none&apos;;publickey-credentials-get &apos;none&apos;;screen-wake-lock &apos;none&apos;;serial &apos;none&apos;;summarizer &apos;none&apos;;sync-xhr;usb &apos;none&apos;;web-share;window-management &apos;none&apos;;xr-spatial-tracking &apos;none&apos;;\\\" allowfullscreen=\\\"\\\" class=\\\"arve-iframe fitvidsignore\\\" credentialless data-arve=\\\"arve-youtube-_rcnkxy-6ks\\\" data-lenis-prevent=\\\"\\\" data-src-no-ap=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/_rCNKxy-6Ks?feature=oembed&amp;iv_load_policy=3&amp;modestbranding=1&amp;rel=0&amp;autohide=1&amp;playsinline=0&amp;autoplay=0\\\" frameborder=\\\"0\\\" height=\\\"0\\\" loading=\\\"lazy\\\" name=\\\"\\\" referrerpolicy=\\\"strict-origin-when-cross-origin\\\" sandbox=\\\"allow-scripts allow-same-origin allow-presentation allow-popups allow-popups-to-escape-sandbox\\\" scrolling=\\\"no\\\" src=\\\"https:\\\/\\\/www.youtube.com\\\/embed\\\/_rCNKxy-6Ks?feature=oembed&#038;iv_load_policy=3&#038;modestbranding=1&#038;rel=0&#038;autohide=1&#038;playsinline=0&#038;autoplay=0\\\" title=\\\"\\\" width=\\\"0\\\"><\\\/iframe>\\n\\t\\t\\t\\n\\t\\t<\\\/div>\\n\\t\\t\\n\\t<\\\/div>\\n\\t\\n\\t\\n\\t<script type=\\\"application\\\/ld+json\\\">{\\\"@context\\\":\\\"http:\\\\\\\/\\\\\\\/schema.org\\\\\\\/\\\",\\\"@id\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/stoa169.com\\\\\\\/de\\\\\\\/willkommen-bei-der-stoa169-stiftung\\\\\\\/#arve-youtube-_rcnkxy-6ks\\\",\\\"type\\\":\\\"VideoObject\\\",\\\"embedURL\\\":\\\"https:\\\\\\\/\\\\\\\/www.youtube.com\\\\\\\/embed\\\\\\\/_rCNKxy-6Ks?feature=oembed&iv_load_policy=3&modestbranding=1&rel=0&autohide=1&playsinline=0&autoplay=0\\\"}<\\\/script>\\n\\t\\n<\\\/div>\\n<\\\/div><\\\/figure>\\n\\n\\n\\n<p><br><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Gaga\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/11\\\/DSC-1-e1574086928206.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/justine-gaga\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/08\/Azuma_1.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Makoto Azuma &#038; Roland Hagenberg\",\"text\":\"\\n<p>* 1976 in der Pr\\u00e4fektur Fukuoka, Japan, lebt in Tokio, Japan \\\/ * 1955 in Radkersburg, \\u00d6sterreich; lebt in Tokio und Kyoto, Japan\\u00a0<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><strong>Makoto Azuma<\\\/strong>, Jahrgang 1976, ist in Japan aufgewachsen. 2002 er\\u00f6ffnete er sein erstes haute-couture Blumengesch\\u00e4ft zusammen mit Shunsuke Shiinoki im Tokioter Ginza Bezirk. Drei Jahre sp\\u00e4ter begann er mit Pflanzen zu experimentieren, um die Grenzen traditioneller Blumensteckkunst (<em>Ikebana)<\\\/em> auszuloten. Daraus entstanden Kunstobjekte, die er \\u201eBotanica Sculptures\\u201c nennt. 2009 gr\\u00fcndete er AMKK (Azuma Makoto Kaju Kenkyusho), ein botanisches Versuchslabor, das die Beziehung zwischen Mensch und Pflanze auf globaler Ebene untersucht. Ergebnisse und Schlussfolgerungen visualisiert er mit Hilfe von Skulpturen und Performance-Inszenierungen, die Azuma in Extrembereichen der Natur platziert: In der W\\u00fcste, in der Tiefe des Ozeans, unter arktischen Bedingungen oder in stratospherischen H\\u00f6hen, wo der ewige Lebenszyklus aus Bl\\u00fchen,&nbsp; Verwelken und Sterben noch dramatischer zum Ausdruck kommt. &nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><strong>Roland Hagenberg<\\\/strong>, Jahrgang 1955, ist in Wien aufgewachsen, wo er das Literaturmagazin \\u201eDie Klinge\\u201c ver\\u00f6ffentlichte \\u2013&nbsp; unter anderem mit Beitr\\u00e4gen von Robert Menasse, Friederike Mayr\\u00f6cker, Ernst Jandl und Elfriede Czurda. In den 1980er Jahren lebte er in New York und berichtete f\\u00fcr internationale Magazine \\u00fcber die Gegenwartskunstszene. Seine Fotografien aus dieser Zeit von K\\u00fcnstlern wie Jean-Michel Basquiat, Robert Mapplethorpe oder Louise Bourgeois gelten heute als einzigartige Zeitdokumente. Seit 1993 lebt Hagenberg in Tokio. Seine B\\u00fccher \\u00fcber moderne japanische Architektur sind auf Englisch, Japanisch und Chinesisch erschienen. 2010 initiierte er das \\u201eRaiding Project\\u201c im Geburtsort von Franz Liszt bei Wien, f\\u00fcr das japanische Architekten experimentelle G\\u00e4steh\\u00e4user entwickeln. 2014 erhielt Hagenberg den Innovationspreis des \\u00f6sterreichischen Tourismusverbandes. Sein Buch \\u201ePoems\\u201c erschien 2017 und sein Theaterst\\u00fcck \\u201eJetlag\\u201c wurde 2018 im Rationaltheater M\\u00fcnchen aufgef\\u00fchrt \\u2013 mit einer Neuinszenierung geplant f\\u00fcr 2021 in Basel.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.azumamakoto.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.azumamakoto.com<\\\/a>   <a href=\\\"http:\\\/\\\/www.hagenberg.com\\\">www.rolandhagenberg.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Azuma & Roland Hagenberg\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/08\\\/AZUMA-Roland-20200802_1351250LR-Kopie.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/makoto-azuma-roland-hagenberg\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/05\/column-colors.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Peter Halley\",\"text\":\"\\n<p>* 1953 in New York City, USA<br>lebt in New York City, USA<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Peter Halley ist ein amerikanischer K\\u00fcnstler und Vertreter der neokonzeptualistischen Bewegung der 1980er Jahre. Seine Gem\\u00e4lde verwenden die Sprache der geometrischen Abstraktion, um die Organisation des sozialen Raums im digitalen Zeitalter zu erforschen. Seit den 1990er Jahren entwickelt Halley au\\u00dferdem wandgro\\u00dfe Digitaldrucke und Flachrelief-Skulpturen, die zusammen mit seinen Gem\\u00e4lden zu ortsspezifischen Installationen kombiniert werden.<br><br>Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Einzelausstellungen, u.a. in der Lever House Art Collection, New York (2018), in der Schirn Kunsthalle, Frankfurt (2016), im Santa Barbara Museum of Art, Kalifornien (2015) und im Mus\\u00e9e d&#8217;Art Moderne et Contemporain, Saint-\\u00c9tienne (2014) gezeigt. Im Jahr 2022 pr\\u00e4sentiert das Mus\\u00e9e d&#8217;Art Moderne Grand-Duc Jean (Mudam), Luxemburg, eine \\u00dcbersicht von Peter Halleys Gem\\u00e4lden aus den 1980er Jahren. Neben seiner T\\u00e4tigkeit als K\\u00fcnstler arbeitet Halley als Schriftsteller, Zeitschriftenverleger und Universit\\u00e4tsprofessor.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.peterhalley.com\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">www.peterhalley.com<\\\/a><br><br>Foto \\u00a9 Roxanne Lowit<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Halley\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/05\\\/Peter_Halley0499cRoxanneLowit.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/peter-halley\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/Ackermann-0A-frei.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Franz Ackermann\",\"text\":\"\\n<p>*\\u00a01963 in Neumarkt Sankt-Veit, Deutschland, lebt in Karlsruhe und Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Franz Ackermann begann sein Studium 1984 an der Akademie der Bildenden K\\u00fcnste M\\u00fcnchen und wechselte 1989 an die Hochschule f\\u00fcr bildende K\\u00fcnste Hamburg.<br>Grundlegend f\\u00fcr seinen kreativen Prozess ist das Reisen und die damit verbundenen Erfahrungen. Noch vor Ort h\\u00e4lt er seine pers\\u00f6nliche Wahrnehmung in sogenannten \\u2019Mental Maps\\u2019, mentalen Landkarten und Stadtpl\\u00e4nen, fest. Im Atelier entstehen nach diesen Skizzen gro\\u00dfformatige Bilder, die h\\u00e4ufig in ortsspezifische Installationen m\\u00fcnden. Ackermann bedient sich in seiner Malerei verschiedenster Techniken, darunter etwa auch der Fotografie.&nbsp;&nbsp;<br>Seine Werke, die sich gewisserma\\u00dfen an der Pop-\\u00c4sthetik orientieren, \\u00f6ffnen einen kritischen Blick auf die Prozesse der Lebenswelt.&nbsp;Seit 2001 hat Ackermann eine Professur f\\u00fcr Malerei an der Kunstakademie Karlsruhe inne.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Sein Werk wurde in zahlreichen internationalen Museen gezeigt, so unter anderem in Einzelausstellungen in der Berlinischen Galerie, Berlin (2013), im Faena Arts Center, Buenos Aires (2012), im Kunstmuseum Bonn, Bonn (2009), im Kunstmuseum St Gallen (2008), im Irish Museum of Modern Art, Dublin (2005), im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid (2003), in der Kunsthalle Basel, Basel (2002), Stedelijk Museum, Amsterdam (2002), im Museum of Contemporary Art of Chicago (2002), im Castello di Rivoli, Turin (2000) und im Portikus Frankfurt am Main, Germany (1997).<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>&#8222;Malerei ist ein Teil (!) meiner k\\u00fcnstlerischen Handlung. Sie setzt dort ein, wo sie n\\u00f6tig ist. Der \\u2018Diskurs\\u2018 \\u00fcbersieht und untersch\\u00e4tzt zu leichtfertig elementarste Begriffe wie Form, Licht, Farbe. Dieser Versprachlichung des Sehens stehe ich mit allergr\\u00f6\\u00dfter Skepsis gegen\\u00fcber. Das Arbeiten \\u2018quasi\\u2018 aus dem Nichts heraus halte ich in diesem Zeitalter f\\u00fcr aktueller denn je.&#8220; (Franz Ackermann, kunstschau.netsamurai.de)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Jens Ziehe<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Ackermann\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/11\\\/Portrait_FotoJensZieheBerlin-klein.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/franz-ackermann-2\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/08\/Senden_Stoa_Korten_Dach_IMG_3762.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Sigr\\u00fan \\u00d3lafsd\\u00f3ttir\",\"text\":\"\\n<p>* 1963 in Reykjav\\u00edk, Island<br>lebt in Saarbr\\u00fccken<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Sigr\\u00fan \\u00d3lafsd\\u00f3ttir studierte Bildhauerei an der Myndlista og Hand\\u00ed\\u00f0ask\\u00f3li \\u00cdslands in Reykjav\\u00edk, Island und setzte ihr Studium in Freier Kunst\\\/ Bildhauerei bei Wolfgang Nestler an der Hochschule der Bildenden K\\u00fcnste Saar in Saarbr\\u00fccken fort. Hauptmedien der K\\u00fcnstlerin sind Zeichnung und Skultptur; pim\\u00e4re Motive die Dynamik und Balance von Gegens\\u00e4tzen, Statik und Schwerkraft. Nach Cornelieke Lagerwaard l\\u00e4sst sich ihre Arbeit in drei Werkzyklen untergliedern: &#8222;die \\u2018Stapelungen\\u2018 der halben Kugeln bilden die Serie der K\\u00f6rbe; des Weiteren die Skulpturen, die die K\\u00fcnstlerin als \\u2018Ber\\u00fchrungen\\u2018 bezeichnet, geh\\u00f6ren zu der Gruppe der linearen Plastiken; und schlie\\u00dflich die Windungen: schwebende, in den Raum emporsteigende oder seitw\\u00e4rts greifende B\\u00e4nder, die sich der Schwerkraft zu entziehen scheinen.&#8220; Ihre reduzierten Skulpturen umfassen verschiedene Materialien, wie Stahl, Aluminium, Latex Gummi oder Holz. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.sigrun-olafsdottir.de (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.sigrun-olafsdottir.de\\\" target=\\\"_blank\\\">www.sigrun-olafsdottir.de<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Werner Richner<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"\\u00d3lafsd\\u00f3ttir\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Sigru\\u0301n-O\\u0301lafsdo\\u0301ttir-\\u00a9-Werner-Richner-e1565621634152.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/sigrun-olafsdottir\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/04\/Metzel.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Olaf Metzel\",\"text\":\"\\n<p>* 1952 in Berlin; lebt in M\\u00fcnchen <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Olaf Metzel studierte an der Freien Universit\\u00e4t und der Hochschule der K\\u00fcnste in Berlin. Von 1990-2019 war er als Professor an der Akademie der Bildenden K\\u00fcnste M\\u00fcnchen t\\u00e4tig (teilweise als Rektor). Neben zahlreichen Einzelausstellungen im In- und Ausland nahm er an der <em>documenta 8<\\\/em> und an den Skulptur-Projekten in M\\u00fcnster (1987 und 1997) teil, an der Sydney-Biennale (1984 und 1990), der Istanbul-Biennale (1991, 1995 und 2017) und 2002 der S\\u00e3o Paulo-Biennale. Metzel wurde mit einer Vielzahl von Preisen und Auszeichnungen bedacht: u. a. 1987 den Villa Massimo Preis, Rom; 1994 den Arnold-Bode-Preis, Kassel; 1997 den Wilhelm-Loth-Preis, Darmstadt; 2005 den Kunstpreis der Landeshauptstadt M\\u00fcnchen; 2010 den Lichtwark-Preis, Hamburg sowie 2014 den mfi-Preis, Essen. Skulpturen im \\u00f6ffentlichen Raum befinden sich in Deutschland, im europ\\u00e4ischen Ausland und in Asien. Metzel kuratiert zahlreiche Ausstellungen und ver\\u00f6ffentlicht Texte in Tageszeitungen und Zeitschriften. Er ist Autor und Herausgeber (u. a. <em>Basisarbeit<\\\/em>,<em> Rote Zelle, Circus Wols)<\\\/em>.&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto: Olaf Metzel<a href=\\\"\\\"><\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Metzel\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/04\\\/Portrait_OM-www-e1618838590853.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/olaf-metzel\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/04\/Cabrita-Reis.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Pedro Cabrita Reis\",\"text\":\"\\n<p>* 1956 in Lissabon, Portugal; lebt in Lissabon <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Pedro Cabrita Reis&#8216; Werk hat stetig internationale Anerkennung gefunden und wurde so ab Mitte der 1980er Jahre bestimmend und entscheidend f\\u00fcr das Verst\\u00e4ndnis von Skulptur. Sein komplexes Werk l\\u00e4sst sich durch einen eigenwilligen philosophischen und poetischen Diskurs charakterisieren, der eine Vielzahl von Medien umfasst: Malerei, Skulptur, Fotografie, Zeichnung und Installationen, bestehend aus industriell hergestellten oder gefundenen Materialien und handwerklichen Objekten. Durch die Verwendung einfacher Materialien, die konstruktiven Prozessen unterzogen werden, recycelt Cabrita fast anonyme Reminiszenzen an urspr\\u00fcngliche Gesten und Handlungen, die sich im Alltag wiederholen. Zentriert auf Fragen nach Raum und Erinnerung, gewinnen seine Arbeiten eine suggestive Assoziationskraft, die \\u00fcber das Visuelle hinaus eine metaphorische Dimension erreicht.<br>Die komplexe theoretische und formale Vielfalt des Werkes von Cabrita geht von einer anthropologischen Reflexion aus, die dem Reduktionismus des soziologischen Diskurses entgegensteht. In der Tat sind es die Stille und die Eindr\\u00fccke, auf denen die Arbeit von Cabrita basiert und aufgebaut ist.<br>Pedro Cabrita Reis nahm &#8211; neben zahlreichen bedeutenden internationalen Einzelpr\\u00e4sentationen &#8211; an wichtigen internationalen Ausstellungen teil, wie z.B. 1992 an der Documenta IX in Kassel, 1994 und 1998 an der 21. und 24. Biennale von S\\u00e3o Paulo und 1997 am Aperto der Biennale von Venedig. Im Jahr 2003 vertrat er Portugal auf der Biennale von Venedig und nahm an der X\\u00e8me Biennale de Lyon, &#8222;The Spectacle of the Everyday&#8220;, Lyon, 2009 teil.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9\\ufe0f Jo\\u00e3o Ferrand<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"https:\\\/\\\/www.mai36.com\\\/artists\\\/cabrita\\\" target=\\\"_blank\\\">www.mai36.com<\\\/a><a href=\\\"\\\"><\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Pedro Cabrita \",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/04\\\/Cabrita-Reis-copyright_Jo\\u00e3o_Ferrand.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/pedro-cabrita\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/01\/Khan.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Osman Khan\",\"text\":\"\\n<p>* 1973 in Karachi, Pakistan<br>lebt in Detroit und Ann Arbor, USA<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Osman Khan wurde in Pakistan geboren und wuchs in New York City auf. Er studierte an der Columbia University in New York und an der University of California in Los Angeles, wo er 2004 seinen Abschluss machte. Seit 2009 unterrichtet er an der Penny W. Stamps School of Art &amp; Design an der University of Michigan in Ann Arbor und ist dort seit 2015 Professor und seit 2016 Direktor des MFA Programms. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Khan bringt mit seiner Arbeit Gesellschaftskritik und \\u00e4sthetischen Ausdruck zusammen. Er besch\\u00e4ftigt sich mit der Frage nach Identit\\u00e4t und Heimat, und erkundet soziale und \\u00f6ffentliche R\\u00e4ume durch partizipierende und performative Installationen oder ortsspezifische Interventionen.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Osman Khans Arbeiten waren unter anderem im Museum of Contemporary Art Detroit (2016), im Socrates Sculpture Park (Long Island City, 2008), im L.A. Louver (2007), dem Witte de With, Centre for Contemporary Art (Rotterdam, 2006), der Shanghai Biennale (2006) und der Ars Electronica (Linz, 2004; 2007) zu sehen. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Khan ist vielfach mit Preisen und Stipendien f\\u00fcr seine Arbeit ausgezeichnet worden. Er erhielt unter anderem den Art Matters grant, den Knight Foundation Arts Challenge grant, den Doris Duke Foundation grant und den Ars Electronica&#8217;s Prix Ars Award of Distinction. 2009 war er Stipendiat des Arctic Circle.<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Khan\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/01\\\/Khan-portrait.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/osman-khan\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/gerz-Kopie-2-2.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Jochen Gerz\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1940 geboren in Berlin, Deutschland<br>lebt in Derryquin, Irland<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Jochen Gerz lebte von 1966 bis 2007 in Paris und ist heute in Irland ans\\u00e4ssig. Von 1959 bis 1963 studierte er in K\\u00f6ln, Basel und London Literatur, Sinologie und Urgeschichte. Gerz arbeitet seit dem Ende der 1960er Jahre mit den neuen Medien. Nach den ersten Performances im \\u00f6ffentlichen Raum entstanden Foto\\\/Texte, Installationen, Performances und Videos. In diese Periode fallen mehrere Documenta-Beitr\\u00e4ge, die Teilnahme 1976 (mit Joseph Beuys und Reiner Ruthenbeck) an der 37. Biennale von Venedig im deutschen Pavillon und zahlreiche Gruppen- und Einzelausstellungen und Retrospektiven in deutschen, europ\\u00e4ischen und nordamerikanischen Museen. Seit Mitte der 1980er Jahre arbeitet er wieder (ab 2000 ausschlie\\u00dflich) im \\u00f6ffentlichen Raum an gesellschaftlichen Prozessen, die sich zum Teil \\u00fcber mehrere Jahren entwickeln. Im Zentrum dieser Arbeit steht die \\u00d6ffentlichkeit selbst, ohne deren Autorschaft seine Kunst nicht mehr entstehen kann. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.jochengerz.eu\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.jochengerz.eu (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.jochengerz.eu<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Sonia Rothweiler<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Gerz\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/10\\\/Gerz-2019_photo_Sonia_Rothweiler-e1571757249806.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/jochen-gerz\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/09\/slider-klauke.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"J\\u00fcrgen Klauke\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1943 in Kliding bei Cochem an der Mosel, Deutschland<br>lebt in K\\u00f6ln<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>J\\u00fcrgen Klauke geh\\u00f6rt zu den wichtigsten Fotografen Deutschlands und gilt als Vorl\\u00e4ufer der inszenierten Fotografie sowie als Wegbereiter der Body Art. Nach einem Grafikstudium arbeitete er mit Fotografiken; seit 1970 zeichnet und notiert er Ereignisse und Gegenst\\u00e4nde in seiner Umgebung und inszeniert diese Alltagssituationen fotografisch. Zentrales Thema seines Schaffens, das er nicht nur medial, sondern auch performativ behandelt, sind gesellschaftlich normierte Geschlechter-Identit\\u00e4ten, Geschlechter- Codierung und soziales Verhalten. Im Mittelpunkt steht der K\\u00f6rper, den er u.a. in performativen und queeren Rollenspielen mit fetischartigen Requisiten inszeniert. Er selbst beschreibt seine Arbeit als \\u201e\\u00c4sthetisierung des Existenziellen\\u201c. Klaukes umfangreiches Werk umfasst Zeichnung, Fotografie, Video, Performance und ihre Dokumentationen. Von 1994 bis 2008 war er Professor an der Kunsthochschule f\\u00fcr Medien in K\\u00f6ln.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201eKunst und Leben, Tag und Nacht, Sex, Drugs and Rock&#8217;n Roll, bis zum Exzess und dann wieder exzessives Arbeiten. Wenn man das heil \\u00fcbersteht, mangelt es nicht an einer gewissen Erlebnisdichte und die Au\\u00dfenwahrnehmung dichtet Anekdoten.\\u201c (J\\u00fcrgen Klauke, MOFF &#8211; K\\u00f6lner K\\u00fcnstler im Gespr\\u00e4ch, 2015)<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.juergenklauke.de\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\">www.juergenklauke.de<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Albrecht Fuchs<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Klauke\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Klauke-J\\u00fcrgen-\\u00a9-J\\u00fcrgen-Klauke.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/juergen-klauke\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/sieverding.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Katharina Sieverding\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1944 in Prag, Tschechien<br>lebt in D\\u00fcsseldorf und Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Katharina Sieverding studiert 1963\\\/64 an der Hochschule f\\u00fcr bildende K\\u00fcnste Hamburg, von 1964 bis 1967 ist sie in der Klasse von Teo Otto an der Kunstakademie D\\u00fcsseldorf. In dieser Zeit ist sie an mehreren Theaterproduktionen als B\\u00fchnenbildnerin beteiligt, darunter im Deutschen Schauspielhaus Hamburg, am Burgtheater Wien, im D\\u00fcsseldorfer Schauspielhaus und an der Deutschen Oper Berlin. 1967 wechselt Sieverding an der Kunstakademie D\\u00fcsseldorf in die Klasse von Joseph Beuys. Nachdem dieser 1972 entlassen wird, geht Sieverding mit einem DAAD-Stipendium in die USA. Weitere Reisen unternimmt sie nach Kanada, in die Volksrepublik China und in die Sowjetunion. 1990 bis 1992 ist sie Gastprofessorin an der Hochschule f\\u00fcr bildende K\\u00fcnste Hamburg und erh\\u00e4lt im Anschluss eine Professur an der Universit\\u00e4t der K\\u00fcnste Berlin. Weitere Gastprofessuren hat sie unter anderem am Center for Contemporary Art Kitakyushu in Japan (1995\\u20131999), der Internationalen Sommerakademie in Salzburg (1995\\u20132013) sowie an der China Academy of Art in Hangzhou (2002\\\/03). Ihre erste Einzelausstellung findet 1972 in der Galleria L\\u2019Attico in Rom statt, es folgen Galerieausstellungen im In- und Ausland. Ihre erste institutionelle Einzelausstellung hat Sieverding 1977 im Museum Folkwang in Essen. Seither stellt sie weltweit aus, darunter: Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven (1979), St\\u00e4dtische Kunsthalle D\\u00fcsseldorf (1980), St\\u00e4dtisches Museum Abteiberg, M\\u00f6nchengladbach (1984), Kunsthalle St. Gallen (1991), Neue Nationalgalerie, Berlin (1992), Stedelijk Museum, Amsterdam (1998), Hamburger Bahnhof, Berlin (2002), MoMA PS1, New York (2004), San Francisco Museum of Modern Art (2008) und Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn (2017). Sieverding nimmt an der documenta 5, 6 und 7 teil. 1997 stellt sie an der Biennale di Venezia gemeinsam mit Gerhard Merz im Deutschen Pavillon aus. Sieverding erh\\u00e4lt bereits 1967 den Ernst-Poensgen-Preis in D\\u00fcsseldorf, hinzu kommen zahlreiche weitere Auszeichnungen und Stipendien.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto: \\u00a9 Klaus Mettig, VG Bild-Kunst<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Sieverding\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/02\\\/Sieverding\\u00a9Klaus-Mettig-VG-Bild-Kunst-Kopie.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/katharina-sieverding\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/02\/Bernstein.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Judith Bernstein\",\"text\":\"\\n<p>* 1942 in Newark, New Jersey, USA ; lebt in New York<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Seit \\u00fcber f\\u00fcnfzig Jahren hat sich Judith Bernstein einen Ruf als eine der zukunftstr\\u00e4chtigsten und provokativsten K\\u00fcnstlerinnen ihrer Generation erarbeitet, die das Politische und Sexuelle miteinander verbindet. Bernsteins ausdrucksstarke Zeichnungen und Gem\\u00e4lde kritisieren Militarismus und Machismus auf eine Weise, die zugleich humorvoll und bedrohlich ist. 1967 erhielt sie erhielt ihren MFA von der Yale University. Zu ihren j\\u00fcngsten Einzelausstellungen geh\\u00f6ren HOT HANDS in The Box, LA (2020); Money Shot in der Kasmin Gallery, NY (2018); Dicks of Death in der Mary Boone Gallery, NY (2016); Judith Bernstein Rising in der Kunsthall Stavanger, Norwegen (2016); Birth of the Universe bei Gavin Brown&#8217;s enterprise, NY (2014); Rising bei Studio Voltaire, London (2014); Judith Bernstein bei Karma International, Z\\u00fcrich (2014); Birth of the Universe: 18 New Paintings bei The Box (2013); und Judith Bernstein: HARD im New Museum, NY (2012). Zu ihren j\\u00fcngsten Gruppenausstellungen geh\\u00f6ren Seven Stations: Selections from MOCA&#8217;s Collection im Museum of Contemporary Art, Los Angeles, (2020); Artists Respond: American Art and the Vietnam War im Smithsonian American Art Museum, Washington D.C. (2019); United by AIDS im Migros Museum, Z\\u00fcrich (2019); Masculinity im Bonner Kunstverein, Bonn (2019); We need to talk\\u2026 in der Petzel Gallery, NY (2017); Coming to Power: 25 Years of Sexually X-Plicit Art By Women im David Zwirner, NY (2016); From the Collection, Kunsthaus Z\\u00fcrich (2016); Human Interest: Portraits from the Whitney&#8217;s Collection (2016) und America Is Hard To See (2015) im Whitney Museum of American Art, NY; Keep Your Timber Limber im ICA, London (2013). Bernsteins Arbeiten sind in den Sammlungen des Museum of Modern Art, NY, des Whitney Museum of American Art, des Museum of Contemporary Art, Los Angeles, des Brooklyn Museum, NY, des Jewish Museum, NY, des Kunsthaus Z\\u00fcrich, Schweiz, des Migros Museum, Z\\u00fcrich, Schweiz, des Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, der Deste Foundation, Athen, Griechenland, der Sammlung Verbund, Wien, der Yale University Art Gallery, New Haven, CT, des Neuberger Museum, New York und der Hall Art Foundation, Reading, Vermont, vertreten. 2016 erhielt sie ein John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fine Arts Fellowship.<br>Mit freundlicher Unterst\\u00fctzung von Karma International, The Box und Kasmin Gallery. <br><br>Foto \\u00a9 Judith Bernstein.<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Bernstein\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/01\\\/Judith-Portrait-_-Yellow-Nails-_-Kasmin.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/judith-bernstein-2\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/09\/Rentmeister.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Thomas Rentmeister\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1964 in Reken, lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Thomas Rentmeister Arbeiten entstehen im Bereich der Skulptur und Installation. Von 1987 bis 1993 studierte er an der Kunstakademie D\\u00fcsseldorf bei G\\u00fcnther Uecker und Alfonso H\\u00fcppi und schloss dort sein Studium als Meistersch\\u00fcler bei Alfonso H\\u00fcppi ab.&nbsp;Thomas Rentmeisters Werk wurde in nationalen und internationalen Ausstellungen gezeigt, u.a. in Einzelausstellungen im Museum Abteiberg M\\u00f6nchengladbach (1995), im Hamburger Bahnhof, (2002), im Museum Boijmans van Beuningen (2005), im Kunstmuseum Bonn (2011), sowie im Perth Institute of Contemporary Arts (2012) oder dem Kunstverein Ruhr, Essen (2019).<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Im Jahre 2002 erhielt Thomas Rentmeister eine Gastprofessur an der Universit\\u00e4t der K\\u00fcnste in Berlin, von 2005 bis 2006 Lehrauftrag an der Kunsthochschule Berlin Weissensee. Seine Lehrt\\u00e4tigkeit an der Hochschule f\\u00fcr Bildende K\\u00fcnste in Braunschweig begann er 2007, zun\\u00e4chst im Rahmen einer Gastprofessur. Seit 2009 hat er dort eine Professur f\\u00fcr Skulptur inne. &nbsp;<br><br><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.thomasrentmeister.de\\\" target=\\\"_blank\\\">www.thomasrentmeister.de<\\\/a>,   Foto \\u00a9 Julia Apitzsch-Haak<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Rentmeister\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/09\\\/Thomas-Rentmeister-Portrait-von-Julia-Apitzsch-Haak-scaled.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/thomas-rentmeister\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/10\/Si-Qin.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Timur Si-Qin\",\"text\":\"\\n<p>*\\u00a01984 in Berlin, Deutschland, lebt in New York City, USA<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Timur&nbsp;Si-Qin ist ein K\\u00fcnstler deutscher und mongolisch-chinesischer Abstammung, der in Berlin, Beijing, und im S\\u00fcdwesten von US-Amerika aufgewachsen ist. Seine Interessen an zeitgen\\u00f6ssischer Philosophie, kultureller Evolution und Dynamiken der Wahrnehmung \\u00fcberf\\u00fchrt er in  k\\u00fcnstliche Landschaften (&#8222;branded landscapes&#8220;), Installationen mit 3-D-gedruckten Skulpturen, Leuchtk\\u00e4sten und Virtual-Reality. Si-Qins Arbeit strebt nach einem Denken jenseits des anthropozentrischen Dualismus am Zentrum des westlichen Bewusstseins. Si-Qins langfristiges Projekt ist &#8222;New Peace&#8220;, eine s\\u00e4kulare Religion f\\u00fcr die Zukunft. Darin bezieht er sich auf verschiedene Disziplinen wie die Evolution der Religion, Marketing-Psychologie und Object Oriented Ontology. Si-Qin versteht Religionen als kulturelle Softwares mit der F\\u00e4higkeit, Verhaltensweisen und Politik tiefdringend zu ver\\u00e4ndern. &#8220; \\u2018New Peace\\u2018 ist ein neues Protokoll f\\u00fcr die notwendige Neuverhandlung unserer konzeptuellen und spirituellen Beziehung mit dem Nicht-Menschlichen. \\u2018New Peace\\u2018 ist ein Kunstwerk, eine Marke, eine Sekte, eine sich selbst auss\\u00e4ende mimetische Maschine.&#8220;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/timursiqin.com\\\/\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.timursiqin.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Ivan Grianti<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Si-Qin\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/10\\\/Si-Quin-Portrait\\u00a9-Ivan-Grianti--e1571754059679.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/timur-si-qin\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/09\/Buehler-Lukas.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Sebastian B\\u00fchler, Timur Lukas, Daniel Man, Maximilian Pr\\u00fcfer, Marco Ziegletti\",\"text\":\"\\n<p>* 1984 in Augsburg, lebt in Augsburg\\\/ * 1986 in Konstanz, lebt in Augsburg\\\/ * 1969 in London, lebt in Augsburg\\\/ * 1986 in Weilheim, lebt in Augsburg\\\/ * 1974 in M\\u00fcnchen, lebt in Augsburg&nbsp;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br>Die aus der Zusammenarbeit von Sebastian B\\u00fchler, Timur Lukas, Daniel Man, Maximilian Pr\\u00fcfer und Marco Ziegletti in situ entstandene S\\u00e4ule &#8218;Artefacts &amp; Stylite\\u2019 kann als komplement\\u00e4re und daher bunte S\\u00e4ule zur Holzs\\u00e4ule &#8218;Styler &amp; Stylite\\u2018 gesehen werden. Das Wort \\u201aArtefacts\\u2018 im Titel verweist auf die Wurzeln der beteiligten K\\u00fcnstler in der Graffitiszene. Sie sind heute jedoch ohne direkten Bezug zur Szene t\\u00e4tig. Wie auch die Holzs\\u00e4ule, ist &#8218;Artefacts &amp; Stylite\\u2018 als gemeinschaftliches Gesamtwerk zu betrachten. Jedoch ist das diesmalige Vorgehen eine Reminiszenz an das Lebensgef\\u00fchl der lebhaften Szene zu Anfangszeiten der 80er Jahre, als man sich noch vor einem St\\u00fcck Mauer traf (meistens waren es die sog. &#8218;Hall of Fames\\u2018, an denen viele Bilder zu sehen waren), es gemeinsam bemalte und dabei Musik h\\u00f6rte. Mittlerweile ist die Subkultur Graffiti als selbstverst\\u00e4ndlicher Teil der Gegenwartskunst in der Hochkultur angekommen. Diesen Br\\u00fcckenschlag machen die K\\u00fcnstler f\\u00fcr  die Stoa169 deutlich. F\\u00fcr die Umsetzung fanden sich alle in der S\\u00e4ulenhalle f\\u00fcr einen Tag ein. Alle Beteiligten haben, obwohl der Spr\\u00fchdose entwachsen, hier als Graffiti-Statement f\\u00fcr die Stoa169 mit der Dose gemalt.<br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.sebastianbuehler.de\\\" target=\\\"_blank\\\">www.sebastianbuehler.de<\\\/a>  <br><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.timur-lukas.de\\\" target=\\\"_blank\\\">www.timur<\\\/a><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.timur-lukas.de\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">&#8211;<\\\/a><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.timur-lukas.de\\\" target=\\\"_blank\\\">lukas.de<\\\/a>   <br><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.danielman.net\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\">www.danielman.net<\\\/a>  <br><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.maximilian-pruefer.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.maximilian-pruefer.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><br>Foto: \\u00a9 der K\\u00fcnstler<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"B\\u00fchler, Timur Lukas, Daniel Man, Maximilian Pr\\u00fcfer, Marco Ziegletti\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/09\\\/artfeacts-portrait-www.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/sebastian-buhler-timur-lukas-daniel-man-maximilian-prufer-marco-ziegletti\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/04\/Chernysheva.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Olga Chernysheva\",\"text\":\"\\n<p>* 1962 in Moskau; lebt in Moskau<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Olga Chernysheva studierte am Gerasimov Institut f\\u00fcr Kinematographie in Moskau (Spezialisierung Animation) und an der Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam. Chernysheva gilt als ein f\\u00fchrende Vertreterin der in den 90er Jahren in die \\u00d6ffentlichkeit tretenden Moskauer Generation, die sich in einer Zeit gro\\u00dfer politischer und kultureller Ver\\u00e4nderungen einen Namen gemacht hat, welche allerdings auch durch die schwierigen Reformen des sowjetischen Systems und die wirtschaftlichen Probleme, die einen gro\\u00dfen Teil der Bev\\u00f6lkerung betrafen, gepr\\u00e4gt waren. Chernyshevas Arbeit in verschiedenen Medien &#8211; darunter auch sehr kurze Essays, die sie mit stehenden oder bewegten Bildern kombiniert &#8211; basiert auf einer genauen Beobachtung der sie umgebenden Realit\\u00e4t. Chernysheva setzt die lange russische Tradition des sozialen Realismus (ganz anders als der sozialistische Realismus, die offizielle k\\u00fcnstlerische Doktrin der ehemaligen Sowjetunion) und der Kunst als eine Art kritische und mitf\\u00fchlende Erz\\u00e4hlung fort. Ihr Werk ist formal anspruchsvoll, subtil und humorvoll. Einzelausstellungen ihres Werkes fanden im Staatlichen Russischen Museum in Sankt Petersburg (&#8222;The Happiness Zone&#8220;, 2014), im Museum f\\u00fcr Zeitgen\\u00f6ssische Kunst Antwerpen (&#8222;Keeping Sight&#8220;, 2014), in der Secession in Wien (&#8222;Chandeliers at the Forest&#8220;, 2017) statt. Sie vertrat Russland auf der Biennale in Venedig 2001, ihre Werke wurden auf der 56. Biennale von Venedig (2015), Manifesta 10 in Sankt Petersburg (2014), 1. Bergen Triennale, Bergen, Norwegen (2013) gezeigt.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.olgachernysheva.ru\\\" target=\\\"_blank\\\">www.olgachernysheva.ru<\\\/a> \\\/ Foto: Olga Chernysheva<a href=\\\"\\\"><\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Chernysheva\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/04\\\/Olga-Chernysheva_portrait-web-e1618836660228.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/olga-chernysheva\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/mingiedi.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Mega Mingiedi Tunga\",\"text\":\"\\n<p>* 1976 in Kinshasa, Demokratische Republik Kongo<br>lebt in Kinshasa <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Mega Mingiedi Tunga studierte an der Akademie der Bildenden K\\u00fcnste in Kinshasa und an der \\u00c9cole Sup\\u00e9rieure des Arts D\\u00e9coratif in Stra\\u00dfburg und ist Mitbegr\\u00fcnder von \\u201eEZA-POSSIBLES\\u201c, einem Kunstkollektiv verschiedener Fachrichtungen in Kinshasa. Mega Mingiedi Tunga arbeitet haupts\\u00e4chlich mit Zeichnung und Collage. In seinen Arbeiten besch\\u00e4ftigt er sich mit dem urbanen Raum, der Stadt und verwandten Themen wie Mobilit\\u00e4t, Verkehr und wirtschaftlichen Einfl\\u00fcssen sowie dem Kontrast zwischen der Stadt und den Slums. Ausgangspunkt ist Kinshasa, die Stadt, in der er lebt und arbeitet. Er kreiert imagin\\u00e4re gro\\u00dfformatige Kartographien, die dennoch die soziale Realit\\u00e4t widerspiegeln; in diesen erinnert er sowohl an historische Ereignisse als auch an m\\u00f6gliche Zukunftschancen f\\u00fcr die St\\u00e4dte. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Mega Mingiedi Tunga <\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Mingiedi Tunga\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/09\\\/mega-e1567584505210.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/mega-mingiedi-tunga\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/09\/slider-paladino.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Mimmo Paladino\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1948 in Paduli, Italien<br>lebt in Mailand und Benevento<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Mimmo Paladino z\\u00e4hlt zu den Hautvertretern der TRANSAVANTGUARDIA, bzw. der Arte Cifra, einer italienischen Variante der Neuen Wilden. 1964 bis 1968 studierte Paladino Malerei am Liceo Artistico in Benevento, Italien. Gepr\\u00e4gt durch die Formensprache der TRANSAVANTGUARDIA wendet sich Paladino ab den 1980er Jahren verst\\u00e4rkt dem Gegenst\\u00e4ndlichen zu. Nach einer zeichnerischen Auseinandersetzung mit mythologischen Themen in den 1970er Jahren entwickelte er in seinem Sp\\u00e4twerk eine freskenhafte Technik f\\u00fcr Wandmalereien mit Pastellfarben. Immer wiederkehrende Motive in seinem Werk sind Menschen, Tiere, Masken, B\\u00e4ume, Pflanzen und das Kreuz. Symbole vergangener und verschiedener Kulturen, antike und christliche Motive, Mythologien sowie Zitate aus der europ\\u00e4ischen Kunstgeschichte werden kombiniert, verfremdet und symbolisch verschl\\u00fcsselt. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>\\u201cArt should generate ceaseless questions and never give answers.\\u201d (Mimmo Paladino, fARTiculate, 2011)<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"http:\\\/\\\/www.galerieklueser.de\\\/kuenstler\\\/mimmo-paladino\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.galerieklueser.de\\\/kuenstler\\\/mimmo-paladino (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.galerieklueser.de\\\/kuenstler\\\/mimmo-paladino<\\\/a> <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Lorenzo Palmieri<br><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Paladino\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Paladino_Ritratto_\\u00a9_Lorenzo_Palmieri-e1565622106674.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/mimmo-paladino\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/09\/Wei.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Liu Wei\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1972 in Peking, China<br>lebt in Peking<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Liu Wei wurde in Peking geboren, wo er heute noch lebt und arbeitet. 1996 wurde er an der China Academy of Art in Hangzhou zum Maler ausgebildet. Liu Wei ist stark von der Instabilit\\u00e4t und Fluktuation beeinflusst, die dem China des 21. Jahrhunderts zu eigen sind, insbesondere in Bezug auf die physische und geistige Landschaft des Landes. Urspr\\u00fcnglich geh\\u00f6rte Liu zu der K\\u00fcnstlergeneration, die als Post-Sensibility-Gruppe bekannt ist. In den letzten Jahren ist Liu mit seinen Gem\\u00e4lden, Videos und gro\\u00dfformatigen Installationen zu einer singul\\u00e4ren Pr\\u00e4senz auf der globalen Kunstb\\u00fchne geworden.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Zu den j\\u00fcngsten Einzelausstellungen von Liu Wei geh\\u00f6ren &#8222;\\u6563\\u573a\\uff0fOVER&#8220; (Long Museum West Bund, Shanghai, 2020); &#8222;Invisible Cities&#8220; (moCa Cleveland und das Cleveland Museum of Art, Cleveland, 2019) und andere. Zu den j\\u00fcngsten Gruppenausstellungen geh\\u00f6ren: &#8222;Art and China after 1989 Theater of the World&#8220; (Guggenheim Museum, New York, 2017); &#8222;Adventures of the Black Square &#8211; Abstract Art and Society 1915-2015&#8220; (Whitechapel Gallery, London, 2015); er nahm unter anderem an der 58. und 51. Biennale von Venedig (2019, 2005); der 11., 8. und 5. Shanghai Biennale (2016, 2010, 2004); der 13. und 9. Biennale de Lyon (2015, 2007) teil. Er wurde f\\u00fcr den Award of Art China 2015 nominiert und erhielt den Preis 2016; er war Artnet Artist of the Year und Botschafter des kulturellen Austauschs zwischen China und Australien 2016; 2008 erhielt er den Chinese Contemporary Art Award for Best Artist.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Jin Jiaji<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Liu Wei\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/05\\\/liu-wei-\\u7167\\u7247-www.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/liu-wei\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2020\/08\/Anzinger-hoch_DSC00817.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Siegfried Anzinger\",\"text\":\"\\n<p>* 1953 in Weyer an der Enns, Ober\\u00f6sterreich<br>lebt in K\\u00f6ln<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Von 1971 bis 1977 studierte Siegfried Anzinger an der Akademie der bildenden K\\u00fcnste Wien, im Anschluss siedelte er nach K\\u00f6ln \\u00fcber, wo er bis heute lebt. Bereits 1986 wurde er mit dem Oskar-Kokoschka-Preis ausgezeichnet, 1990 folgte der Preis der Stadt Wien f\\u00fcr Malerei, 2004 der Gro\\u00dfe \\u00d6sterreichische Staatspreis f\\u00fcr Bildende Kunst und 2006 der Landeskulturpreis f\\u00fcr bildende Kunst, Ober\\u00f6sterreich. Anzinger war in zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland vertreten, darunter 1982 auf der documenta 7 und in der Ausstellung \\u201eZeitgeist\\u201c (Martin-Gropius-Bau); 1985 Kunstmuseum Basel und St\\u00e4dtisches Museum Bonn; 1986 Kunsthalle Hamburg; 1988 Biennale von Venedig (\\u00d6sterreichischer Pavillon); 1998 Museum Moderner Kunst Wien; 2000 Kunsthalle Bielefeld; 2004 Albertina Wien; 2005 Gemeentemuseum Den Haag; 2010 Lentos Kunstmuseum Linz; 2019 Museum W\\u00fcrth, K\\u00fcnzelsau.<br>Seit 1997 ist Anzinger ist Professor f\\u00fcr Malerei und Graphik an der Kunstakademie D\\u00fcsseldorf.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Bernd Zimmer<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Anzinger\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2020\\\/08\\\/IMG_2313-rotated-e1598272698543.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/siegfried-anzinger-2\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/11\/Okore.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Nnenna Okore\",\"text\":\"\\n<p>* 1975 in Canberra, Australien, lebt in Chicago<br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Nnenna Okore ist in Australien geboren und in Nigeria aufgewachsen. <br>Nach ihrem Studium der Malerei an der University of Nigeria in Nsukka absolvierte Nnenna Okore ein Bildhauerei-Studium an der University of Iowa. Internationale Anerkennung erhielt die K\\u00fcnstlerin durch ihre aufw\\u00e4ndig strukturierten Faserkunstskulpturen und Installationen. Bekannt f\\u00fcr ihre Verflechtungen mit der Umwelt, erforschen ihre Arbeiten die Fragilit\\u00e4t und Verg\\u00e4nglichkeit der terrestrischen Existenz. Ihre hochtaktilen Skulpturen reagieren auf die Rhythmen und Konturen des Alltags und kombinieren reduktive Methoden des Schredderns, Ausfransens, Drehens, K\\u00e4mmens und Waschens mit konstruktiven Prozessen des Bindens, Webens, N\\u00e4hens und F\\u00e4rbens. Auch die vertrauten Kl\\u00e4nge von Fegen, Hacken, Sprechen und Waschen, Prozesse, die die Verg\\u00e4nglichkeit der menschlichen Arbeit und ihre unvermeidlichen Spuren in der materiellen Welt widerspiegeln, bestimmen ihre \\u00c4sthetik.&nbsp;<br>Nnenna Okore ist Professorin f\\u00fcr Kunst an der North Park University in Chicago, wo sie den Bereich Skulptur betreut. Ihre Werke wurden unter anderem im Museum of Art and Design in New York, im Museu Afro Brasil in Sao Paulo und im Cleveland Museum of Art gezeigt.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>&#8222;I engage deeply, almost spiritually, with my materials and processes\\u2014 listening to them, hearing their voices, and following their leads.&#8220; (Artdesigncafe)<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"https:\\\/\\\/nnennaokore.com\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"https:\\\/\\\/nnennaokore.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">https:\\\/\\\/nnennaokore.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Nnenna Okore<br><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Okore\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/11\\\/NnennaOkore_foto_artist-klein-e1574084033627.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/nnenna-okore\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/09\/Gerne-nur-die-rechte-Sa\u0308ule-freistellen.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Sokari Douglas Camp\",\"text\":\"\\n<p>* 1958 in Buguma, Nigeria<br>lebt in London, Gro\\u00dfbritannien <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Sokari Douglas Camp studierte bildende Kunst an der Central School of Art and Design und am Royal College of Art in London. Sie hat Gro\\u00dfbritannien und Nigeria bei nationalen Ausstellungen vertreten und hatte mehr als 40 Einzelausstellungen weltweit. Zu ihren \\u00f6ffentlichen Kunstwerken geh\\u00f6ren \\u201eBattle Bus: Living Memorial for Ken Saro-Wiwa\\u201c (2006), eine originalgetreue Nachbildung eines nigerianischen Stahlbusses, der als Denkmal f\\u00fcr den verstorbenen Niger-Delta-Aktivisten und Schriftsteller steht. 2015 reiste der \\u201eBattle Bus\\u201c im Rahmen der Aktion &#8222;Saro-Wiwa&#8220;, einer Kampagne zur S\\u00e4uberung des Niger-Deltas, nach Nigeria. 2012 wurde \\u201eAll the World is Richer\\u201c, ein Denkmal zum Gedenken an die Abschaffung der Sklaverei im Unterhaus ausgestellt. 2014 wurde die Skulptur in der St. Paul&#8217;s Cathedral London ausgestellt. <br>2003 war Sokari Douglas Camp auf der Shortlist f\\u00fcr den &#8222;Trafalgar Square Fourth Plinth&#8220; und erhielt 2005 einen britischen Ritterorden, den &#8222;Commander of the Order of the British Empire&#8220;, in Anerkennung ihrer Verdienste um die Kunst.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"http:\\\/\\\/sokari.co.uk (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/sokari.co.uk\\\" target=\\\"_blank\\\">http:\\\/\\\/sokari.co.uk<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Sokari Douglas Camp <\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Douglas Camp\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/09\\\/FC326A09-9E05-4549-9355-906FB65CA13B-e1567946026644.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/sokari-douglas-camp\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/08\/Sierra.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Santiago Sierra\",\"text\":\"\\n<p><sup>* <\\\/sup>1966 in Madrid, Spanien, lebt in Madrid<br><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Nach Abschluss des Studiums der Bildenden Kunst an der Complutense  University in Madrid f\\u00fchrte Santiago Sierra seine k\\u00fcnstlerische  Ausbildung in Hamburg fort, wo er bei F. E. Walter, S. Brown und B. J.  Blume studierte. Seine Anf\\u00e4nge sind mit alternativen Kunstkreisen in  Madrid verbunden, einen Gro\\u00dfteil seiner Karriere setzte er dann in  Mexiko (1995-2006) und Italien (2006-10) fort.<br>Sierras Werk  zielt darauf ab, Machtstrukturen aufzudecken, die die Entfremdung und  Ausbeutung der Arbeiter, die Ungerechtigkeit der Arbeitsbeziehungen, die  ungleiche Verteilung des vom Kapitalismus produzierten Reichtums oder  auch die Rassendiskriminierung in einer Welt erm\\u00f6glichen, die durch nur  in eine Richtung verlaufende (s\\u00fcd-n\\u00f6rdliche) Migrationsstr\\u00f6me gepr\\u00e4gt  ist. Sierra benutzt und ver\\u00e4ndert dabei Strategien, die die  minimalistische, konzeptuelle und performative Kunst der 1960er und 70er Jahre charakterisieren.<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>&nbsp;\\u201eMenschen sind Gegenst\\u00e4nde des Staates und des Kapitals und werden auch so behandelt. Genau das versuche ich zu zeigen.\\u201c (Santiago Sierra, Galerie Thomas Zander)&nbsp;<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a href=\\\"https:\\\/\\\/www.santiago-sierra.com\\\/index_1024.php\\\" target=\\\"_blank\\\" rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\"www.santiago-sierra.com (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\">www.santiago-sierra.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Santiago Sierra<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Sierra\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/sierra_portrait-e1565682604499.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/santiago-sierra\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2019\/08\/Scherer_mostra-5-neu.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Yves Scherer\",\"text\":\"\\n<p>*&nbsp;1987 in Solothurn, Schweiz<br>lebt in New York City, USA<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Yves Scherer studierte von 2012 bis 2014 Bildhauerei am Royal College of Art und Kulturwissenschaften in Luzern, Basel und Berlin.<br> In seinem k\\u00fcnstlerischen Werk integriert Yves Scherer medi\\u00adale und popkulturelle Ph\\u00e4nomene und benutzt in seinen zwei- und dreidimensionalen Arbeiten sowohl analoge als auch digitale Techniken. Seinen Skulpturen liegen oft 3D-Modelle zugrunde, die auf einem Durchschnittsbild basieren, das Scherer aus den im Netz kursie\\u00adrenden Abbildungen errechnet hat. <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<blockquote class=\\\"wp-block-quote is-layout-flow wp-block-quote-is-layout-flow\\\"><p>&#8222;I always see my computer as the center of my practice, it\\u2019s like the place most of my research comes from, where I work with my collaborators and fabricators and where most of my ideas grow from.\\u201c (Yves Scherer, indechs)<\\\/p><\\\/blockquote>\\n\\n\\n\\n<p><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" aria-label=\\\" (\\u00f6ffnet in neuem Tab)\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.yvesscherer.com\\\" target=\\\"_blank\\\">www.yvesscherer.com<\\\/a><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto \\u00a9 Ben Pier<\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Scherer\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2019\\\/08\\\/Scherer-portrait-\\u00a9-Ben-Pier-1.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/yves-scherer\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/02\/Kilpper.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Thomas Kilpper\",\"text\":\"\\n<p>* 1956 in Stuttgart; lebt in Berlin<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Thomas Kilpper studierte Bildende Kunst an der Staatlichen Kunstakademie in N\\u00fcrnberg, D\\u00fcsseldorf und Frankfurt am Main; er lebt und arbeitet in Berlin und Bergen. Er arbeitet vorzugsweise ortsbezogen und mit einem breiten Spektrum von Medien &#8211; Installation, Skulptur, Grafik, Fotografie, Video. Kilppers Kunstprojekte mischen sich immer wieder in verschiedene Bereiche sozialer Konfliktfelder ein und versuchen den Raum f\\u00fcr emanzipatorische Entwicklungen der Gesellschaft auszuloten. Die Suche nach Sch\\u00f6nheit und der Kampf um gesellschaftliche Freiheit geh\\u00f6ren zusammen. Seit 2006 betreibt er als Teil seiner k\\u00fcnstlerischen Praxis den Ausstellungsraum <em>after the butcher <\\\/em>bis heute mit \\u00fcber 80 Ausstellungen. Soloprojekte sind unter anderem: <em>K\\u00f6ln Fragmente, <\\\/em>Galerie Nagel Draxler, K\\u00f6ln (2020),&nbsp; <em>Politics of Heritage vs. the Heritage of Politics<\\\/em>, Edinburgh Printmakers (2019), <em>Entwurzelt, <\\\/em>Galerie im K\\u00f6rnerpark, Berlin (2018)<em>, Spuren des Krieges, <\\\/em>im Rahmen von <em>Vermisst! Der Turm der Blauen Pferde von Frans Marc, <\\\/em>Pinakothek der Moderne, M\\u00fcnchen (2017), <em>A Lighthouse for Lampedusa!<\\\/em>, Bozar, Museum f\\u00fcr zeitgen\\u00f6ssische Kunst, Br\\u00fcssel (2016), <em>Contemporary Footprints,<\\\/em> National Gallery Oslo (2015), <em>Resist &#8211; or Let It Be!<\\\/em> Christian Nagel Gallery, Berlin (2013), <em>Pavilion for Revolutionary Free Speech<\\\/em>, im Rahmen von SPEECH MATTERS, D\\u00e4nischer Pavillon, 54. Biennale Venedig (2011), <em>State of Control<\\\/em>, ehemaliges Ministerium f\\u00fcr Staatssicherheit (Stasi), Berlin (2009). Thomas Kilpper wird von der Galerie Nagel Draxler (K\\u00f6ln\\\/Berlin\\\/M\\u00fcnchen) vertreten. Seit 2014 ist er Professor f\\u00fcr Kunst mit Schwerpunkt Druckgrafik an der Fakult\\u00e4t f\\u00fcr Kunst, Musik und Design der Universit\\u00e4t in Bergen, Norwegen.<br>Foto \\u00a9 Jens Ziehe<br><a rel=\\\"noreferrer noopener\\\" href=\\\"http:\\\/\\\/www.kilpper-projects.de\\\" target=\\\"_blank\\\">www.kilpper-projects.de<\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Kilpper\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/05\\\/KILPPER150509_06_Jens_Ziehe-1.jpeg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/thomas-kilpper\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"position-relative\">\n          <div class=\"carousel-el\" style=\"background-image: url('https:\/\/stoa169.com\/wp-content\/uploads\/2021\/07\/Lehmann.jpg');\" data-carousel='{\"title\":\"Lara Mali Lehmann\",\"text\":\"\\n<p>* 1999 in M\\u00fcnchen; lebt in M\\u00fcnchen <\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Lara Mali Lehmann studiert seit 2019 an der Berufsfachschule f\\u00fcr Holzbildhauerei, Schulen f\\u00fcr Holz und Gestaltung in Garmisch-Partenkirchen.  <br><br>Das Konzept ihrer S\\u00e4ule zum Thema &#8222;Doppelhelix. Die menschliche DNA&#8220; beschreibt Lehmann folgenderweise: &#8222;Die Doppelhelix der DNA sind zwei sich immer umspielende, stets in gleicher N\\u00e4he sowie in gleicher Distanz zueinander befindliche Str\\u00e4nge. Eine von der Natur aus strukturierte Ordnung, welche jedoch auch verworren sein kann.<br>\\u201eVerworrene Entwirrungen\\u201c soll diesen komplexen Strudel des Lebens versinnbildlichen.&nbsp;Die Lianen finden Anklang an dem Konstrukt einer Doppelhelix. Die Str\\u00e4nge greifen zudem die unergr\\u00fcndliche Frage nach unserem Ursprung auf, unserer Menschlichkeit. Ob nun wissenschaftlich fundiert oder lediglich die Frage an uns selbst, wer wir sind und woher wir kommen.<br>Nach der biologischen Systematik geh\\u00f6rt der Mensch der Familie der Menschenaffen an. Diese Verbindung bewegte mich dazu, zwei Schimpansen als Sinnbild f\\u00fcr uns selbst zu&nbsp;nehmen. Im Strudel des Lebens kann in der Gemeinschaft Verworrenes \\u201eentwirrt\\u201c, oder&nbsp;auch neue Knoten geflochten werden, um die Frage um unser Selbst zu kl\\u00e4ren. Die Schimpansen k\\u00f6nnen hierbei ebenso an die Koexistenz zweier Teile denken lassen, die in einem Jeden von uns leben. Der nat\\u00fcrliche, fest vorgeschriebene Teil &#8211; unsere DNA &#8211; und der freie, nicht greifbare Teil&nbsp;\\u2013 unser Geist -, welche uns durch innere und \\u00e4u\\u00dfere Einfl\\u00fcsse im Leben individuell formen. Diese Zwei sind zwar eng miteinander verbunden, arbeiten jedoch oft beide f\\u00fcr sich.<br>Es ist ein Strom von Verworrener Entwirrung.&#8220;<\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p><\\\/p>\\n\\n\\n\\n<p>Foto: Lara Mali Lehmann<a href=\\\"\\\"><\\\/a><\\\/p>\\n\",\"artist\":\"Lehmann\",\"image\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/wp-content\\\/uploads\\\/2021\\\/04\\\/Lehmann-portait-\\u00a9-Lara-Mali-Lehmann.jpg\",\"link\":\"https:\\\/\\\/stoa169.com\\\/de\\\/stoa\\\/lara-mali-lehmann\\\/\"}'>\n          <\/div>\n        <\/div>\n                              <div class=\"h-100\">\n            <div class=\"carousel-el empty\"><\/div>\n          <\/div>\n                    <div class=\"h-100\">\n            <div class=\"carousel-el empty\"><\/div>\n          <\/div>\n                    <div class=\"h-100\">\n            <div class=\"carousel-el empty\"><\/div>\n          <\/div>\n                    <div class=\"h-100\">\n            <div class=\"carousel-el empty\"><\/div>\n          <\/div>\n          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